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德國海德堡(Heidelberg)公司作為全球商業印刷、包裝印刷、標籤印刷和數位印刷領域的可靠夥伴，已經走過175年的歷程，並持續引領著全世界印藝產業的創新發展。今年適逢海德堡創立175週年慶，為了深入了解台灣客戶需求，加強與客戶緊密關係，海德堡印刷設備(上海)有限公司(以下簡稱HGES)總裁Michael Nilges特別於今年4月初來台拜會客戶，此次拜訪進一步鞏固彼此之間的合作關係，並為未來合作奠定了堅實基礎。透過面對面的交流，海德堡與客戶分享最新的技術創新和市場趨勢，並探討如何共同應對未來嚴厲的挑戰，期待能提供更貼切滿足客戶的需求，進而實現雙贏的目標。 基於台灣客戶對海德堡印刷設備的信任與支持，雙方之間期待著來日有更多的合作機會，共同創造更加輝煌的未來。本刊特別專訪海德堡印刷設備(上海)有限公司總裁Michael Nilges，來談談HGES的市場定位、經營理念、核心價值、服務內容、如何成為設備生產基地中心，以及發展策略和未來展望。 ●拜訪台灣客戶合影，從左至右前排為衡易印刷機材總經理鄭佳益、海德堡印刷備(上海)有限公司機械加工部門經理Tommy Mannewitz、總裁Michael Nilges、鼎易印刷總經理單文時；後排為台灣海德堡總經理Arkin Pariltan、鼎易印刷/創宇印刷董事長潘正義 Q1：談談個人進入海德堡集團的緣由及主要歷程？  A：我在POLAR集團開始了職業生涯，後來負責POLAR集團在上海的生產基地，之後回到POLAR德國領導集團的包裝部門。我在2019年開始與海德堡結下不解之緣，真正吸引我加入海德堡的緣由是設備的卓越精度、集團對最高質量標準和客戶的強烈承諾。我也很重視專業和合作的工作環境，尤其是市場和工廠之間的緊密聯繫。在這裡，技術卓越和客戶導向是真正結合在一起。 Michael Nilges現任HGES總裁，在過去的15年裡，其在德國和中國的印刷和包裝行業擔任多個高階管理職位，推動業務增長並領導向全球新興市場的擴展。在加強集團於中國的存在方面發揮了重要作用，在他的領導下，海德堡公司成功地將整個產品線遷移到上海工廠，將其轉變為集團的主要生產中心。 ●海德堡上海青浦工廠總面積10萬平方公尺，生產面積7萬平方公尺，所生產製造的印刷機出口超過全球70個國家 Q2：海德堡印刷設備(上海)有限公司的市場定位、經營理念、核心價值、服務內容與客戶群為何？ A：海德堡在中國起步，並透過上海工廠成功進一步開發這個市場，擴展其在工業印刷領域的領先地位，上海生產基地是海德堡國際生產網絡的重要組成部分。 2005年，海德堡敏銳地捕捉到中國市場的巨大潛力，在上海青浦建設裝配車間。這一戰略佈局順應中國印刷市場的蓬勃發展需求，為海德堡在中國市場的深耕細作打下堅實基礎。如今，青浦工廠已成為海德堡全球佈局中不可或缺的重要力量。當初上海工廠在20年前成立時，其最初的重點是為中國市場生產高品質的標準印刷機。多年來，工廠逐漸擴展範圍，供應整個亞太地區，並建立「海德堡製造」的聲譽。 從今年下半年開始，HGES將全面負責海德堡三個完整產品線，分別為CX 92、CX 104和SX 102型號的張頁式印刷機裝配，這些產品將專門在上海青埔廠生產，同時供應全球市場。HGES擁有ISO 9001-14001和UL認證，以確保高標準的質量和安全；該廠目前有551名員工，廠房總面積為10萬平方公尺，其產品出口到包括德國在內的70多個國家。 海德堡的經營理念以開放為中心，運營一個「開放工廠」，歡迎透明度和合作。我們的核心價值觀反映了對集團內一致品質的承諾：「海德堡製造」代表著設計、設備、流程和人員的同等品質。HGES也專注於生產高端印刷機，服務於與我們總部相同的客戶群，主要是全球市場上的高端包裝和商業印刷商。 此外，海德堡在德國威斯洛赫-瓦爾多夫、上海和美國亞特蘭大設立的印刷媒體中心(PMC)，形成一個強大的全球能力網絡。而上海印刷媒體中心，每年接待超過1,000名訪客，並定期舉辦各類的相關活動。海德堡為印刷媒體產業提供廣泛的服務組合，包括外部和內部培訓、演示、測試實驗室和工廠參觀。同時也為台灣印刷同業提供專屬的培訓課程，包括印前類、印刷機類、耗材類、數位印刷類等。 ●上海青浦工廠全面負責海德堡三個完整產品線，分別為CX 92、CX 104和SX 102型號的張頁式印刷機裝配，同時供應全球市場 Q3：如何積極推動上海青浦工廠生產的設備進入全球市場，並成為集團的主要生產基地中心？ A：海德堡的策略是建立在德國和中國之間的平行生產基礎上，這種雙地點設置在威斯洛赫-瓦爾多夫和上海的生產，給我們帶來了戰略優勢，尤其是在當前地緣政治挑戰的背景下。 HGES在全球產品開發中扮演著積極的角色，我們擁有專門的產品管理團隊，該團隊與遍布超過170個國家的所有銷售和服務單位密切合作，以確保與全球市場的需求保持一致。 同時HGES還透過開放日活動和工廠參觀積極參與國際市場，向全球客戶和合作夥伴提供完全透明的資訊。然而，最有效的推廣方式仍然是海德堡產品的質量。透過始終達到與德國總部相同的高標準，我們建立信任和信譽，並展示了「海德堡製造」代表卓越，無論機器在哪裡生產。 ●上海青浦工廠倉儲中心總面積高達4,500平方公尺，儲存有12,000多種不同的零件，可隨時供應客戶的需求 

2005年春節，林磐聳返回東港老家看見父親書房中的黃金葛，綠意盎然而充滿生命力。這盆栽展現經歷大武山落山風洗禮後的堅韌，還有東港海洋風鹹濕味道的孕育，養成一盆翠綠的生命象徵。他當天便以此為對象畫了第一張台灣島嶼造型的練習曲。他巧手妙思將那些層層疊疊看似無序的葛藤，加以藝術化處理後，整出一個翠綠的台灣形象，這個模式也確定了他以台灣造型作為載體的創作風格。以老家盆栽作為描繪的對象，以家鄉作為出發點別具意義。他彷彿找到創作的源頭，此後源源不斷的創意欲罷不能，創造了非常多豐富且精彩的作品。在每次的旅行中，他能敏銳地感受當地的人文地景，並將之轉化進行這樣的「練習曲」磨練基本功，造就了他手到圖來的功力，使他成為設計界一道不可忽視的風景。筆者問他，何來這樣的恆心與毅力？他笑說就像台灣電影《練習曲》中的名言：「有些事現在不做，一輩子都不會做了！」 以台灣作為載體，他還把台灣這塊土地上的植物花卉、川流山石、生態環境、人文風情和家國情懷，通通收納在台灣圖騰裡面，具體而微地展現台灣的多元面貌。例如〈台灣櫻花鉤吻鮭〉是以美麗的弧線構成律動的魚身，是一件優秀的作品。櫻花鉤吻鮭是冰河時期留下的魚類，因為地殼變動，高山隆起，河流阻斷，讓它們回不到洄游的大海與河流。但它們強韌的生命力，重新適應武陵農場七家灣溪的生態而奇蹟般存活了下來，成為台灣最珍貴的國寶魚。櫻花鉤吻鮭的傳奇，本身就具有很強的啟示性，林磐聳這件作品傳達了台灣最具象徵性的生命力。 〈書香台灣〉也是一件精彩的作品。他巧思把台灣包裝成一本半開的書，並從中開出美麗的花朵。看似簡單的筆觸裡，有著綿密的思考。閱讀是最經濟的旅行，打開書本你就擁有世界。閱讀，你的思想就可以開花結果，多美好的想像。因此，法蘭克福國際書展台灣館選擇這件作品當主視覺，真的是再恰當不過了。 〈台東蝴蝶蘭〉也是練習曲中的精品。台灣原生種的白色蝴蝶蘭，曾代表台灣在花卉市場和花藝界大放異彩。一盆盛開的蝴蝶蘭構成一個台灣島，細緻豐富的點描線條構圖，自帶一份高雅氣味。〈野薑花香〉構圖活潑，吸引目光，野性的香氣四溢。展現台灣山脈之美的〈中央山脈〉，百岳從北到南，依序展開，在雲霧間隱現，傳神至極。從屏東到台東的〈九彎十八拐〉舊南迴公路，以S型為設計基調，連成一幅流動的畫面，忠實傳遞逢山開路、逢水架橋、峰迴路轉的險峻，也給人一種飛馳期間的暈眩感和台東人回家之難的體驗。〈永結同心〉則從彩帶構思，以絲帶線條的圓弧律動包紮台灣，別出心裁，效果奇佳。上述這些簡介只是他眾多作品中的幾個例子，但每幅作品都不禁叫人讚嘆，他變化萬千的藝術手法，展現出多元多彩的台灣風情。(見圖24) ●圖24：〈台灣練習曲〉系列作品－屏東東港老家黃金葛(左)、台灣櫻花鉤吻鮭(中)、台東九彎十八拐(右)  除了手繪台灣家書和練習曲外，他對台灣的執著，竟然轉到收集看起來像似台灣的物件。他從杜象(Marcel Duchamp，1887～1968年)的〈噴泉〉(Fountain)得到以「現成物」(Art Object)來進行藝術表現的靈感，也就是以一件藝術家「挑選」，而非「製作」的現成品來展出。這種達達主義(Dadaism)精神，擺脫物件原有的功能屬性，重新把它安置在一個新的情境脈絡(Context)，讓物件產生全新的意義。換言之，這個系列企圖擺脫傳統繪畫藝術的規範，要拉近生活與藝術的距離，啟發觀者只要有心，都可以找到新的角度，從平凡的生活中，發現生活裡處處都潛藏著不平凡的美。 林磐聳常說：「只要有心，就會看見台灣」。於是他從石頭、樹葉、白雲、琥珀、蔬果、木紋ÿ等自然物裡去尋找形狀類似台灣島嶼造型的圖像，他把這個系列稱作「台灣觀自在」，取其「萬物靜觀自然」，夾帶《心經》的聯想。心經論述佛陀的慈悲大愛與航渡彼岸的智慧，林磐聳透過這個類似「文獻式行動藝術」的表現中，傳達他對台灣最單純、最無私、最令人動容的愛。 筆者問他為甚麼到處撿石頭，他笑稱：「要把流浪在外的台灣撿回家」。他通常會把找到的台灣圖像，拿在手上和石頭的所在地點一起拍照存證。這時候，拿在手上的石頭，也不只是石頭了，而更多的是他對台灣的愛，以及他要帶著台灣行走世界的隱喻。他的浪漫執著和對台灣認真的傻勁感動了他的朋友群，大家都知道帶一塊台灣石頭送他，最能博取他的歡心。 這個帶點實驗性質的「行動藝術」，擴展他的藝術「再現」方式。我們跟著他的足跡，可以看見石頭台灣出現在世界各地。在巴黎、倫敦、馬德里、阿姆斯特丹、柏林、莫斯科、北京、上海、首爾、東京、大阪、京都、曼谷、檳城、雪梨、墨西哥、洛杉磯、舊金山、紐約、大峽谷等地，他都找到流浪在外的台灣圖像。他在哪裡，台灣就在哪裡。 生活美學：文創的社會實踐 林磐聳學生時代追隨王建柱老師進行鹿港手工藝調查研究，受到王老師「以民族為本位，以時代為導向，以生活為重心」主張的感召，雖後來走向設計專業，但他深深體會文化來自生活，也為生活服務；因此他關心生活美學，如何讓美學具體落實到我們的日常生活。他對常民文化的興趣也啟動他對墨斗的收藏之路。墨斗是木匠簡易繪製直線的工具，代表傳統文化對於「規矩準繩」嚴謹、理性、科學的要求，這不僅是對於設計人別具意義，更是體現「道」與「器」合一的文化主體性。這些收藏陳列在臺師大設計系的「台灣設計口」，展示民間藝術的美，也體現了工具因使用而美的理念。 後來他接觸到「日本民藝之父」柳宗悅「日用為美」的哲學及他所推動的應用美學社會運動而大受啟發。他相信日常器物存在的美學就存在生活之中，也就是我們可以透過使用的生活器具，把蘊藏在「器」內的美學品味提煉出來，藉此提高社會大眾日常生活的品質。這種想法呼應十九世紀英國詩人兼「美術與工藝運動」(Art ＆ Craft Movement)領導人莫里斯(William Morris，1834～1896年) 所主張的美學走入生活。這位「現代設計之父」透過紡織藝術的設計改變了維多利亞時期民眾室內裝飾的風格，提高人民日常生活的品味。同時期還有英國藝術評論家兼工藝美術運動的發起人之一的羅斯金(John Ruskin，1819～1900年)，他也指出藝術與生活兩者殊途同歸的關係，並強調藝術是社會賦予每個人的文化財產。藝術不應僅限在美學上提供令人愉悅的經驗，而是應該對整體社會有更積極、更具建設性的影響。他強調藝術的社會責任，認為藝術不應只是有錢有閒階級的賞玩之物，或只是放在博物館裡展示或深藏在富豪的庫房裡。藝術美學要落實在常民生活裡，才有存在的價值。

有故事的人：吟詩的設計師 會說故事的人不多，有故事的人更少；會說故事本身又有故事的人，那就更是稀少了。林磐聳就是這樣一個少之又少的人。他被譽為「台灣設計界導師」，但卻是個很難被定於一格的人，因為他身上兼容並蓄，有著太多精采的故事。 ●(左)在中正紀念堂一樓第二、三展覽廳盛大展出的「就是愛，台灣：2025林磐聳台灣意象展」 ●(右)筆者莊坤良(左)與林磐聳合影於「就是愛，台灣」展覽現場   林磐聳給人的第一印象是：大氣、豪爽、真誠，能文能武、大開大闔、有勇有謀，極具人格魅力。他來自學院，但有著業界的經驗。能談理論，也有實踐能力。他受過傳統美術訓練，但在創意開發的設計領域大放異彩。酷愛旅行，走遍大江南北和世界各地。有著豐富的國際交流經驗，但更關心在地文化的發展。他的點子多，創意源源不絕。交遊廣闊，國內外人脈豐富，任何聚會，有他在場，總是談笑風生，趣味橫生。他渾身散發一股磁力，吸引大家親近，真是個天生的領袖人物。(見圖1～3) ●圖1(左)：2001～2003年林磐聳(右5)在南非約翰尼斯堡舉行的ICOGRADA國際平面設計社團組織會員大會獲選為ICOGRADA理事會九位成員之一 ●圖2(右)：2004年林磐聳(後排右2)邀請tDA亞洲設計聯盟成員參與東方技術學院主辦的「國際華文設計週」活動，展現其交遊廣闊與國外設計人脈 ●圖3：林磐聳自2006年為教育部啟動「設計戰國策：鼓勵學生參加藝術與設計類國際競賽計畫」   生長在屏東東港，從小看海長大，總是瞻望前方，具強烈的冒險精神，他帶著開創新局的企圖心，十足的海洋性格。回顧一生的成長，他說自己從大海學到如何面對困頓，也從中提煉出一套包容與分享的處世哲學。大武山下的屏東子民，對山也有一份特殊的感情。他的創作從雲霧嬝繞的大武山裡得到靈感，一系列的〈夢的島嶼〉和〈大山無價〉創作，總帶著大武山高拔挺立或飄渺在雲際的影子。山與海構成了他創作台灣故鄉最堅實的主題，他也在創作中展現出這份最純粹的鄉土情懷。 東港緊鄰台灣海峽，自清以來即有福建移民來此定居。居民傳統以捕漁為業，近年以捕撈黑鮪魚出名，但東港最為人熟知的文化慶典，當屬每三年一科的迎王平安祭典燒王船。林磐聳雖為高等學府的知識份子，但從小就接受王船的常民文化薰陶，因此對傳統文化也有一份近乎本能的喜愛，更把這份愛轉化為無盡的創作靈感。故鄉的風土人情是融入個人血肉的文化元素，而影響他藝術生涯更關鍵的是他的家庭教育。他生長在一個藝術的家庭，父親林慶雲是台灣早期傑出的攝影家之一，畫面構圖的藝術經營、光線的明暗對比、主題的選擇與個人情感的投入，這些基礎的美學元素，早在日常家居的生活裡就已經紮根。此外，他父親也是古典音樂的愛好者，早年在東港鄉下小鎮，聆聽巴哈、莫札特、貝多芬、蕭邦，恐怕也是鳳毛麟角的雅好。林磐聳受此影響，他對藝術設計的營造，也總能從音樂的流動中得到啟發。從具體物象到美術設計，從音韻感受到抽象思維，這種得天獨厚的家庭教養，讓他得以在音樂與攝影的沃土上成長。(見圖4、5) ●圖4(左)：林磐聳的父親是台灣前輩攝影家，其作品為國立台灣美術館、臺北市立美術館、高雄市立美術館、創價美術館典藏  ●圖5(右)：2018年創價美術館出版《時代的眼睛，故鄉的印記：林慶雲、林文彥、林磐聳父子三人聯展》專輯封面 這樣的生長環境可遇不可求，特別值得一提的是，他在高中時期遇到留日的美術老師莊世和，莊老師深受日本當時前衛藝術風潮的影響，在傳統為主的美術教育中獨樹一格，因此林磐聳的藝術啟蒙比別人還早，也早早開啟了接收藝術新風潮的信念。後來進入臺灣師大美術系，向國內一時之選的水墨、西畫、設計等藝術教授群學藝；從古典到現代，從實務到理論，他在臺師大受到諸多名師的啟蒙與薰陶，蔚然成為一位傑出的藝術青年。特別是他深受王建柱老師在設計思維與實踐的影響，引導他日後走上設計專業的道路。遇到好老師是他的幸運，但青出於藍則是他的努力與本事。 林磐聳喜歡閱讀與思考，閱讀讓我們與這時代無緣見面的人相遇，擴展我們生命領域，讓我們得以與遠方的作者進行知性的邂逅，啟迪思想。閱讀也是一種文字與思想的旅行，許多的創意也來自我們與陌生的作者所進行的心靈交流。他是設計界的文案高手，中文素養佳，思想活潑，這與他優秀的閱讀與寫作能力有關。他具詩人氣質，想像力豐富，情感細膩，賦詩寫作，信手捻來，多是佳作。例如，他與朋友唱和的小詩：「人生行旅已匆匆，藝友同游且從容，試問知己幾日紅？猶見門前一青松」。這是有情人談友情，相知相惜，盡在不言中。短詩讀來盡顯唐宋詩詞情懷，頗具古風趣味。他也為在九份黃金博物館駐村藝術家好友楊恩生來首亦莊亦諧的打油詩：「一人獨坐追時光，七旬已近莫輕狂；三五好友情難忘，九份黃金顯光芒」。玩玩數字遊戲，也帶出對朋友的真情。林磐聳曾經賦詩〈人到中年〉：「雙十潛沈藝中行，奮而立志摘星斗，江湖風雨心不惑，毀譽參半百折競；試問解甲子心境，七零八落看晚晴，九九夢迴停看聽，一如清風拂明鏡」。這些看似隨手而成的詩作，其實處處顯見巧思。 大學畢業後留在台北工作，28歲即出版通行兩岸、設計科系學生人手一冊的《CIS企業識別系統》專書，真是出名要趁早。之後與大學同學共同創業，成立登泰設計顧問公司，承接兩岸企業形象識別系統規劃設計，投入真槍實彈的設計實務。累積諸多實務經驗後，再返回臺師大母校擔任美術系教職，先後擔任美術系主任、視覺設計系主任與副校長，展現其行政長才。後來因緣際會搭上兩岸開放交流與國際化風潮的列車，他積極參與國際與兩岸設計社群並且獲獎無數，ICOGRADA國際平面設計社團協會分別於2002年和2011年，先後兩次頒發「傑出成就獎」和「設計教育貢獻獎」給林磐聳。這是他個人的成就，也是整體台灣設計界的榮譽。(見圖6、7) ●圖6：1985年林磐聳於空軍預官服役在藍天藝工隊期間，編著由藝風堂出版的《CIS/企業識別系統》  ●圖7：林磐聳分別於2002年和2011年兩次榮獲ICOGRADA國際平面設計社團協會頒發「傑出成就獎」和「設計教育貢獻獎」 他以設計作為一生的志業，長年畫著台灣，把台灣島嶼當作自己的個人符號，台灣故鄉的風土人情和歷史文化就成了他創意的源頭。多年來他持續以台灣印象、形象和意象展開系列創作，無數經典的作品在他的精心繪製之下相繼問世。綜觀之，他這一路走來，雖有顛簸起伏，但也開創大局，除了個人成就外，更成功地把台灣意象推向國際舞台。 班雅明(Walter Benjamin，1892～1940年)說：「講故事的人總是最敏銳地察覺過去在當下留下的痕跡。它們不是單純的想像產物，而是生活經驗的結晶。正因為如此，它們對聽者產生如此深刻的影響」。林磐聳的人生閱歷就是一則又一則精采的故事。他對事物的觀察評論，具有強烈的歷史感，對自己的志業，具有濃郁的使命感，因此總能從過往的故事中發現新的啟示。他的視野廣，觀察深，遇事總能撥雲見物，看見事物背後的本質因素。他的言語活潑，論述具有清晰的結構，同時善喻風趣，說起故事總是帶著感情而別具說服力。因此，其作品總能貼近人心，別具感染力易於引發大眾共鳴。有思想，有感情，有行動，他是國內最具影響力的設計師之一。 林磐聳身上有著強烈的設計師特質：「敏於時事，善於思考，勇於表現，樂於分享」。作品本身就會說話，他用平面海報設計說台灣的故事，他用景觀造型公共藝術說鄉土認同的故事，他用海內外撿來的石頭說台灣的心情故事，他持續從海外寄回明信片的家書，是心向台灣的具體行動藝術，他以作品與社會大眾溝通。透過展覽舉辦，我們一起來聆聽他的故事，細賞他的創作。

台灣海報：漂泊與情牽 這次的展覽的主題是台灣之愛，英文標題是“Simply Love/Taiwan”，給人單純為了愛，為了台灣，為了愛台灣的聯想。英文的Simply指不帶任何條件，只是單純本能的愛自己的故鄉，這句話總結了林磐聳設計生涯的主要關懷。整個展覽分為六個主題：(1)台灣形象識別設計；(2)台灣印象海報設計；(3)台灣意象藝術作品；(4)藝術與設計策展；(5)公共藝術；(6)文創商品，這六類的創作其實都環繞在台灣之愛這個母題之上。 出生在屏東東港，就註定永遠是台灣的孩子。我們出生的地方是我們的第一故鄉，也是永遠的故鄉，不論你離開去了哪裡，一旦被問起來你是哪裡人，自己生長的地方總是第一個脫口而出的字詞。這是一種本能、純淨的感情，無法被替代。林磐聳眷念故鄉，因為故鄉裡有最珍貴的親情、友情和最熟悉的風土民情、最對味的飲食水果和最深層的生命認同。高中畢業離開故鄉後，故鄉就成了思念的對象，後來長年為生活奔波，總覺得江湖太近，故鄉太遠。魂牽夢縈，只能在精神上不斷返回原鄉，維繫個人的心理寄託。 雖然高中後就到台北讀書與工作，但他的第一張台灣意象作品就是繪製東港老家書房的一盆黃金葛開始。老家給了他無盡的創作養分，從黃金葛到蝴蝶蘭到台灣的山巒，他依序展開繪製台灣印象、意象和形象的系列創作。經過多年的努力，他成功把台灣當作自己「設計思考」(Design Thinking)的對象，進而把它轉換成一個文化圖騰。台灣圖型成為了他的註冊商標，隨著他的腳步行走天涯，在國際設計界的舞台上發光發亮。 故鄉滋養了遊子，他也沒有忘本，在他功成名就之後，也不時回饋自己的家鄉。他引進國際資源，把國際知名的日本設計師福田繁雄的東港黑鮪魚作品，安置在東港大鵬灣國家風景區成為旅客打卡的地標。他也為屏東潮州的台灣鐵道文化園區，設計一個象徵連通全島、永續發展的台灣造型大型公共藝術，點亮了故鄉屏東的藝術氣息。 從平面設計出發，林磐聳一系列有關台灣的海報設計最為人津津樂道。台灣的政治地位特殊，雖是經濟強國，但在國際舞台上受制於各方力量，總不免有風雨飄搖的危機感。他常搭飛機來往世界各地途中，對台灣在國際與兩岸的艱難地位感受特別深刻。有一次他在萬里高空上看到窗外藍天裡的片片白雲飄過深深有感，他的招牌海報〈漂泊的台灣〉於此誕生。台灣島嶼圖像就像窗外那些無根漂泊的白雲，雖然浪漫美麗，但也隱含了高度的焦慮危機。我們習慣說要從台灣看世界，更要從世界看台灣。但他從空中看台灣的視角，跳脫二元對立的思維，以更高的緯度來審視台灣故鄉。這件作品直擊每個台灣人的心靈，引起了高度共鳴。一件好的作品不應只是經營美好的構圖或色彩，它應該要引起觀者心靈的共鳴。雨果曾說：「世界上最寬闊的東西是海洋，比海洋更寬闊的是天空，而比天空更寬闊的是人的心靈」。林磐聳的作品觸及人心，引發普世人民的心靈共振。(見圖8、9) ●圖8(左)：1993年林磐聳創作了他自稱是個人最具代表性的海報作品〈漂泊的台灣〉 ●圖9(右)：1999年林磐聳撰述出版《設計觀點：一個設計人的思考與觀點》  無根的雲朵在空中漂蕩，這當然也讓我們連想到諾貝爾文學獎得主，也是美國民謠歌手巴布狄倫(Bob Dylan，1941年～)那首撼動人心的“Blowing in the Wind”：How many roads must a man walk down. Before they call him a man. How many seas must a white dove sail. Before she sleeps in the sand. How many times must the cannon balls fly. Before they’re forever banned. The answer, my friend, is blowing in the wind. The answer is blowing in the wind. 和平是普世人民的共同期待，但是砲火喧天的亂世，和平卻又如此遙遠，一個人要走多少的路程，才能壯大？要等待多少砲擊，才會停火？和平鴿要飛多遠，才能安全停息？一連串的叩問，沒有人可以給我們答案，答案只在風中飄盪。林磐聳這幅作品也傳達同樣的憂思。 詩人余光中也在他的詩作〈江湖上〉，挪用Bob Dylan的歌，他省思兩岸家園，喟嘆：一個島，算不算你的家？一眨眼，算不算少年？一輩子，算不算永遠？答案啊，在茫茫的風裡。他同樣沒有答案，亂世人民的無奈，也如風中飄盪的流雲。同樣，華語歌壇影響力頗大的歌手羅大佑，也呼應台灣名作家吳濁流的小說〈亞細亞的孤兒〉，創作同名的歌曲，比喻退出聯合國的台灣是「亞細亞的孤兒在風中哭泣，沒有人要和你玩平等的遊戲」，他質問「多少人的眼淚在無言中抹去，親愛的母親這是什麼道理」？他也延續Blowing in the Wind的控訴基調，在風中哭泣的孤兒，會是一種怎樣的悲情？ 林磐聳這幅作品裡漂泊的台灣圖像和Bob Dylan、余光中和羅大佑的詩歌，有著異曲同工之妙，同樣關懷台灣家園，同樣的憂思，引發共鳴。西諺說：“A picture is worth a thousand words”，千言萬語不如一張圖。藝術家從海外從空中，遠距離反觀台灣故鄉，反而看得更清楚，憂心也更強烈。這張作品看似簡單，但卻也明明白白說出多數台灣人的心情，誠為經典之作！ 這一系列的台灣海報還包括〈環保內服藥〉，借用現成的藥袋來檢視生病的美麗島；這個乾坤大挪移的「掉包」，巧妙表現出一種「重複的差異」(Repetition with A Difference)技法，以大家所熟知的物件，表達了一種全新的體驗，收到訊息傳達的效果。〈渡臺悲歌〉則以宗教符紙的造型，重述「唐山過台灣，心肝結歸丸」的台灣移民歷史。文句中多是警語，勸阻漳泉民眾勿輕易渡台，因台灣是蠻荒之地，宛如鬼門關。但這就是台灣先民不怕死求生存的精神，台灣人骨子裡都流淌著這樣的移民性格和和冒險打拼的基因。台灣島是夢土，是醞釀夢想的地方，也是希望之所繫。(見圖10、11) ●圖10(左)：1994年〈環保內服藥〉借用現成的藥袋來檢視生病的美麗島，是借用1920年代蔣渭水創辦「台灣文化協會」時為當年台灣社會開出的診斷報告書；林磐聳巧妙表現出一種「重複的差異」形式，以大家熟知的物件表達出一種全新的體驗，不僅收到訊息傳達的效果，也藉此對於台灣社會的嚴肅警告 ●圖11(右)：1992年〈渡臺悲歌〉是林磐聳閱讀清朝時期閩粵地區客家人，經由客頭(帶頭人)誘拐偷渡來台，最後落得「千人人去無人轉，知生知死都是難」的下場，同時反思1990年代初期中國許多「閩平漁」號的漁船偷渡客所發生的不幸事件 2019年他在故鄉屏東美術館與日本瀨戶內市立美術館展覽的海報作品〈夢的島嶼〉，重組英文“Taiwan island is the land of dream”的創意發想，把“island”分拆為“is land(of dream)”的文字拆解遊戲，轉移到台灣島嶼的呈現方式，於是有了層層點描的百岳山巒從南到北，依序展開連成一個整體的台灣圖像，這種部分與整體的辯證關係，所有山巒既分別獨立，但又相互連結成一體，為我們提供一個全新觀看台灣的視覺效果妙不可言，只能佩服他的創意。有別於上圖的橫向表現，2020年〈故鄉×故事〉則採取縱向的呈現，兩幅對比，彰顯不同的趣味。這裡林磐聳轉向玩弄中文字的排列組合趣味，把故鄉和故事以「古」字串接，隱喻「君自故鄉來，應知故鄉事」的鄉情與鄉愁。台灣的山岳以垂直切割的形狀，並排連結在一起，帶著幾分立體主義的表現趣味。

林磐聳的設計思考也從關懷故鄉的過去與未來，擴展到他對地球環保生態、人類命運與世界和平的普世價值。例如，〈生命LIFE〉這張海報也玩弄英文字母的排列組合，把F和E兩個字母利用紅十字連結起來隱射生命可貴，需要我們包容呵護和珍惜。〈PEACE〉也是另一個精彩的例子。他把置中的A字延伸成一條通往和平的道路。三角構圖，簡單明白，掌握了設計美學大道至簡的精髓。(見圖12、13) ●圖12(左)：1998年〈生命LIFE〉海報他極為巧妙地將英文字加以排列組合，把F和E兩個字母用紅十字連結起來隱射生命可貴 ●圖13(右)：林磐聳於2000年創作的〈PEACE〉海報，他以大中至正的構圖將A字延伸成一條通往和平的道路   〈地球的呼喚〉則以燃燒的火柴棒頭隱喻地球，也是一種借代(Synecdoche)的修辭手法，林磐聳將之與橫向文字組成一個十字架，更傳達了地球在燃燒，需要你我的救贖，這種弦外之音讓他的設計增添了更多的人文思考。〈生命之翼〉則是回應南亞海嘯的作品，大自然的天災捲走數十萬人的生命，他以代表海上遭難死亡的十字架逐漸升空成為和平鴿，來表達亡靈得到撫慰與最終的自由。而〈一帆風順〉則是另一個經典的傑作。海上航行的風帆，以「帆」字中的一點構思，露出地平線的風帆，強化了點與面的張力，反成整幅作品的焦點，完美呈現「一帆風順」這句成語的精華，真是神來之筆。 這一系列的台灣海報，從有形到無形，從物質到心靈，從鄉土到世界，從個人到普世價值，彰顯林磐聳的設計思考，以及他的格局與胸懷。林磐聳不只是台灣設計師，也是世界的設計師。 台灣家書：深情的溫度 本次展覽裡的「台灣家書」明信片系列是一項很特別的作品，展覽以懸吊裝置方式展出1,080張林磐聳親手繪製從世界各地郵寄回台灣的明信片，另外在展櫃之中也展出120幅明信片。林磐聳有著很豐富的海外旅行經驗，人性使然，我們在家時常思念著遠方的邂逅，但旅行在外時卻又特別念家、戀家、護家。有感於旅行當下的許多奇思妙想和時空感受，常因時間久了就被遺忘了殊為可惜。他受到德國「卡塞爾文件展」(Kassel Documenta)的啟發，於是從2007年開始啟動一個「台灣家書」的計畫，他以明信片創作記錄當下的心情故事或文化觀察，並從世界各地郵寄明信片回台灣；因為明信片上的郵票有郵戳的印記，也就同時具有真實「時間、空間、人間」的紀錄。他的第一封信也是從故鄉東港寄給台北的自己，以故鄉作為起點格外具有意義。這個計畫到今天依然還在持續進行，目前總計有超過三千多張實際郵寄的台灣家書，這是一個不可思議的里程碑數目，展現他走過的路，經歷的事以及令人佩服的毅力。持續寫信寄回台灣，正是他對台灣家鄉永遠的愛戀。筆者多年前也曾收到他從海外寄回來的明信片而深受感動，因為握在手上的溫度，遠非一張虛擬的數位明信片所能比擬。(見圖14、15) (由左到右) ●圖14：2007年林磐聳首件「台灣家書」明信片即是寄自故鄉東港寄給台北的自己 ●圖15：2007年林磐聳的妻女移居美國馬里蘭，他多次往返兩地而展開「台灣家書」創作概念 ●圖16：2007年寄自美國紐約聯合國總部的明信片，指紋形狀的台灣圖騰，意在言外地希望台灣應該要有自己的認同和自己的身分Identity ●圖17：2022年林磐聳在美國西墨西哥州聖塔菲藝術小鎮參觀Freeman Gallery自由人畫廊，看見畫廊戶外的雕塑有感，他巧妙地將雙手抱腿的人形繪製成台灣造型，並將小小的台灣藏在胸口靠近心臟的地方   明信片是一種時光的文件，它可以記錄書寫人對當下生活的感受。林磐聳認為一張明信片作品就像一個生命的切片，真實記錄個人生命行旅的經歷與感悟，這些作品的積累也象徵個人生命與時代生活的交集。這批大量明信片作品就像史料的收集，可以不斷積累出具有深度與廣度的文化風貌。他旅行在外隨身攜帶鋼筆、墨水筆與空白明信片。有時也就地取材就用飯店的便條紙或是觀光地圖當作底紙，由於便條紙和地圖之上的城市和飯店地址與名稱，增加了文件的歷史性意義。現在這個「台灣家書」的規模已經從量變到質變，觀者可以從這些由世界各地郵寄回來給台灣的作品裡，看見域外世界的風情變化，以及一位傑出藝術家的心靈寫照。例如，他在紐約的聯合國總部，一個台灣被排除在外的世界組織，令他感觸特別深，他畫指紋形狀的台灣圖騰，意在言外地希望台灣在此也有自己的認同和自己的身分。他在新墨西哥州的聖塔菲參觀歐姬芙美術館，也在「自由人藝廊」(Freeman Gallery)看見一尊母親雙手抱膝，狀似蹲坐的公共藝術雕像。他以此作畫，但巧妙把台灣藏在母親胸口最靠近心臟的地方，彷彿在訴說不被國際社會接受的台灣，仍是母親最疼的孩子，他也有權利做一個「自由人」。理解他在明信片裡所蘊藏的創作理念與藝術手法，更是令人感動不已。(見圖16、17) 他去過太多的地方，留下許多不可磨滅的記憶，但這些走過的足跡一一化作一張一張的台灣家書，向故鄉報告自己在外所見所聞所思所想。他去俄羅斯的聖彼得堡，就用飯店提供的市區地圖作畫，把台灣畫在內瓦河畔的列賓美術學院之上，象徵向美院的藝術大師致敬，也同時有台灣插旗藝術殿堂的豪氣。他去耶路撒冷橄欖園，在明信片上題字「老幹新枝」，象徵基督的死亡與再生，並為新舊並存，傳統與現代共生的生命狀態多所啟發。他去參加東京的WDO設計大展，也把大會的名稱融入台灣圖像，述說台灣並沒有缺席，台灣還是大會注目的焦點。佛教是台灣最大的宗教團體，他去了佛教的國度泰國的清邁，明信片裡台灣與佛教徒的形象合而為一，展現出泰國與台灣同樣具有慈悲為懷的人道精神。(見圖18～22) (由左到右) ●圖18：2016年林磐聳在俄羅斯的St. Peterburg聖彼得堡旅遊，沿著河走過的路徑在飯店所提供的地圖上繪製出了台灣島嶼 ●圖19：2023年林磐聳參觀以色列耶路撒冷橄欖園所繪製的明信片題名〈老幹新枝〉，象徵基督的死亡與再生，並為新舊並存，傳統與現代共生的生命狀態多所啟發 ●圖20：2020年中華民國美術設計協會及大計文化於台北西門紅樓舉辦《台灣百年視覺設計》套書出版，特別繪製明信片紀念這個台灣設計史上具有歷史意義的日子 ●圖21：2023年為創價美術館策畫「世紀的容顏：台灣百年美術設計發展暨文獻展」  ●圖22：2023年電視媒體報導故鄉屏東東港捕獲大量黑鮪魚，林磐聳特別繪製明信片紀念 隨著他的腳步，他把台灣帶往世界，並把世界的見聞與感觸寄回台灣，開啟了一種屬於他愛台灣的方式。他的台灣家書代表一種軟性的力量，一種雙向改變的力量，台灣和世界在他的書信裡找到了相互依存的關係。台灣不是一座孤島，雖然四面環海，但在文化上、在地殼岩盤下，台灣仍和世界各地緊密堅實地連著一起。一張小小的明信片具體而微地展現了台灣與世界的連結。看著本次展出千餘張明信片，想像其背後所代表的地理足跡與人文藝術的情懷，這是政治力量所沒辦法到達的文化高度。某次和他一起喝茶、閒談，他笑說現在出國最大的焦慮，就是怕找不到郵筒寄明信片。在世界的角落，他心中念著的還是台灣。 台灣練習曲：只有堅持，沒有捷徑   林磐聳平常以A4、A3尺寸繪製「我的台灣，看見心靈的故鄉」後來更名為〈台灣練習曲〉，本次展出將近百幅系列創作，這一系列的作品奠定他以台灣圖案作為載體的精彩創作。系列作品取名靈感是來自音樂的「練習曲」(Étude)，因為他在高中到大學時期彈奏古典吉他，深諳「練習曲」的重要性，所以對於自己的藝術創作也是採取「練習曲」的日常修行方式來進行。因為不同的樂器，如鋼琴、小提琴或長笛，都有其練習曲。它是一種音樂作品用來作針對性地練習，目的在提供音樂家熟悉各種演奏技巧並提高詮釋作品的能力。這種類似基本功的練習，必須透過不斷的練習，方可以從基本技巧發展到相當難度的表現，其本身展現的藝術性和創意表現也不可輕易視之。

這種強調美學與生活應用的結合，對美術與設計的發展以及社會民眾的生活品質，影響深遠。英文字“Beauty”是美的意思，“Utility”是指有用或實用之物，我們可以把兩字結合在一起，創造一個新詞“Beautility”，正好是「應用美學」的意思。帶著這種“Beautility”的想法，林磐聳從企業識別系統入手，把自己的設計知識落實在社會實踐裡。他創設登泰設計顧問公司，與同事及顧問共同參與了台灣及中國大陸諸多企業集團的企業識別系統的規劃設計。其成績包括我們天天接觸的「中華電信」，以虛實兩個話筒緊扣，創造一個溝通的意象，讓世界聽見台灣的聲音。「民間全民電視台」以簡潔的兩個同心圓圈構成，代表台灣的眼睛。「看見台灣基金會」的台灣造型，是企業家溫世仁遺愛人間的代表，希望大家都看見台灣的美好，看見台灣的不凡價值。「故宮博物院」的識別則是由青銅器的獸面紋發想，並以故宮眾多收藏的古器物的「器」字構圖而成一個精彩的作品。「亞洲大學現代美術館」以三個三角形堆疊成一個A字，象徵Asia University。另外還有我們生活裡經常接觸的台糖公司、中華郵政、中國國際商業銀行、公共電視、美吾髮集團、中華工程、龍騰文化事業、高士畫廊、好心肝基金會、上海錦江飯店、萬通集團、長城潤滑油ÿ等著名的社會組織和公司行號。企業識別符號不只是符號而已，它是一種溝通，借助符號的傳達，能有效提高社會互動的運作，是現代社會不可或缺的一環。從這樣符號的開發到介入社會發展，林磐聳也透過設計對台灣社會的進步做出貢獻。(見圖25) ●圖25：林磐聳於1985年編著出版《CIS/企業識別系統》、1989年成立登泰設計公司、1992年更名為登泰設計顧問公司，在台灣及中國大陸進行CIS企業識別系統規劃設計 除了企業識別符號，本著將美學融入生活的理念，林磐聳也將自己創作的台灣圖像授權文創產品的開發。例如最為膾炙人口的〈深淺有魚〉，就是以台灣櫻花鉤吻鮭的圖案，授權橘園國際藝術公司開發製作，一大兩小天青色的魚形日用碟子，正是「最台灣」的代表。〈台灣四季盤〉就以台灣練習曲裡的百合、海芋、松果和蘭花四幅作品為代表，授權法藍瓷公司開發為文創商品，隱喻台灣的四季之美。郵票是國家的名片，他所設計「台灣鐵道觀光郵票」，以東部台鐵、西部高鐵、北高捷運、阿里山森林鐵路和台糖五分車等五種鐵道交通工具來推廣台灣鐵道之旅。〈幸福旅行〉則提供多幅台灣圖騰，授權交通部鐵路局發行儲值卡，協助推廣台灣旅行。此外也提供許多精彩的〈台灣練習曲〉系列作品，做成各種精美人見人愛的筆記書，並授權滾石唱片和臺灣師大發行出版。這些文創商品的開發，正是設計美學對於俗世文化的貢獻，也進一步彰顯設計對台灣社會與人民生活品質的影響力。(見圖26) ●圖26：2024年林磐聳偕同翁永圳、潘欣苡為中華郵政規劃設計「台灣鐵道觀光郵票」，刻意採用細長條形構圖，將台鐵、高鐵、捷運、林鐵、糖鐵五種鐵道結合當地觀光旅遊景點  點滴成畫：木魚聲，落筆聲 林磐聳在設計領域早已名滿天下，但在他的養成教育裡並非一開始就走向設計專業。他在臺師大美術系接受傳統基礎的訓練，大一、大二不分組內容涵蓋素描、水彩、油畫、國畫(花鳥、山水)、書法、雕塑、版畫、設計等藝術科目，而在臺師大還接受許多文史與教育課目的訓練。他具有良好的素描功夫，這些早年的養成教育為他日後的設計生涯奠定了厚實的美學基礎與人文素養。對照今日，過早分類的教育方式容易造成窄化，他很慶幸自己能夠從多元的養成教育裡獲取更多創意的來源。 藝術與設計同源也殊途同歸，近年來他一面繼續設計志業，一面回到純藝術的領域，開始細密點描台灣的創作系列，以最費時的方式來點點滴滴感受台灣之美。他以針筆、鋼筆和毛筆在義大利Fabriano水彩紙、宣紙和韓國壯紙之上作畫，每次在紙上一點一滴地進行，一張畫可能點超過百萬個細密小點，畫面規模比之秀拉的點描畫更加震撼。每天一點一滴地下筆，築夢踏實，一幅一幅的傑作就這樣生成了。他不走捷徑反而以勤奮和自律的精神達到多數人無法企及的高度。筆者問他：你有甚麼秘訣，可以完成這些不可能的任務？他說：每天早晨起來後，打開手機的Youtube頻道，播放木魚聲或誦讀心經的節目，然後跟著木魚敲擊或經文梵唱，心情平靜地開始進行點描作畫，日復一日，每天推進一點點，就像早課一般自我修行起來。聽他描述，筆者彷彿看見一位苦行僧，在清晨的微光下低頭念經，心無旁鶩地專心感受筆尖在紙上發出的聲響，如此輕微，如此巨大，如此孤獨，如此富足。落筆畫出他對台灣這塊土地最真摯的愛戀。他在這種極端的自律中得到最大的自在，於是得以自由召喚創意靈感，抒發感性，並且理性地照計畫執行作畫。點、線、面是構成平面設計型態的基本要素，林磐聳選擇最基本的點，作為創作的基本技法。這個選擇，在其簡單的表象下，其實有著無比沉重的工作量，但他舉重若輕，欣然為之，令人佩服，就如同他常說的：「簡單的事情，作多了就不簡單；不簡單的事情，作久了也簡單」。 近來看他的作品，例如〈夢的島嶼〉，他採取從高空俯瞰台灣全島的視角，台灣在雲霧瀰漫裡，若隱若現，猶如夢境。莊周夢蝶，但不知是林磐聳夢見台灣，還是台灣夢見他。〈天涯〉則是一張45×256cm的橫幅大作，類似傳統國畫的捲軸，把台灣大山的壯闊風貌收納在紙上，題名〈天涯〉，也是畫家心靈的寫照，題字：「行住坐臥活當下，筆墨點滴即吾家，千山萬水雲煙過，方寸之間是天涯」。一輩子投入藝術設計的志業，走過天涯，千山萬水，尋尋覓覓，但也在自己的點滴筆墨裡，創造了一個安身立命的心靈故鄉。這些文人般自省的感懷十分動人。另有〈疊翠〉、〈沉默的山音〉、〈聽雨〉、〈風起雲湧〉等水墨作品，分別描繪台灣大山在不同情境下的多元面貌，每幅畫都由無數萬個小點構成，其精神毅力令人讚嘆。(見圖27～29) ●圖27：林磐聳因為時常出國而隨身攜帶長卷，多年來點點滴滴陸續完成一幅45×256cm的橫幅大作，他將台灣雄偉大山的壯闊風貌收納在紙上，2017年作品完成時取名〈天涯〉不僅是個人的生命歷程，也是畫家的心靈寫照，題字：「行住坐臥活當下，筆墨點滴即吾家，千山萬水雲煙過，方寸之間是天涯」 ●圖28(左)：2020年COVID-19新冠肺炎造成全球前所未有的恐慌，民眾自主居家隔離成為生活日常，林磐聳以韓國全開壯紙進行創作，他以數百萬個黑白濃淡不一的小點，點滴繪製從幽閉角落逆向成長的枝葉，象徵人類堅韌的生命力，於2024年完成本件題名〈致幽微〉的作品 ●圖29(右)：林磐聳2024年完成的〈不知雄渾為何物，且看千山白雲浮〉，這幅作品中的山與雲象徵著自然的力量與變化，顯現出一種包容與無界的視野。「雄渾」在此或許象徵世俗的力量或成就，而林磐聳以「不知」表現出一種超然物外、不斷探索的態度。他將對於關愛地方的情感化為全球的語言，正如這幅作品中的「千山白雲」，一方面深耕土地，一方面自由流動於世界 

除了黑白的作品，他也嘗試水墨設色，作品一樣精采。例如〈點滴自在〉這幅作品，無數的小石頭堆疊，部分畫面為黑暗遮蓋，但仍有一處開口，陽光灑落。暗喻他畫台灣，精誠所至，金石為開。這幅畫作也有強烈的自我指涉，作品名稱暗喻作畫的過程：他在心經「觀自在菩薩」的梵唱聲中，一點一滴，持續作畫，持續修行。〈磊磊軒大地〉則以更大尺幅將千百顆石頭層層堆疊，顏色往上漸層漸淡，往下則見多層積累的厚重，退一步看則畫作脫離寫實的形體限制，只留下無數圓弧線條與色塊交錯，傳達了一種抽象的組構之美。〈台灣練習曲〉也傳達出類似的情感，只不過畫面轉為多彩的變奏，呈現飽滿的生命張力。〈薪火不息〉轉換再現的符號，從石頭到火焰，這個新的畫作，視覺效果強烈，觀者可以從閃動的火焰感受到光與熱。而〈祥雲獻瑞美麗島〉以祥雲建構台灣島，流暢的曲線，帶來生動活潑的效果，紫色的基調也傳達紫氣東來的瑞兆。(見圖30、31) ●圖30(左)：2024年〈台灣變奏曲〉是林磐聳從歷年的「台灣家書」精選具有特色的明信片加以組合而成，整幅作品融合不同畫面元素交織匯流，如同音樂是由同一主題「台灣」而不斷地變奏演出，形成豐富多變的視覺效果 ●圖31(右)：2024年〈迎春：紅紅火火，點石成金〉是林磐聳歷年從世界各地撿拾流浪在外的台灣石頭「台灣觀自在」所獲得的靈感，將之轉化的〈時間與石間〉系列作品，他以數百上千顆小石頭展現出積少成多的力量   最後我們必須回頭來看看本次在中正紀念堂大型個展的主視覺〈就是愛，台灣〉構成的一幅六連屏大畫。林磐聳以〈大山無價〉的水墨台灣作為底圖，然後畫上烈火構成台灣圖像，象徵台灣旺盛生命力的火苗，生生不息。這張作品極具現代感，輕盈活潑的色調與黑灰色的背景互相映襯，象徵古典與現代的融合。畫面又極具東方情趣，主體顏色近似玉石，溫潤高雅。熊熊的火苗帶著皮影戲偶層次堆疊的質感。火本來就有熱情與愛之意，參觀這個展覽，觀眾一定可以感受到林磐聳「就是愛，台灣」的熱情。(見圖32、33) ●圖32～33：2025年「就是愛，台灣：林磐聳台灣意象展」主視覺是以「大山無價」的水墨系列作品〈沈默的山音：山光〉作為底圖，經由印刷網點效果處理之後再加上熊熊烈火構成的台灣圖像，象徵生生不息的旺盛生命力，並且將之延伸成六連屏的展場巨型海報   與你同行：故事尚未結束 除了動手繪製作品之外，林磐聳更勤於筆耕。他分別在《藝術家雜誌》連載「圖說台灣設計史」，在《設計印象雜誌》撰寫專欄「台灣設計故事」，企圖透過文字媒介來爬梳台灣設計的歷史脈絡，整理豐富的史料，投入最為設計人忽略的苦工，建立台灣設計的檔案文獻，留給後人一個繼續前進的紮實基礎。以他的身分成就，大可不必如此辛苦，但是強烈使命感，促使著他義無反顧地如此做。筆者問他，苦不苦？他回答說「樂在其中」，因為他知道這件事的重要性與迫切性。歷史告訴我們，只有理解過去，才能指點未來。台灣沒有自己的設計歷史，就會失去方向感，當然就看不見未來。因此2023年他在創價美術館策畫「世紀的容顏：台灣百年美術設計發展暨文獻展」，首開台灣有史以來最具規模的台灣主體性設計展。 他在回顧自己的設計生涯時，想起1995年日本設計大師龜倉雄策對他的提點：「很好，但是不要太像日本！」這對他真是當頭棒喝。他省思從事設計創作，若果一味遵循西方或日本設計的標準與價值觀，恐將失去自身文化的特色與主體性。美國著名文學評論家布魯姆(Harold Bloom，1930～2019年)有所謂「影響的焦慮」(The Anxiety of Influence)的說法。他說，我們從前輩作家身上汲取靈感、技巧和主題，站在前人的肩膀上創作，但同時我們又渴望自己的作品能夠獨樹一幟，超越前人，留下自己的印記。模仿是手段，超越是目的。同理，如何在設計中吸收各種養分壯大自己，並表現出屬於自己獨有的特色，才是重點。因此，他體悟除了向西方或日本設計學習外，也必須回到自己生長的土地、人民、文化裡，去尋找創意設計的靈感。他開始從中國傳統典籍和博物館裡面去尋找自己的文化根源，重新梳理傳統的文史脈絡與建立自己的思想體系，向歷史借光，向前人學習，唯有如此，才有可能創作出具有自己文化特色的作品來與歐美抗衡比美。這個體悟也讓他更堅定以台灣為主體的設計志業。(見圖34、35) ●圖34(左)：林磐聳多年來勤於親手抄寫讀書卡，這是2021年疫情期間研讀三民書店出版的 《詩經讀本》所寫下《詩經》中有關設計研究方法的心得記錄，並且作為研究「設計」在古代具有「誘人、謀事、造物」不同意涵 ●圖35(右)：林磐聳希望藉由從傳統典籍裡重新梳理文史脈絡與建立自己的思想體系，他向歷史借光、向前人學習，唯有如此才有可能創作出具有自己文化特色的作品；這是他在《詩經》中挖掘出西元前的設計師「公劉」的設計事蹟 面對當前全球化的洪流，台灣的設計更應該彰顯屬於自己文化特色的價值，以便在全球與在地的辯證關係裡，找到自己屹立不搖的利基。台灣作為地球村的一員，本有責任提供本土特色的作品，參與全球多元文化設計的大家庭，積極作出貢獻，並成為不可或缺的角色。經過多年的努力，林磐聳做到了，從自己的作品到參與國際重要設計團體，逐漸完成他「從台灣看世界，也讓世界看見台灣」的宏願。 評估一個人的成就，不看他個人的學識、地位或榮譽，但看他的社會影響力。林磐聳在大學服務，是設計教育的播種者，更影響著萬千學子。但他不是象牙塔裡的一朵花，他是社會裡的一盞明燈，他以自己的設計專業貢獻社會。他站在高處，梳理台灣設計歷史的縱深，也在國際舞台以設計專業為台灣發聲。林磐聳雖然成就非凡，但其為人一向謙沖，虛懷若谷。他長期秉持向人學習、向書學習、向物學習的精神而不自滿。 美國詩人佛洛斯特(Robert Frost，1874～1963年)有一著名的詩“The Road not Taken”：Two roads diverged in a wood, and I－I took the one less traveled by, And that has made all the difference. 這是一則人生選擇的譬喻。詩人在樹林中遇到岔路，一條繁花似錦，一條蔓草叢生，他選擇一條比較少人走的路，披荊斬棘，不怕困難，一路前行，才造就今日不同的自己。林磐聳在教育養成的階段，多數同學選擇純藝術的西畫或水墨，但他選冷門的設計專業。今日回顧，他謙虛地說：「正因為走這條路的人比較少，所以我才能幸運地受到矚目，得到許多人的信任，因而能實現自己的理想」。 他在年輕時選定自己的道路，然後秉持東港人的海洋性格，不畏風雨，勇往前行，一路走下去，但也虎虎生風，走出自己的一片天。但他知道「一個人走得快，一群人走得遠」，他希望在追求理想的路上，和大家一起努力。法國著名存在主義作家卡繆(Albert Camus，1913～1960年)也說：「別走在我前面，我無意跟隨。別走在我後頭，我無意領導。與我同行，做我的朋友！」他願意呼朋引伴，和大家一起風雨同行。(見圖36) 林磐聳的故事尚未結束，他仍在寫自己的傳奇。 ●圖36：2007年林磐聳受邀於台中中友百貨的誠品書店舉辦「我的台灣，看見心靈的故鄉」展覽，開啟他日後展開以台灣意象的藝術創作，展覽期間特別舉辦「我的朋友與我的台灣」座談會，說明他珍惜多年來與友同行的情誼

圖片來源:Shopping Design   品牌的力量，不只是標誌和色彩，而是每一次與人的接觸。踏進空間、觸碰產品、參與活動，每個感官細節都在累積品牌記憶。11/13 的全天課程，我們將帶你從四個角度，探索如何透過設計創造共感，把品牌變成令人難忘的體驗。   品牌建構 上午由蔡東宏與許琇鈞（形容事物所共同創辦人）帶你探索如何系統化地堆疊品牌識別與視覺元素，構築易於記憶的品牌世界觀。課程將分享鶯歌陶瓷博物館商店等案例，示範如何將品牌從識別延伸到空間，留下深刻印象。  圖片來源 / 形容事物所 圖片來源 / 形容事物所   空間設計 接著，李智翔（水相設計總監）將示範如何透過節奏、儀式與跨尺度整合，讓使用者在不同場域中體驗品牌理念。實例包括 beanroom 精品咖啡店與分子藥局概念店，透過視覺、嗅覺、聽覺的交互體驗，讓品牌故事自然融入日常。 圖片來源 / 水相設計 圖片來源 / 水相設計   展策敘事 午後，陳婕寧與張哲惟（山陽山陰共同創辦人）將解析如何將品牌故事立體呈現，運用議題驅動的內容轉譯，讓觀者在參與中理解品牌理念與永續價值。RHINO LOOP 犀牛盾循環概念展與 SuperLavi 超樂維案例，展示如何將敘事從無到有轉化為具體體驗。 圖片來源 / 山陽山陰  圖片來源 / 山陽山陰   跨界企劃 最後，楊紋昌（NOKE 忠泰樂生活行銷部企劃經理）將示範如何以跨界企劃活化場域、推動品牌創新。Uncanny 與新富町文化市場案例，呈現如何在實體空間中與使用者持續互動，打造令人難忘的品牌場景。 圖片來源 / 忠泰集團 圖片來源 / 忠泰集團   ???? 時間 ：2025/11/13（四）09:30-17:00（09:00 開放報到） ???? 地點 ：張榮發國際會議中心（台北市中正區中山南路11號） ???? 早鳥優惠 ：11/6 前報名享 9 折 ▸▸ 立即報名 設計師、策展人、品牌經營者與創意工作者都能從中獲得啟發，學會將設計語言轉化為跨載體品牌敘事與體驗。附午餐與茶飲，名額有限，快來報名！ 風格經濟學院   內容來源: https://www.shoppingdesign.com.tw/

我們在上個月的 drupa 展會上聽到 Hernán Braberman 討論 Z 世代驅動的包裝設計，內容非常有啟發性，因此我們特別請他為《Packaging World》的讀者做詳細解析。   出生於完全數位世界的 Z 世代正在改變各行各業，包裝設計也不例外。這群以科技熟練和社會意識強烈著稱的消費者，對品牌的期待比以往任何時候都更高。他們的需求不僅是功能性，更希望包裝能反映自身價值、帶來快樂並傳達態度。 對設計師而言，這既是挑戰也是機遇。傳統包裝規則正在被重寫，設計焦點轉向永續性、真實性和可分享性。Z 世代消費者不只是購買產品，他們購買的是品牌故事與體驗，並經常透過廣泛的數位網絡分享。 以下將探討 Z 世代包裝設計的七大關鍵趨勢，說明設計師如何適應這個影響力巨大的族群。從色彩心理學到文化參照，每個趨勢都提供了理解這代人心態的洞察。   1. 多巴胺式（Dopaminergic） 在全球不確定性和數位過載的時代，Z 世代渴望純粹快樂的瞬間。多巴胺式包裝設計以大量色彩和圖案刺激心情，瞬間提升情緒。 這一趨勢打破傳統色彩理論，採用意想不到的色彩組合來吸引目光並提升精神。設計通常呈現抽象圖案和最小化留白，目標是讓包裝不只是容器，而是能改變情緒的體驗。 對 Z 世代而言，鮮豔設計是逃避現實和自我表達的方式。在社交媒體時代，每個產品都可能成為拍攝道具，多巴胺式包裝是 unboxing 影片和 Instagram 故事的完美背景。   2. 大膽極簡（Bold-Minimal） 與多巴胺式相對，大膽極簡趨勢提供 Z 世代一種信息過載中的喘息空間。這種風格去除多餘細節，強調簡潔線條、大膽字體及色彩運用。 大膽極簡包裝呼應 Z 世代對真實性的欣賞和對行銷誇張的質疑。設計常呈現強烈對比，產品資訊優先於品牌標誌或華麗圖案，讓包裝感覺誠實、直接，符合 Z 世代對透明度的重視。 這個趨勢也符合數位原生世代的習慣，設計常與他們喜愛的應用程式介面相呼應。簡潔設計在社交媒體上更易於分享，能在資訊繁雜的頁面中脫穎而出。   3. 新復古（Neo-Vintage） 儘管年輕，Z 世代對過去時代展現出驚人的懷舊情感，尤其是他們未曾親身經歷的年代。新復古趨勢將復古美學與現代元素結合。 新復古包裝不是簡單複製舊設計，而是將過去的元素與當代甚至未來感結合，創造既熟悉又新鮮的美感。這種設計讓 Z 世代能連結理想化的過去，同時保持當下的感受。 品牌常從過去的視覺風格汲取靈感，重新詮釋給現代消費者。這種設計在社交媒體上也很受歡迎，復古風格內容往往獲得高互動。   4. 扭曲（Distorted） 扭曲包裝設計反映了 Z 世代對顛覆、自由和創意的追求。在充滿混亂和不可預測的世界中，這類設計以超現實手法提供逃離現實的體驗。 特徵包括非傳統造型、流動字體，以及似乎違反物理規則的元素。這類美學特別吸引挑戰社會常規或迎合 Z 世代小眾社群的品牌。 扭曲設計讓 Z 世代將日常現實轉化為短暫的奇幻體驗，並呼應他們對增強現實和其他模糊物理與數位界線技術的興趣。   5. 獨立（Indie） 獨立風格捕捉 Z 世代的 DIY 精神，以及對真實性和個人化的偏好。這種風格看起來像手工或小批量製作，即使是大型品牌也會採用。 Indie 包裝常混合圖案、隨性圖形元素，設計風格自由且個人化。表面上看似混亂，但展現出青春活力，與 Z 世代深度共鳴。 品牌利用包裝作為創意畫布，加入貼紙、塗鴉或拼貼元素，讓 Z 世代感覺產品獨特且可個性化，也非常適合社交媒體展示。   6. 奇幻（Fantastic） 奇幻趨勢將包裝帶入非凡境界，融合科幻、奇幻和數位藝術元素，創造脫離日常的體驗。 特徵包括虹彩效果、未來感表面處理，以及模糊現實與想像的影像。這種設計可將消費者帶入另一個世界，滿足 Z 世代對非凡體驗的渴望。 結合數位渲染技術與實體包裝，奇幻設計創造出令人驚豔的感官體驗。   7. 怪誕（Freak） 怪誕包裝擁抱不完美，挑戰傳統美學規範。這種風格刻意「醜」或刺眼。 可能採用撞色、字體不統一、刻意業餘風格插畫，或隨機排列元素，常帶有幽默與諷刺意味，調侃過於嚴肅或矯揉造作的設計規範。 這一趨勢呼應 Z 世代對不切實際美的拒絕與對真實性的欣賞。怪誕包裝如同這代人在社交媒體上創作與消費的內容，真實、無濾鏡，為追求真誠連結的 Z 世代提供一劑現實與自我接納的清新感。   更廣的意義 這七大 Z 世代包裝趨勢不只是美學偏好，也反映了他們面對的心理健康挑戰。在不確定與數位壓力下成長的這代人，希望包裝能帶來情緒支持與慰藉。從提升心情的色彩到促進自我接納的設計，每個趨勢都滿足特定心理需求。對品牌而言，理解這些關聯至關重要。成功的 Z 世代包裝必須超越視覺吸引力，兼顧心理健康，與這群影響力巨大的消費者建立更深連結。   Hernán Braberman 是 Tridimage 的創意總監，該公司為全球領先的包裝設計機構，專精於 CPG 品牌的結構與圖形設計。他也是品牌包裝播客《Branderman》的主持人，探討品牌、設計與消費文化的交集。   內容來源: https://www.packworld.com/