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從 Tenniel 的柴郡貓到 Shimizu 的 Hello Kitty，可愛的貓咪一直是全球許多創意人士的靈感來源。本月加入這個貓咪家族的是一隻名為 Shibu 的毛茸茸小貓，他那驚人的細膩毛髮工藝或許會讓他佔據你的藝術心房。 《Shibu’s Tail》由初次嘗試兒童文學的 Tess Thomas 撰寫，插畫由擅長精細描繪毛茸茸或柔軟生物的藝術家 Kamwei Fong 完成。故事中，我們遇見了一隻尾巴大、情感更大的貓。然而，當他的尾巴開始吸引注意時，他必須決定自己的情感是該表達出來，還是保持沉默。 書中46頁的插畫極具吸引力，Kamwei 不僅精心繪製每一幅圖，更仔細描繪 Shibu 奢華毛髮的每一根毛髮。Kamwei 解釋說：“說實話，Shibu 很大程度上是受到我先前和正在進行的貓咪系列作品啟發。他的角色設計直接基於 Kitty No.101。貓咪柔軟靈活，在我想像中，它們可以變成任何形態。這個概念塑造了 Shibu 的設計，尤其是尾巴，它成為他表達情感的主要方式，一種獨立的視覺語言。” 這是一種由數千條短線構成的視覺語言，Kamwei 使用 Sekura Pigma Micron 筆手繪完成。毛髮轉化為形態，形態轉化為情感，最終的細節賦予 Shibu 個性與深度。馬來西亞藝術家透露：“總共有約80到100幅插畫，包括 Shibu、其他貓咪以及各種元素。” 封底內頁   這本46頁的畫冊最吸引人的地方在於，卡姆維不僅在每一幅畫中傾注了心血，甚至連柴布身上每一根毛髮都描繪得栩栩如生。 「說實話，柴布的創作靈感很大程度上來自我之前和正在進行的貓科動物作品。他的角色設計直接取材於 《貓咪101號》 ，」卡姆維解釋道。 「貓咪的形態變化多端，極具靈活性。在我的想像中，它們可以變成任何東西。這種理念塑造了我創作柴布的方式，尤其是他的尾巴。尾巴成了他表達情感的主要方式，一種獨特的視覺語言。” 這是一種用成千上萬筆短促的線條書寫而成的視覺語言，使用Kamwei的Sekura Pigma Micron針管筆繪製而成。毛髮化作形體，形體化作情感，最後的潤飾賦予了Shibu這個角色深度和個性。 「我想總共有大約80到100幅插圖，包括Shibu、其他貓咪以及各種元素，」這位馬來西亞藝術家說。 環襯   「創作一幅畫作和創作一整本書在計劃、投入和思維方式上需要完全不同的方法，」卡姆維繼續說道。 “我必須轉變視角，確保每一幅插圖都得到同樣的用心和用心，這樣才能保證整本書的質量從頭到尾保持一致。” 卡姆維對貓的迷戀可以追溯到他2009年開始創作的「毛茸茸的東西」（Furry Thing）系列。令人驚訝的是，他一直以來都是個愛狗人士，但在從事了20年的數位創作之後，他渴望一種親手實踐的創作方式，而貓科動物卻不知何故吸引了他的目光。他嘗試過陶瓷雕塑、繪畫和製作毛絨玩具，最後決定用手繪的方式來描繪動物，這是數位工具無法比擬的。 「毛茸茸的東西」系列作品需要精準、穩定和極大的耐心才能達到那種柔軟、光滑、層次分明的質感。但這種穩定並非機械式的，也不是毫無生氣的重複。創作過程中有一種靜謐的韻律，每一筆都飽含著鮮活的生命力和匠心，」卡姆維說。   Shibu的創作故事完美詮釋了靈感、創意和努力如何成就一個精彩的項目。新澤西州作家Tess Thomas的哥哥在她30歲生日時送給她一幅Kamwei的作品。一天晚上，她一邊幫孩子洗澡，一邊看著這幅畫，開始在iPhone的備忘錄裡構思Shibu的尾巴。之後，她和哥哥——一位在獨立出版社Levine Querido擔任編輯的編輯——一起完善了這個故事，並向藝術家推廣。 「我一直以來最喜歡貓的一點就是它們豐富的表情，」苔絲說道，她將這本書獻給了自己的兩隻貓，簡和夏洛特。 「卡姆維運用細線條的繪畫手法，真正捕捉到了貓的活力、幽默感，以及它們僅憑尾巴的擺動或毛髮的抖動就能傳達豐富情感的能力。” 「我永遠不會忘記，卡姆維竟然同意用他精湛的藝術將我的文字變成現實，」她補充道。 如果你讀到這裡，並且因為自己絕對不是愛貓人士而捏著鼻子，那麼好消息來了。 Tess Thomas 和 Kamwei Fong 為 Shibu 策劃了一場全新的冒險，相信貓狗愛好者都會喜歡。   內容來源: https://www.creativeboom.com/

Spring Studio 為荷蘭勞沃索格 的世界遺產中心大樓設計的室內裝潢採用了當地採購的生物基材料，包括 大麻 和碎 貝殼 。 世界遺產中心瓦登海（WEC）是一個集研究、教育和野生動物保護於一體的多功能中心，其建築 由丹麥建築事務所 Dorte Mandrup 設計 。 客戶在看到 Spring Studio 的 De Graanrepubliek 餐廳專案後聯繫了 Spring Studio 。該項目涉及與可持續發展的工匠合作，將一個廢棄的機車棚改造成一個餐飲場所。 Spring Studio 與永續材料專家 HuisVeendam 合作設計了 WEC 的入口、餐廳、商店和大廳，盡可能地利用專門開發的生物材料和當地工藝。 設計師聲稱，他們的項目旨在「透過有機形態、觸感材料和可持續採購的本地製造家具，反映瓦登地區的景觀韻律和豐富性」。 室內使用的材料約有 70% 是生物基材料，包括當地採摘的沿海草，這些草由 HuisVeendam 加工成生物層壓板，並用作桌面鑲嵌材料。 餐廳長凳採用未經處理的橡木製成。   接待台的弧形表面結合了以馬鈴薯澱粉為原料的石膏和碎貝殼，這些碎貝殼也被融入其生物層壓板檯面中。 餐廳長椅採用未經處理的橡木製成，這些橡木取自當地議會砍伐的樹木。家具採用傳統榫卯工藝組裝，坐墊用繩索固定，以便拆卸和回收。 櫥櫃可完全拆卸   大樓商店和圖書館的櫥櫃由未經處理的實心樺木板製成，而且完全可拆卸。 這些吊燈是用一種複合材料模製而成的，該複合材料結合了馬鈴薯澱粉和產自格羅寧根省的當地黃麻。 部分牆壁和天花板上的吸音板是用回收的牛仔布以及醫院和酒店的舊棉布製成的，並用馬鈴薯澱粉膠粘合在一起。 設計師們也為接待區設計了一件藝術品，該藝術品採用天然顏料染色的藻類亮片串成的鏈條。 Spring Studio 聲稱，室內設計展現了創新、環保的建築概念。   整棟建築中使用的大部分材料都是專門為該項目小規模生產的，從而可以在生產過程的每個階段實現高水準的品質控制。 設計師聲稱，室內設計展現如何利用當地的生物基材料和工藝，打造創新、環保的建築，從而為永續發展樹立新的標準。 該項目入圍了2025年Dezeen獎的候選名單。   Spring Studio表示：“我們相信應該激勵更多的人去發現他們周圍事物的美麗和潛力。” “我們相信，與環境和諧共處能讓我們真正感受到歸屬感。創作帶來歸屬感，創造讓我們在這個快速而美麗的世界中找到自己的位置。” 該項目入圍了 2025 年 Dezeen永續室內設計獎 的候選名單，同時入圍 的還有倫敦一家 Aesop 門市， 其牆壁由肥皂塊製成；以及班加羅爾一家 使用回收廢料建造的 材料實驗室和研究空間。 攝影作品由 Majanka Bodde 拍攝。   內容來源: https://www.dezeen.com/

哥德風已從亞文化空間走入主流設計實踐。它為何能重生？從專輯封面、電影片名到產品品牌、書籍插畫等領域，設計師正在運用黑暗元素，表達文化無法直接言說的內容。 就在萬聖節前，Bratz 在 Instagram 上發布了一組圖片，將其娃娃打造成恐怖電影角色——復仇喜劇《死亡使我美麗》（Death Becomes Her）、小鎮青少年殺人片系列《尖叫》（Scream）、吸血鬼搖滾明星改編小說《女王詛咒》（Queen of the Damned）。這一切毫無爭議。厚底靴、嘟嘴妝容融入恐怖美學，成為品牌延伸視覺宇宙的一部分。 《007：新娘》（2026）海報 © 華納兄弟影業   然而，哥德風的當下熱潮遠不止季節性行銷。Guillermo del Toro 的《弗蘭肯斯坦》與 Maggie Gyllenhaal 主演的《新娘！》即將在 Netflix 和院線上映。Simone Rocha 將 2025 春季時裝秀安排在倫敦歷史悠久的中央刑事法院內，讓龐克-哥德-女祭司芭蕾舞者走上通常用於審判的跑道。華納兄弟將在全球廣告牌上投影哥德字體，為 Emerald Fennell 即將上映的《咆哮山莊》翻拍造勢。《The Cure》——經典哥德樂隊——邀請 Four Tet 將《Songs of a Lost World》改編為夜店舞曲。大品牌如 Wendy’s 與 Booking.com 則以 Morticia Addams 為主角進行品牌世界建構，並用維多利亞風格大宅增強點餐體驗的趣味性。MoMA 展出《德州電鋸殺人狂》50 週年限量海報。 這不只是懷舊或「商場哥德」（mall goth）Pinterest 看板。哥德風一直縈繞於我們周遭——文學、音樂、亞文化、藝術社群中。不同的是文化急迫感。根據 2021 年 Pew Research Center 研究，人們「對科技依賴更深，但信任更低」，疲於「切穿資訊噪音」，將科技視為負面力量。哥德風之所以重生，是因為它將數位生活產生但無法可視化的焦慮具象化。 《007：新娘》（2026）海報 © 華納兄弟影業   哥德風的變形歷史 哥德風歷來都是流動的，但不變的是：在恐懼中尋找美感。18 世紀哥德風象徵 Walpole 的殘破城堡與 Shelley 對死亡的反抗。維多利亞時代加入喪服與 memento mori（死亡提醒）攝影。1980 年代，哥德風變得潮濕——Joy Division 在曼徹斯特夜店演出，Siouxsie Sioux 的暈染眼妝，以及 Derek Ridgers 在龐克與電子音樂場景中拍攝哥德少年。 2010 年代，Tumblr、Pinterest 與 Instagram 讓視覺參考可以無限重組，哥德風成為文化拼貼——在身份表達之外進行創作。就像廢物日記（junk journaling），將老票根、雜誌剪貼重新組合，哥德風不再拘泥亞文化規則，而是關於拼裝與重組。 最近，哥德風從「你是誰」轉向「你能創造什麼」。你不必成為哥德，也不必習巫術，仍能使用哥德視覺語言。 當 Jenna Ortega 為 Netflix《星期三》第二季新聞發布會漂白眉毛，穿著 Ann Demeulemeester 與 Simone Rocha 服裝亮相時，她並不是要成為哥德，她只是在玩味哥德美學。沒人期待她熟知整個 Bauhaus 音樂目錄，也不會因穿著受到家庭指責。這種區分顯示哥德已從亞文化身份轉變為視覺詞彙。 你可以像點咖啡一樣，擁有短暫的哥德時期，下一個月就換風格。音樂？非必須。生活方式？可選。承諾？不存在。   品牌中的黑暗 哥德風不斷出現在意想不到的商業場合。Wendy’s 2024 年萬聖節活動將加州一家分店改名為「Wednesday’s」，標語「不幸等著你」，配以維多利亞風格的點餐窗與神秘醬料（Grave Mistake 與 Nowhere to Woe）。這是季節性哥德：十月可以選擇的黑暗，十一月就消失。 Booking.com 2025 年活動更進一步。Catherine Zeta-Jones 重演 Morticia Addams，由 Tim Burton 原攝影師操刀拍攝，搭配捕蠅草與金黑色精裝書《如何埋葬你的家人》，成為完美的沙灘讀物。故事將哥德品味定位為終極客服挑戰——如果 Booking.com 能讓 Morticia 滿意，就能滿足任何顧客。 收藏品牌 Mutant（2024 年成立）則展現哥德檔案如何透過藝術再創保持生命力。它委託全球藝術家製作經典恐怖與哥德電影的限量絲網印刷，吸引新一代流行文化愛好者。 《德州電鋸殺人狂》50 週年紀念海報由 Sonny & Biddy 使用迷幻拼貼手法，將半色調圖案與鮮豔色塊覆蓋於骷髏與牛隻圖像上，將 1974 年經典恐怖片轉化為當代藝術品，並展示於 MoMA。這些海報成為文化入口：即便二十多歲的觀眾未曾觀賞原版電影，也能透過 Sonny & Biddy 的視覺語言了解 1970 年代恐怖片。Murugiah 的《閃靈》海報則用十色絲網印刷與局部 UV 光澤處理，將 Jack 打字機流出的血呈現為具觸感的暴力感。 Jellyfish、Gravity Road 和 Biscuit Productions：Booking.com 推廣活動（版權所有 © Booking.com） “哥德式風格之所以復興，是因為它能將數字生活產生卻無法形象化的焦慮具象化。”納塔尼亞·吉爾森   巴黎插畫家 尼科·德洛特 (Nico Delort) 的作品 《一個女孩獨自夜歸》 海報 是 Mutant 的首發作品（限量 215 張，現已售罄），他展現了一種不同的哥德式風格：透過暗示來表達克制。 「我從未在電影海報上使用過露骨的暴力畫面，即使是像 《大白鯊》 這樣的電影也沒有，」他們解釋。 “我更多地運用了暗示和伏筆。” 尼可在克萊博德畫板上作畫——這是一種白色的畫板，他們先在上面塗上墨水，然後用刀刮出線條。這個過程是減法式的：去除墨水，露出下面的光線。他們逐個區域地進行創作，透過線條的變化來建構對比——前景中使用較粗、間距較大的線條來突出焦點；背景中使用較細、密集的線條來暗示空氣的流動感。 「這是一種非常有效的錯覺，」他們說。這種技法賦予了他們的作品一種獨特的、耐心累積的特質。黑暗不是畫上去的，而是被雕刻出來的。 對 《飢餓遊戲：插畫版》而言 ，這種克制具有政治意義。 「你必須記住，這些是在競技場上被殺害的孩子，所以我們當然要避免直接展現暴力，」尼科解釋道。 「對於那個特定的場景，我更注重情感的表達，以及這是故事中點燃革命火花的時刻之一，這場革命將在第二部和第三部中爆發。” 尼可的檔案庫融合了文學插圖（ 古斯塔夫·多雷的 《國王牧歌》中的 森林場景 ）、大蕭條時期的紀實攝影（ 多蘿西婭·蘭格 拍攝的 阿巴拉契亞礦業小鎮 ）以及電影語言。在製作 《飢餓遊戲》 時，他們從這些素材中汲取靈感，揭示了反烏托邦設定下隱藏的哥德式情調：「對第十二區的描寫、斯諾的陰森存在、都城所掌控的科技威脅。」哥德式的元素——壓抑的建築、監視、階級恐怖——出現在那些通常不被認為是哥德式的作品中。 安娜·莉莉·阿米爾普爾2014年的電影展現了吸血鬼女孩，而尼科則著重描繪了我們看不到的東西——油井架作為一種敵對的存在，荒涼的工業景觀襯托著孤寂的身影。 「角色所處的環境充滿敵意和不祥之兆，這是哥德藝術和文學中常見的元素……這就是我選擇如此突出油井架的原因，」他們解釋道。運用刮擦技法，油井架透過耐心細緻的筆觸，逐漸形成鮮明的輪廓——這種方法也體現了他們更廣泛的創作理念：“當我創作電影海報時，我盡量不直接描繪電影中的場景，而是努力想像那些我們看不到的瞬間，那些鏡頭切換之間的內容。” Nico Delort：《飢餓遊戲》插畫版，作者：Suzanne Collins，圖解：Nico Delort © Scholastic Inc. 尼可‧德洛特：《一個女孩獨自夜歸》（版權所有 © 尼可‧德洛特）   利用黑暗作為方法 但對一些從業者來說，黑暗的運作方式有所不同——它不是季節性的營銷或懷舊的致敬，而是將禁忌主題變為可見的方法。 北美三家工作室展示了這種做法：紐約的片頭設計師 Teddy Blanks（Chips 工作室）使用壓縮的哥德式字體和內衣蕾絲，以電影般的規模明確地表達了性慾；洛杉磯的 Thunderwing Studio 拒絕美化巫術歷史，刻意避免使用解釋性文字；蒙特利爾的 As We Proceed 使用哥特式圖像將月經血從禁忌式圖像將血從禁忌轉變為一種力量的月經。 每件作品都從不同的歷史典故中汲取靈感——20世紀20年代的電影海報、中世紀的手稿、90年代的朋克雜誌——但遵循著相似的邏輯：將歷史素材層層疊加，創造出並置的效果，而非忠實地再現；運用黑暗並非為了掩蓋，而是為了照亮那些文化不願直視的事物。他們將素材視為正面的混音，而非博物館式的保存。其目標並非建構永恆的哥德式身份，而是探索不完美之處的實驗——將黑暗作為一種形式策略，使那些令人不安的真相更容易被直面。 “在黑暗時期，反映這種黑暗的藝術作品可以給人帶來深深的慰藉。”泰迪·布蘭克斯   將慾望公諸於世： 《呼嘯山莊》 Chips公司 的Teddy Blanks在為Emerald Fennell的 《呼嘯山莊》 設計標誌時，首先進行了大量的研究。他的資料來源包括他能找到的所有版本的勃朗特小說、舊字體樣本、電影的製作設計以及Fennell的劇本。他的靈感原本來自一張20世紀20年代早期改編電影（「一部遺失的電影」）的海報。原版字體採用了裝飾繁複的小寫字母“g”，筆畫末端華麗，字母粗細變化隨機，間距也頗具戲劇效果——完全是默片時代的誇張風格。 泰迪將字母壓縮到襯線幾乎相接——緊到需要你湊近才能看清，但又不至於壓縮到難以辨認。 「這種微妙的改變賦予了它一種復古、俗氣的言情小說的感覺，這與芬內爾的詮釋非常契合。」接下來，他採取了將慾望直白表達出來的舉措：在壓縮的哥特式大寫字母上添加蕾絲紋理。當布蘭克斯把這款字體展示給他的妻子、作家莫莉楊時，她建議加入蕾絲元素來強化這種性感氛圍。 「我不想處理素材授權的問題，就問她能不能藉我一些內衣。最後我掃描了她的一件胸罩，蕾絲紋理就是從那裡來的。” 蕾絲營造出一種親密感，既能包裹、遮掩，又能揭示。泰迪本可以走哥德路線——用《 魔女嘉莉》式的 血腥標題，以及金屬樂團的粗獷標誌——但蕾絲打破了這種預期。精緻的紋理暗示著勃朗特筆下那種昇華為強烈情感的痴迷慾望。泰迪的字體設計將這種私密的渴望公諸於世—— 在各大城市以巨幅廣告看板的形式 呈現，配上「讓我瘋狂」和「徹底崩潰」等標語。 「讓懷舊的事物煥發新生，關鍵在於創造令人意想不到的並置，」泰迪補充道。 最終的字體設計融合了三個截然不同的時代元素：20世紀20年代的無聲電影海報（字母結構）、70年代的通俗言情小說（美學感受）以及2020年代的貼身衣物（紋理疊加）。每個時代都貢獻了獨特的視覺特質，卻又互不相干。最終呈現的效果之所以具有當代性，恰恰是因為它拒絕拘泥於任何單一時代——因為它將渴望清晰地展現出來，而非將其隱藏在彬彬有禮的字體背後。 泰迪很清楚代溝。 「我40歲了，也足夠清醒地認識到，我對年輕人流行什麼的看法可能已經過時了，」他反思道。 “試圖追逐潮流幾乎肯定會適得其反。” Chips: Wuthering Heights (2026) titles (Copyright © Warner Bros. Discovery)   拒絕軟化：Florence + the Machine 總部位於洛杉磯的 Thunderwing樂團 由Nic和JB Taylor共同創立，他們拒絕解釋自身，以此來吸引目光。但他們與哥德文化的連結遠不止於職業興趣。 JB曾是上世紀90年代洛杉磯哥德文化圈的青少年——她經常出入Helter Skelter等傳奇俱樂部，在好萊塢永恆公墓閒逛，研究哥德文學和藝術的歷史。 “我們探索的不僅僅是一種美學風格，而是深深植根於我血液中的東西，”她解釋道，“我仍然認為自己是哥特。我們努力去體會生命短暫的美好。” 這種生活經驗塑造了工作室的創作理念。 “當遇到像 《神秘圖書館》 、 《人人尖叫》 、 《諾斯費拉 圖》或尼克·凱夫的 《野神 》這樣深刻而引人深思的項目時，我們會在對存在的思考中找到滿足感。” 在Florence + the Machine的專輯《 Everybody Scream》 中，Thunderwing唱片公司完全拋棄了封面上的文字——這在以品牌曝光為主導的主流唱片公司中實屬罕見。封面僅展示了Autumn de Wilde拍攝的一張魚眼鏡頭照片：Florence坐在鍛鐵椅上，身體蜷縮著，身穿層層疊疊的米色布料，與黑色的服裝形成鮮明對比。魚眼鏡頭的扭曲效果使她身後的木質鑲板呈現出弧形，同時將她的身形壓縮在畫面中央，營造出一種幽閉的親密感。她沉思的姿態——頭部微微傾斜，一隻手搭在彎曲的鐵架上——暗示著脆弱。彎曲的視角使空間彷彿向內崩塌。 「當我們看到照片，而Florence和Autumn選定了封面圖之後，我們都覺得完全沒有文字效果才是最佳選擇，」Nic和JB解釋道。 「這張照片本身就極具標誌性。我們對自己的作品並不自負。我們秉持開放的態度，讓最合適的作品自然呈現，而這張照片正是如此。」Autumn的書法作品（由Thunderwing數位化處理）也被用於曲目列表公佈的 部分視覺效果中。 Thunderwing：Florence + the Machine，Everybody Scream（版權所有 © Florence + the Machine）   工作室還設計了一個用於零售識別的圓形標誌——一個帶有神秘色彩的幾何印章，可作為可移除貼紙。它刻意模糊：與其說是標誌，不如說更像是中世紀文獻中的神秘符號。 Thunderwing的哥德式手法遠比表面所見更深刻。在與Autumn de Wilde合作製作《 Everybody Scream》 專輯時，工作室為黑膠唱片的不同版本設計了專屬名稱——例如Bloodwood（鮮豔的半透明紅色）、Dead Bluebell、Dead Ballet Slipper；圖案唱片則命名為The Witch's Window。就連功能性的產品識別也被重新構想成咒語。 此次合作命名體現了數月的共同研究成果。在過去的二十年裡，Thunderwing 創造了其所謂的「印刷術聖殿」——一個收藏了從 12 世紀手稿到 20 世紀 70 年代通俗小說等珍稀印刷品的實體圖書館。 尼克和JB為藝術書籍出版社Taschen設計了 「神秘學圖書館 」系列——這項持續進行的工作不斷滋養著他們的創作實踐。 「這些書籍以及其中的所有藝術作品始終影響著我們，」他們解釋道。他們與傑西卡·亨德利和帕姆·格羅斯曼共同編輯的關於巫術的書籍中，收錄了許多啟發了《人人尖叫 》（Everybody Scream） 創作的圖像，尤其是曼努埃爾·奧拉齊的《魔法 日曆》（Calendrier Magique）  ——這是一本1896年的神秘學日曆，融合了新藝術風格的版畫。弗洛倫斯在倫敦的瓦爾堡基金會獨立發現了同樣的奧拉齊圖像。這一巧合表明，他們不僅僅是客戶和設計師——他們是共同研究者，共同利用一份歷史檔案。 雷翼：秘傳圖書館（版權所有 © Taschen）   《諾斯費拉圖》 的標誌由 Thunderwing 與 Teddy Blanks 共同設計，其靈感源自 12 世紀的教堂手稿：精緻的哥特體，筆畫尖銳、棱角分明，並帶有裝飾性的花紋，這種符合歷史的字母形式常見於中世紀的祈禱書和聖經中。 由布魯克林設計師兼藝術總監馬克·麥吉利夫雷（Mark McGillivray）設計的《雷翼》（Thunderwing）海報延續了這種歷史還原的精準性：艾倫·胡特（莉莉-羅絲·德普飾）側身而立，頭向後仰，諾斯費拉圖修長的骨指伸向她，她手中捧著紫色的花朵——年輕的白食者呈現著鮮明的白色的骨指伸向黑色的花朵——這位年輕的花朵——年輕的花朵——年輕的骨指伸向黑白。就連商業宣傳品也採用了這種處理方式：限量版商品的真品證書上印有八個神秘符號和正式的檔案文字，將電影收藏品提升為一種儀式性物品。 「羅伯特‧艾格斯對歷史小說的創作方法既古怪又嚴謹，」尼克和JB解釋。這種差異體現在字體和設計風格： 《諾斯費拉 圖》著重中世紀的精準和歷史的真實性，而 《人人尖叫》 則將維多利亞時代的浪漫情懷與當代巫術象徵主義巧妙融合。 為了打造 《Everybody Scream》這部 影片，Thunderwing 與 Florence 和 Autumn 一起花了幾個月的時間蒐集素材——老電影、珍貴照片、文化運動——直到整個創意團隊「都使用著同一種視覺語言」。這項研究超越了字體排印的範疇，構建了一個整體的美學體系：“圖形、字體、色彩故事，所有這些都源於一個敘事，而這個敘事也影響著服裝、場景、髮型、妝容和攝影風格。一切都是不可分割的。” 當代哥德式風格為情感的真誠而非神秘創造了空間——不是“我神秘莫測”，而是“這就是我真實的感受”，並用視覺語言將其表達出來，使之變得可以忍受。 《諾斯費拉圖》海報：Thunderwing + Mark McGillivray；標誌設計：Thunderwing + Teddy Blanks   血即力量：吸血鬼 總部位於蒙特婁的品牌設計工作室 As We Proceed 由創意總監 Mariane Vaillancourt 和 Emanuel Cohen 共同創立，他們為 Bri Cochran 和 Liv Williams 創立的帶導管衛生棉條品牌 Vampons 設計的包裝，讓隱形成為不可能。如今，走進北美藥妝店的經期護理用品區，Vampons 的包裝盒立刻就能吸引眼球——啞光黑，而其他品牌的包裝則充斥著粉紅色、紫色或柔和的粉紅彩色調。 霧面黑不只是深沉，它還能完全吸收光線，摒棄了亮面競爭對手常見的光澤。在其他品牌閃閃發光的藥妝店螢光燈下，Vampons 依然保持啞光質感，如天鵝絨般柔滑。這種觸感堪比高端產品：豪華汽車漆面、高端信用卡，以及那些刻意營造高貴質感的霧面。 研究過程融合了戲謔的顛覆性和身體恐怖元素：情緒板上層層疊疊地鋪滿了長著爪狀指甲的黑色手掌、扭曲的身份圖像、模擬時代的短暫物體與數位影像的碰撞。最終的包裝也沿用了這種風格——白色圓形貼紙上寫著“零殘忍/低調/經認證可吸/敢於流血”，圍繞著一個簡單的吸血鬼符號排列，宣傳圖片中盒子兩側則裝飾著黑色的手掌圖案。 「眾所周知，衛生棉條含有對身體造成嚴重傷害的化學物質（鉛、砷、汞、二噁英、PFAS 等），而且毫不掩飾地使用，但卻一直以女性性別社會建構的刻板美學進行銷售：粉紅色的花朵和明亮、快樂的色彩，」As We Proceed 的聯合創始人兼創意總監 Mariane Vaillancourt 解釋道。 接下來：Vampons 的身份（版權所有 © Vampons）   精美的包裝掩蓋了產品的實際成分，造成了美觀與安全之間的虛假聯繫。 「為了與品牌的價值觀保持一致，我們決定顛覆視覺敘事……將外觀看似有毒的盒子（但裡面裝的是對身體和地球都溫和的產品）擺上貨架，旨在引發人們對那些裝在看似無害、漂亮的盒子裡的有毒產品的反思。” 盒子背面設計得像一張頹廢風格的海報，三種字體向外輻射。頂部是粗體哥德式大寫字母“我們都是凡人”。斜體襯線大寫字母拼寫著“敢於流血”，向右傾斜。剩餘空間則以手寫體填滿：「經認證很爛」和「重金屬檢測合格」。 這三種字體之間並非競爭，而是形成一種視覺對話：頂部是簡潔的哥德式大寫字母，引人注目；下方是向右傾斜的斜體襯線字體，營造出一種對角線的動感；手寫體則以親切的旁白填補空白。白色文字在吸光黑色背景上形成鮮明對比，卻又不失光澤——每一層文字都清晰可讀，卻又層層疊加，最終形成一種刻意營造的密集感，如同海報般張揚，不容忽視。 「我們從90年代的獨立雜誌、龐克搖滾傳單和獨立唱片封套的視覺語言中汲取靈感，」負責字體設計的伊曼紐爾·科恩解釋道。 「哥德式和粗體緊縮字體有著悠久的歷史，但在現代語境中，它們往往與次文化和反建制運動聯繫在一起。我們想要捕捉到那種反叛的感覺。”   「透過這種風格來呈現『敢於流血』這樣的詞語，」伊曼紐爾解釋說，「我們將神聖而莊嚴的視覺語言運用到月經上，這是一個歷史上一直被羞恥和秘密所籠罩的生物過程。這是一種重新定義的行為，將月經視為一種強大的、近乎神聖的儀式，而不是一種詛咒。」 傳統經期護理產品將經血視為難以啟齒的秘密，需要委婉的表達和花卉圖案的掩蓋；而Vampons則以吸血鬼形象直白地聚焦於血液，顛覆了人們對血液的負面認知，將其從詛咒轉化為力量。吸血鬼：血液的鑑賞家和欣賞者，而非避之不及者。 霧面黑色的包裝兼具雙重功能：既展現自信，又不失坦誠。它模仿高端產品的質感，給人高雅低調之感，卻不讓人感到羞恥。就連衛生棉條的獨立包裝也沿用了這種設計——啞光黑色搭配極簡的白色文字——摒棄了業內常見的明艷圖案和花卉印花。 瑪麗安和伊曼紐爾運用哥德風格來表達政治顛覆，而非追求固定的認同。 「像哥德、垃圾搖滾和龐克這樣的次文化運動，歷史上都興起於動盪時期，它們作為強有力的文化回應，呼籲變革，並將人類福祉置於首位，」瑪麗安解釋道。 “雖然它們的美學是對‘正常’這一社會建構的視覺挑戰，但這些運動的根本在於爭取真實存在的權利。”   哥德式的未來走向何方？ 哥德式的顛覆性力量在於它始終領先於商業的吸收。一旦溫蒂漢堡能在萬聖節改名為“星期三”，一旦Booking.com能將莫蒂西亞·亞當斯塑造成一個略帶諷刺意味的客服隱喻，這些對黑暗的特定詮釋就被馴化了——變得無害、符合企業利益、適合家庭消費。黑暗不再具有挑戰性——它只是娛樂和銷售的工具。 文化循環要求設計師們去尋找那些品牌仍然不敢觸碰的敏感話題。這並非為了唱反調，而是因為某些真相只有透過正式的策略才能被正視，否則它們將永遠隱形。 「我認為哥德式故事或與之相關的美學從未不受歡迎，」尼科·德洛特指出，像 《吸血鬼獵人D：嗜血》 和吉爾莫·德爾·托羅的 《猩紅山峰 》這樣的電影“長期以來一直是藝術家圈裡的經典之作”，還有以維多利亞時代歐洲一種地方性疾病為背景的電子遊戲 《血源詛咒 》。創意團體一直都很重視哥德式風格；改變的是，如今品牌和機構也想獲得這些藝術家創造的靈感。 “在黑暗時期，”泰迪·布蘭克斯反思道，“反映這種黑暗的藝術可以帶來深深的慰藉。當你將這種黑暗與浪漫和強烈的情感融合在一起時，它就變成了一種情感宣洩。” 下一代運用哥德視覺語言的設計師不會重複他們所見。他們可能會審視結構如同幸運餅乾般的錯誤訊息和無人問津的服務條款，將實體和數位垃圾桶中的零碎物件層層疊加，並直面科技和無形系統如何塑造我們的生活，以及由此導致的自主權喪失。文化檔案庫不斷擴展，因為那些無法言說的領域也在不斷變化。 哥德式風格不會止步不前，它會向著那些依然令人不安的陰暗角落進發。 Iconisus L&Y：猩紅山峰海報（版權所有 © 環球影業）   內容來源: https://www.itsnicethat.com/

  數十年來，創意產業一直在回應社會需求：我們為永續、無障礙、包容性與社會變革而設計。 如今，新的挑戰正悄然來臨。 AI 已經改變了我們的工作方式，但接下來的變化不只是提升生產力——風險不只限於工作。若我們不立即行動，其影響將波及全人類。 許多科技領袖，如 OpenAI 的 Sam Altman、Meta 的 Mark Zuckerberg 及 Anthropic 的 Dario Amodei，一致預測，具有人類級智能的變革性 AI（AGI 或「超智能」）可能在三到十年內出現。若此預測成真，數十億人可能失去工作，各技能層級都將面臨大規模失業，全球經濟將遭受衝擊。 經濟破壞已不是理論。研究 AI 對勞動市場影響的經濟學家 Anton Korinek 警告：「如果認知勞動完全可自動化，工資可能降至接近零，導致大量人口在經濟上變得多餘。」 ChatGPT 也許可以幫你撰寫電子郵件或進行研究，但 AGI 將能管理整個企業並做出重大政策決策。這不再只是提升效率，而是取代人力。 若這聽來不可思議，想想疫情前的情境：曾經看似遙遠的可能性，瞬間變成迫切現實。提前規劃不是過度反應，而是確保未來的必要行動。   超越薪資：連鎖效應 試想，數十億人不再被需要，工作被裁減——不只是物流或行政，還包括軟體工程師、律師、創意人、策略師、財務顧問、醫生。這將帶來： 議價能力與尊嚴喪失 精神健康挑戰加劇 民粹主義抬頭 對民主制度的信任崩解 這不只是收入問題，而是關乎自主、歸屬感與人生意義，亦是社會性問題。   設計師與策略師的角色 我們或許不制定法律，但我們的工作塑造文化、影響社會，幫助人們想像未來。 想想設計領域在氣候議題上的作為——優先使用永續材料、推動循環設計、倡議 B Corp 認證、教育公眾。我們改變了敘事，轉變了思維模式，進而推動政策改變。 現在，是為失業未來採取行動的時刻。你的專業工具將成為優勢： 與企業高層與 SaaS 客戶合作 將永續未來融入策略工作 將複雜議題轉化為易於理解的敘事 我們應呼籲專業組織（如 DBA、Design Council、聯合會、工會）加入政策討論，影響如何規劃過渡、建立社會安全網、試行全民基本收入及以工作者為中心的創新方案。   準備，而非反科技 是的，我們已使用 AI 來改善研究或策略工作。AI 若負責任地應用，確實能帶來益處。我自己的顧問工作就因 AI 得到更深層的洞察。 但這不只是提升企業效率，而是關乎人類的未來。討論不再只限於創意自由工作者，影響遠大於此。即便僅看我們的產業，新進畢業生難以立足，資深從業者也感受到壓力。經濟破壞已經開始，若人類級 AI 出現，幾乎所有產業都將受影響。   掌握方向盤 我們未必完全掌控方向盤，但仍可抓住機會。未來未定，我們仍能引導——只要立即行動。 今天可以採取的行動： 保持資訊敏銳——關注 Windfall Trust、Brian Merchant 等組織與思想領袖 要求行動——致信議員或地方政策團隊；呼籲專業組織重視此議題 提出關鍵問題——在品牌定位、未來策略或溝通中，思考 AI 對客戶與其服務對象的影響 擴散聲音——與網絡分享相關文章與專業觀點   設計下一章 我們曾為永續設計，為社會變革設計。現在，我們為尊嚴設計。 不要讓未來被他人書寫，讓我們共同設計它。 Sue Bush 是品牌設計顧問，並經營 The Co-Foundry   內容來源: https://www.drupa.com/

（所有圖片 © 淺川聰）   Shio 建築設計事務所打造木構托兒中心 位於日本富山縣冰見市中心的「冰見新町托兒中心」，由 Shio Architect Design Office 的鹽中 熙（Ataru Shio）設計，是一座全新的兩層木造建築。這項計畫取代了一所營運近 50 年的舊托兒所，並透過公開甄選的方式委託興建，旨在推動地方層級的高品質公共建築。 設計理念在於打造一個支持幼兒學習的教育環境，同時成為社區中具辨識度的公共地標。建築的配置受基地條件影響——基地狹長，南北向，且被既有的地下汙水管道貫穿。為因應這一限制，建築被安置於管線一側，以最佳化可用空間並確保充足自然光。托兒中心採用傳統木構架系統建造，使用在地木材，並獲得日本林業廳「地區材利用補助計畫」支持。這樣的做法不僅強化了與地方工藝的連結，也促進了地區資源的永續運用。 木構曲線內部設計，兼顧安全與觸覺學習 由於北陸地區晴天數較少，設計特別強調自然採光。透過大型開口與開放式空間配置，即使在陰天也能維持明亮舒適，為孩子提供活潑的室內活動環境。安全與感官體驗同樣是設計重點：空間中減少銳角以避免碰撞受傷，並大量使用木材與磁磚等自然材料，讓孩子自幼就能直接接觸真實的自然質地。 最終成果是一棟以社區為中心的公共建築，由鹽中熙領導的 Shio Architect Design Office 設計完成。作品在環境回應、空間清晰度與材料誠實性之間取得平衡，不僅支持幼兒教育，也延續了富山地區的在地建築文化。 項目資訊 名稱：冰見新町幼兒園（Himi Shinmachi Daycare Center） 建築師：Shio Architect Design Office（塩 亜樹／Ataru Shio） 地點：日本富山縣冰見市 總樓地面積：982.56 平方公尺 施工單位：Higashi Kogyo、Himi Civil Engineering、Hamai 聯合事業體 攝影：Satoshi Asakawa   內容來源: https://www.designboom.com/

一份完好、又能啟發人心的禮物 我們送禮，是為了表達愛、感謝與慶祝。但當禮物被塑膠氣泡紙包裹、在運送中碰損、失去美感時，那份喜悅瞬間變成失望。原本為了「保護」的包裝，反而破壞了送禮的體驗。 Kuppikali 的聖誕燈並非一般產品——它纖細、具雕塑感且富有象徵意義。它以回收的啤酒玻璃瓶製成，理應擁有與禮物本身同樣用心的包裝。   有目的的保護 為了提升開箱體驗並保護這盞脆弱的三角形燈，我們設計了一套與產品一樣講究的包裝系統。 客製三角形盒 外盒呼應燈具的形狀——沒有多餘空間、沒有妥協。它像第二層皮膚般包覆產品，減少運送時的移動與衝擊。 友善氣泡紙 內部使用以椰殼纖維製成的氣泡紙，完全取代塑膠。它能提供相當於六層傳統氣泡紙的防護效果，並通過 10 英尺摔落測試。可生物分解，且質感自然。 友善油墨 我們不只關注結構。多數「環保包裝」仍使用有毒油墨，而我們選擇植物性顏料與天然溶劑印刷——無塑膠、無毒、無妥協。 送禮是一種情感，包裝也該尊重這份情感 永續也可以很優雅。防護不一定需要塑膠。從造型到油墨的每一處細節，都能以體貼的態度設計。 這是一個百分之百永續的包裝解決方案，既保護產品、提升體驗，也回應送禮背後的情感。 因為當送禮是一種情感時，包裝也應該成為故事的一部分。     內容來源: https://packagingoftheworld.com/

忘掉塑膠尖牙吧。今年的萬聖節，JDO 直搗要害。這家充滿血腥創意的品牌設計公司推出了「Vamp Aid」活動概念，既刺激又有力，旨在讓人們停下腳步，認真思考捐血的重要性。 畢竟，吸血鬼可能只是傳說，但血液短缺卻是真實存在的。在英國，NHS 每天需要大約 400 名新捐血者才能滿足醫院需求，證明了血液的迫切性。 「Vamp Aid」將萬聖節的黑色幽默與尖銳的社會訊息結合，將經典吸血鬼傳說轉化為既血腥又精彩的溝通活動。概念直覺又吸引人，證明做好事不必令人困擾。 這個活動橫掃街頭與社群媒體：從被吸血鬼「破壞」的海報，到捐血販賣機，每個接觸點都旨在引起關注。「Vamp Aid」緊跟文化潮流，例如以血庫為主題的 T 恤呼應復古巡迴演唱會周邊，以及將柵欄尖頂染成鮮紅色的遊擊裝置。 活動的核心是一個巧妙的單字母設計：在 V 裡藏著尖牙，A 裡閃著一滴血珠。當動畫呈現時，字母交疊融合，形成充滿黑暗情感的視覺語言。設計風格既陰森又優雅，令人無法忽視。 JDO 設計總監 Frank-enstein James 說：「吸血鬼與捐血之間的連結如此直覺，彷彿一直潛伏在暗處等待被發現。真正讓它栩栩如生的是文案，那些幽默與恐怖兼具的語句，能讓人停下來思考，這正是一個優秀溝通活動該做到的事。」 JDO 策略師 Rachael “The Ratchet” Skingle 補充：「每年，JDO 都會在萬聖節發揮創意，推出展現團隊想像力與工藝的概念。Vamp Aid 將荒誕與現實結合，把吸血鬼的荒謬與捐血的嚴肅性並置，結果既有趣又有意義，還帶點嚇人效果。」 透過「Vamp Aid」，JDO 再次證明他們天生充滿想像力，將敏銳思維、大膽品牌識別與一絲陰森元素融合，打造真正引人注目的創意概念。     內容來源: https://packagingoftheworld.com/

自2017年以來，La Sovrana一直致力於將最新鮮的義大利農產品引進倫敦。這家家族經營的批發商由Alfonso Picaro和Pierpaolo Picaro兄弟領導，其水果和蔬菜的採購來源包括位於阿馬爾菲海岸附近坎帕尼亞地區的自有農場，以及遍布意大利各地的可靠種植者網絡。 疫情期間，La Sovrana 在倫敦的業務真正迎來了發展機遇，因為餐廳的關閉將對優質食材的需求推向了鄰裡商店，許多人重新發現了對美食的熱情。 隨著業務的蓬勃發展，以及新科文特花園市場分店的鞏固，該團隊意識到他們的視覺形像已無法再承載這種增長，因此與總部位於倫敦的 Justified Studio 接洽，尋求品牌重塑。 除了讓 La Sovrana 有信心進入新領域之外，新品牌還必須傳達更深層的訊息——支撐其業務的意圖。 Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識 「我來自英國，從小就知道一年四季都可以買到桃子或檸檬——你只要去超市，那裡總有賣的，即使說實話，它們都很糟糕，」創始人兼創意總監約書亞·奧格登 (Joshua Ogden) 說道。 La Sovrana 的有趣之處在於一切都經過精心設計——農產品按季節種植，以彰顯風味，你可以品嚐到這份用心。例如，你永遠無法完全預測最終會收穫什麼樣的黃瓜，因為它取決於溫度、生長方式、當年的物產，而這些都與味道息息相關。這與我成長過程中所接觸的飲食方式截然不同。 這為 Justified Studio 提供了豐富的概念土壤，值得深入挖掘。在這個食品加工往往以方便快捷為目的的時代，La Sovrana 卻代表著相反的方向——它生產的農產品是為了品嚐，需要耐心、有目的性地種植，並融入幾代人的知識。 Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識 「我們農產品的新鮮度不僅在於它能快速上市，還在於知道何時採摘，」阿方索·皮卡羅說道。 “這是我家傳承下來的知識。我哥哥走過一個農場，就能知道哪些西紅柿正值最佳成熟期，哪些顏色正合適，成熟度也恰到好處——正是採摘的最佳時機。” Justified Studio 希望此次品牌重塑能展現 La Sovrana 根深蒂固的精湛技藝，但又不至於顯得刻板或受傳統束縛。 “我們不想讓它看起來像一個老牌子，”Ogden 說，“我們想要一些前瞻性的東西，同時又能巧妙地融入懷舊元素。” 團隊也希望品牌標識具有紮實的根基－體現出La Sovrana的產品和知識的來源。當Picaro邀請他們參觀倉庫時，他們立刻被包裝盒上的字體和水果貼紙上的圖案所吸引——這些都是義大利南部常見的圖案。 利用這些印刷線條，他們製作了一個自訂字標，一個帶有手繪溫暖感的厚重彎曲襯線。 文字商標 這些字體刻意設計得緊密貼合，幾乎融合在一起，正如奧格登所說，讓人聯想到「標籤印在紙板上時墨水的滲出」。 「S」和「V」上的華麗裝飾賦予了商標獨特的存在感，使其在市場百葉窗和貨車塗裝上都能引人注目。 「我們希望文字商標能像優質水果貼紙一樣，傳遞出同樣的信任感，」奧格登說。 「這些標籤一直以來都是品質的象徵，表明裡面的東西都是經過精心挑選的。而標誌也需要傳達同樣的感覺。” 客製化標誌與 Archivo 搭配使用作為主要字體 - 選擇它是因為其簡單但具有影響力和強大的重量 - 而 IBM Plex Serif 被精心挑選用於標記系統和正文，以確保清晰的區別和層次結構。 色彩成為另一種敘事載體。團隊將La Sovrana農產品的鮮豔色彩與阿馬爾菲地區柔和的陽光漂白色調相結合，並參考了復古旅行海報和海濱酒店褪色的色調。這些元素共同喚起了一種獨特的意大利風情，這一點至關重要。 Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識 「阿方索是這個道地英式市場裡唯一的義大利品牌，」奧格登說。 “所以，無論你何時看到La Sovrana，它都需要展現出一種自豪的意大利風味——明亮、富有表現力，並且充滿著他家產品所特有的新鮮與美感。” 標誌中的阿馬爾菲檸檬——正如 Picaro 所說，是 La Sovrana 的“最具特色的產品”——成為了另一種歸屬感。攝影作品延續了這種熟悉感；以底片拍攝，賦予品牌標示一種懷舊的柔和感，同時也提供了一個靈活的成長體系－一個能夠隨著品牌規模擴張而調整的工具。 “我們非常重視圖像，因為它始終是 La Sovrana 的核心，”Ogden 說。 “我們沒有建立一個充滿圖形元素和形狀的系統，而是專注於創造一個強大的標誌和精美的圖像，這些圖像可以充當編輯載體，帶領品牌走向未來。” Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識 Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識 Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識 Justified Studio 為 La Sovrana 設計的標識   內容來源: https://www.designweek.co.uk/

圖：Elle Ashby   經濟壓力持續增加，但消費者——尤其是 Z 世代——仍然在食品和美食上揮霍，並將其視為必需品。 新的研究 表明，年輕人正在將「零食文化」推向主流，他們每月花費數百美元購買零食等奢侈品，以此作為應對社會壓力的機制。 在世界陷入黑暗的時期，食物為人們帶來了歡樂、放縱、穩定和逃避。 2024 年全球奢侈食品市場價值將超過 1,450 億英鎊， 預計到 2033 年將超過 6,100 億英鎊。 由於消費者優先購買奢侈食品而非其他商品，選擇品嚐菜單而非名牌包，以及選擇餐廳而非零售消費，該行業正在蓬勃發展。 Lifesum 的研究顯示， 在去年的生活成本危機期間，年輕消費者願意削減在時尚、科技和美容方面的支出，以便將錢花在食物上。 食物也正成為一種更微妙的價值交換形式。美食家們越來越博學多識，也越來越有主見。能夠提供推薦本身就是一種身分的體現。了解最好的新拉麵店，或了解天然葡萄酒和天然葡萄酒的區別，如今都擁有巨大的社會價值。 飲食文化講究活在當下，創造沉浸式、可分享的體驗，說一個個故事。光是拿起一杯外帶咖啡，就能變成一段引人入勝的內容。 隨著飲食文化的盛行，人們比以往任何時候都更渴望在現實生活中體驗到基於自身飲食知識的體驗，各行業的品牌都在利用這一趨勢。 以下是品牌和零售商利用飲食文化的最新趨勢與消費者和社群建立聯繫的一些方法。   創造第三空間與歸屬感 食品店不再是日常瑣事，變成了有趣的外出和社交機會。零售空間正從純粹的交易場所演變為提供新奇、趣味、社交和建立社區感的空間。 雜貨餐廳（或稱「grocerants」）的興起證明了這一點，它們為人們提供了在貨架之間進行社交的場所。 其中包括倫敦的 Lulu's，它是一家集咖啡館、魚販、熟食店和酒吧於一體的商店，以及斯德哥爾摩的 ICA 超市，它擁有果汁和冰沙吧、素食肉店以及海鮮和香檳酒吧。 這些滿足了消費者對專業服務日益增長的需求，同時也培養了鄰裡氛圍。 率先提出「第三空間」概念的星巴克，在其全新「未來咖啡館」的設計規劃中再次加倍強調了這個概念。星巴克希望重新扮演「居家與工作之間舒適空間」的角色。 人們也希望透過飲食文化來獲得一種社區感和歸屬感，而品牌則透過設計歡迎和支持特定社區的空間來滿足這種需求。 Hags 是一家位於紐約東村的餐廳，由酷兒創辦，面向所有人，支持當地藝術家，並與社區分享食譜和資訊。倫敦的 Gooce Supper Club 為單身人士提供了一個相聚、享受美食和音樂的場所。   提升零售體驗 消費者正在尋求獨特性、探索性和懷舊性，而品牌則透過提升店內購物體驗來應對。 雖然一些食品零售商純粹注重美觀，但其他一些零售商則將精緻的設計與永續性相結合，例如倫敦的 Natoora，這是一家設計精美的農產品直銷店，直接與種植者合作，建立更永續的食品體系。 同時，紐約的 Pop Up Grocers 提供精心策劃的社區商店，展示最具創新性和令人興奮的天然食品品牌。 但利用這種飲食文化的方式並不只適用於食品品牌。不同行業的零售商都在透過將食品打造為新穎、時尚且值得一試的商品來提升其產品品質。 時尚品牌也紛紛加入這一行列，普拉達 (Prada) 在哈羅德百貨 (Harrods) 開設了一家咖啡館，拉爾夫·勞倫 (Ralph Lauren) 在梅菲爾區開設了拉爾夫咖啡館 (Ralph’s Coffee)。 隨著零售業越來越注重娛樂顧客，各大品牌紛紛透過富有想像力的、以食物為主題的展示和令人驚喜的互動來提升店內體驗，例如紐約的 Jellycat Diner 餐廳就推出了以食物為主題的毛絨玩具， 這款產品在 Tiktok 上走紅 。   撥接便利 隨著消費者的時間越來越少，零售空間應該感覺直覺、有目的且易於導航。品牌更加重視彈性，並提供順暢的體驗，旨在減輕消費者在購物和用餐時的精神負擔。 成功在於滿足消費者的需求，靈活地融入他們的日常生活，並提供獨特的產品。 倫敦的沙拉計畫旨在透過提供新鮮食品來取代傳統的方便食品，讓人們在旅途中也能輕鬆享受健康飲食。零售商aaA在西班牙畢爾巴鄂經營一台ATM蛋糕機，它透過將新鮮製作的蛋糕裝在紙袋中分發給顧客，將新穎性與便利性完美結合。 同時，荷蘭線上超市Picnic專注於快速、便利和永續的食品雜貨配送。 Picnic配送免費，採用電動車，司機和外送員熱情友好，這種模式讓人回想起過去送奶工式的服務。   透過食物說故事 由於食品知識是新的社會貨幣，各大品牌正在投資透過食品講述故事，並提供罕見或一次性的用餐體驗，以產生話題和熱議。 倫敦餐廳 Six by Nico 提供六道菜的品嚐菜單，每六週更換一次，靈感來自一個主題或概念。例如，其最新菜單的設計主題涵蓋了從發射到登月的太空探索。 全球知名的 Le Petit Chef 餐廳將美味佳餚與 3D 影院體驗完美結合，提升用餐體驗的戲劇性。 抓住消費者的想像或帶領他們踏上探索之旅，可以激發人們的渴望，並為世界各地的美食愛好者提供一種獨特的感覺，從而提升病毒式傳播、品牌喜愛度和忠誠度。   內容來源: https://www.designweek.co.uk/