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芬蘭新建築與設計博物館將成為赫爾辛基的地標性濱水項目 JKMM 建築師贏得國際競賽，將設計芬蘭全新的建築與設計博物館，該項目位於赫爾辛基歷史悠久的南港濱水區。此次競賽吸引了 624 份匿名提交作品（可參考 designboom 的先前報導），JKMM 的勝出提案在競賽中以「Kumma」為代號，旨在為市場廣場及瑞典堡 UNESCO 緩衝區附近的重要地段注入文化活力，為城市提供新的文化核心。博物館預計於 2030 年開幕，將整合芬蘭兩大設計機構，收藏超過 90 萬件文物。 JKMM 建築師創始合夥人兼首席設計師 Samuli Miettinen 表示：「我希望新建築與設計博物館的規劃與實現，能展示如何以負責任且精湛的方式建造新事物。建築與設計是深具人性—它們源於夢想與渴望，並在我們共同體驗和生活的場所中賦予意義。」   全球競賽爭奪赫爾辛基新文化地標 競賽於 2024 年 4 月啟動，吸引來自全球的參賽作品，其中約 20% 來自芬蘭，義大利、美國、法國與英國也有強勢代表。由 Mikko Aho 主持的評審團選中位於赫爾辛基的 JKMM，其作品能與港口城市景觀融合，同時保持明確的公共存在感。勝出設計以雕塑般的再生磚使用、強烈的城市露台設計，以及在設計發展過程中兼具宏偉與親和力的潛力而脫穎而出。 第二名由葡萄牙／比利時的 Cossement Cardoso 獲得，作品名為《City, Sea and Sky》，瑞士工作室 Lopes Brenna 獲得第三名，作品為《Moby》。芬蘭建築師團隊與法國 Atelier Orda 也獲得肯定，前者以《Tyrsky》獲第四名，後者的《TAU》獲購買選項獎。   南港場地與城市轉型 JKMM 設計的博物館將興建在南港一處空置碼頭地塊上，這是一個象徵性地點，位於赫爾辛基歷史中心與海港之間。周邊地標包括阿爾瓦·阿爾托的標誌性「糖立方」、城市的東正教與路德宗大教堂，以及艾斯普拉納公園。該項目是港口再生策略的一部分，旨在將港口轉型為文化與公共區域，並由芬蘭政府及赫爾辛基市提供資金支持。 完成後，10,050 平方米的建築將提供靈活且包容的公共中心空間，包括展覽廳、設計圖書館及對公眾開放的露台。博物館將吸引本地居民與國際訪客，使其成為探索建築與設計如何影響日常生活的場所。   2027 年開工，2030 年開幕 博物館的核心使命是「民主化設計工具」。除了展示像 Aino 與 Alvar Aalto、Eero Aarnio、Maija Isola 以及 Eliel 與 Eero Saarinen 等設計師的物件、信件、模型與照片外，博物館還提供公眾學習平台。展覽將探討設計在當代全球挑戰中的角色。高規格巡迴展、教育工作坊以及參與性活動，將使設計技能在不同社群中更加可及與相關。 可持續性是競賽簡報的關鍵要求，赫爾辛基目標於 2030 年實現碳中和。JKMM 的設計方案整合氣候智慧解決方案，並因其生態與社會響應能力而獲讚賞。每份參賽作品皆經過 KONE Finland 的人流分析，並由用戶群參與的公開工作坊影響評估過程。評審團表示，「Kumma」展現出作為未來博物館建築的韌性與社會包容性範例的潛力。 建設預計於 2027 年開始，開幕定於 2030 年底。作為可持續且包容設計的未來基準，新博物館將彰顯芬蘭全球設計卓越的聲譽，並為赫爾辛基在波羅的海沿岸增添新的公共地標。   內容來源: https://www.designboom.com/

超級瑪利歐兄弟（版權所有 © Nintendo，1985）   四十年過去了，即使故事情節初看似乎簡單甚至重複，馬力歐仍歷久不衰。我們深入探討任天堂如何通過對設計與遊戲體驗的執著，讓這個系列長期保持新鮮與趣味，並贏得全球創作者的喜愛。   擁有超過 200 款遊戲的系列，其中 19 款單款銷量突破千萬，截至 2025 年累計銷量超過 8 億套。系列核心是一位意大利血統的水管工馬力歐，他的動作設計如同體操選手，由遊戲設計師（前工業設計師）宮本茂創造。 自從 NES（及後續街機版）《超級馬力歐兄弟》問世以來已經 40 年，馬力歐宇宙依然是任天堂硬體銷售的重要驅動力。 其故事設定極為直接：有強大的反派（大猩猩、帶尖刺殼和皮革束縛裝的烏龜、外星人、肥胖分身），有需要拯救的對象（公主、王國寶物，甚至自己的城堡），以及那個平凡又通用的英雄。 2011 年《Super Mario: How Nintendo Conquered America》一書中，Jeff Ryan 寫道：「馬力歐的獨特之處在於，他似乎看似沒有吸引力。其他熱門遊戲系列讓你體驗戰爭的刺激與恐怖、深度奇幻世界或職業運動，而馬力歐遊戲讓你扮演一個中年胖子跳到烏龜殼上。什麼？沒有超級英雄？沒有士兵？沒有巫師？這算是什麼低成本的願望實現？」 超級瑪利歐兄弟（版權所有 © Nintendo，1985）   玩家至上、工藝優先的設計理念 馬力歐之所以長青，在於任天堂採取了 以玩家為中心、工藝優先 的遊戲開發方法，結合視覺元素、軟硬體特性、細膩的使用者體驗（UX），並融入其他娛樂與敘事媒介的參考。 Buck Games 創意總監 Michael Highland 表示：「玩家感受到的優雅簡潔，其實是經過數十年的知識積累、迭代與精心打磨，目標都是為了達到最佳的參與感與愉悅感。」 馬力歐還突破了遊戲與娛樂界的界限，成為多個品牌廣告的靈感來源，包括 Cheerios（2015）、Domino’s Pizza（1992）、Got Milk（1996）、Kirin Lemon（《超級馬力歐世界》時期）、Kraft Mac & Cheese，以及 McDonald’s Arch Enemies（2015），還有非 CPG 廣告，如 Budget Direct（2021）、Canguro Scarpe（2016）、紐約 DMV（2025）等。 Kirin Lemon 與任天堂合作的平面廣告（版權所有 © Kirin，1991）   自然與遊樂場中的靈感 Jennifer deWinter 在 2015 年的宮本茂傳記中指出，宮本茂希望將童年經驗轉化為遊戲機制。「他在日本鄉村長大，像我們那代人一樣，常被趕出家門直到傍晚才能回家。因此他會進入森林、洞穴、遊樂場，這種在戶外的愉悅感完全融入了遊戲。」 無論場景如何變化，遊戲公式一直保持一致：從《超級馬力歐兄弟》的廣闊草原，到隧道、游泳、再到跳上雲端的關卡，呈現出遊樂場的樂趣。3D 時代到來後，宮本茂將馬力歐置於開放式沙盒關卡，鼓勵自由探索，同時保有敘事結構。「沙盒允許結構化遊戲與想像遊戲並存，而敘事結構提供了共享互動的方式，讓玩家有語言來討論彼此的遊戲體驗。」 超級瑪利歐兄弟 3（版權所有 © Nintendo，1988）   自我意識與敘事裝置 馬力歐遊戲中常包含打破第四面牆的元素，增加設計趣味性。Michael Highland 認為，隨著遊戲世界越來越詳細與沉浸，計分板、生命值與時間限制等系統可能破壞玩家沉浸感，除非在遊戲敘事中合理化。任天堂的解決方法是採用 分層現實感 ，讓遊戲彷彿自我意識表演。 例如，《超級馬力歐兄弟 3》（1988）被設計成舞台劇，《紙片馬力歐》（2000）則發生在書本世界，每場戰鬥都有觀眾，《超級馬力歐 64》（1996）有「攝影團隊」機制，呈現紀錄片感，《超級馬力歐 奧德賽》（2017）則像一場環遊王國的冒險，每個王國都有精心設計的旅遊手冊。 《馬力歐賽車 8》（2014）有遊戲內電視台，既是比賽贊助，也作為回放編輯機制的元元素。近期作品甚至將角色設計為創業者，開設甜點店或速食連鎖店。Yannick D 表示：「這些設計讓玩家更投入，你既是觀眾也是參與者，這讓你更深度融入遊戲。」 超級瑪利歐奧德賽（版權所有 © Nintendo，2017）   創新與使用者體驗 宮本茂與任天堂團隊在設計每款遊戲時，同時考慮軟體與硬體，催生視覺與 UX 創新。Lost in Cult 的 Abram Buehner 認為：「任天堂擅長用直觀的視覺與使用者體驗語言，即便是第一次拿控制器的人也能理解。」 例如，《超級馬力歐 64》將 3D 攝影機控制概念綁定角色，降低學習難度；Wii U 的「戰場迷霧」機制讓玩家透過手上的控制器看到比其他玩家更多的地圖資訊；《馬力歐繪圖》（1992）附滑鼠外設，不僅創作圖像、動畫甚至音樂，也啟發了後來的《超級馬力歐創作家》（2015）。 Jennifer deWinter 認為，這些設計帶來無窮創意與想像，並且能喚起玩家童年回憶：「懷舊總是關於童年。」   延續驚奇與美感 2023 至 2025 年間，馬力歐角色進行細微但重要的改造：變得更彈性、更卡通、更圓潤。Jennifer deWinter 指出，這與獨立遊戲革命與掌上遊戲興起有關，玩家對美學產生懷舊感。 《超級馬力歐兄弟 奇蹟》（2023）將經典橫向卷軸與迷幻元素結合，讓玩家在熟悉關卡中獲得前所未有的視覺驚喜。Abram Buehner 認為，任天堂給玩家提供的不是機制，而是 視覺創意與快樂瞬間 。 Yannick D 總結：「任天堂每代主機都能重新定義馬力歐的外觀與感受，但核心玩法與奇趣感始終不變。無論選擇何種美術風格，改變都與馬力歐身份一致，讓人覺得自然無違和。他是永恆的，這本身就是魔力。」   超級瑪利歐兄弟：奇蹟 (版權所有 © Nintendo，2023)   內容來源: https://www.itsnicethat.com/

Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑   Nopinz 是一家英國自行車品牌，專為競技選手打造，因對速度與性能的執著而聞名。品牌專精於空氣動力學賽衣以及專利創新技術，能有效降低風阻，為騎手提供關鍵優勢。 經過近十年的市場歷程，Nopinz 認為需要重新打造品牌形象，以更好地展現公司當下定位。他們選擇了倫敦品牌、設計與策略公司 Studio Blackburn，後者提供了全面的品牌改造方案。 品牌重塑有幾個核心目標：傳達 Nopinz 的技術優勢、重新定義品牌語氣，並打造能跟上品牌成長步伐的視覺形象。 Nopinz 董事 Colin Hatfield 表示：「我們的核心 DNA 就是：穿上我們的裝備，你會更快。我們希望慶祝這一點，這也是整個設計需求的核心驅動力。」 Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑   Hatfield 說明，品牌的每一個細節都經過設計，以提升騎手的空氣動力表現，尤其是在計時賽中，「這時只有你和時間賽跑，沒有任何風阻保護。」這種追求「讓騎手更快」的理念，正是 Nopinz 設計哲學的核心。 Nopinz 的產品設計旨在「切開空氣」，這種對性能與技術的堅持也影響了 Studio Blackburn 的創意決策，品牌名稱本身也啟發了設計方向。 Nopinz 這個名字源於品牌的一項突破性創新——專利口袋設計，能固定賽號而不需使用別針。 Hatfield 說：「品牌名中帶有負面詞彙有點奇怪。」團隊曾一度對名稱感到不確定，直到 Studio Blackburn 將「負面」轉化為正面、強而有力的品牌宣言。 Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑   Studio Blackburn 在品牌語言設計中，選擇刪去訊息中的某些詞（例如 For Weekend Warriors），以設定 Nopinz 的語氣。 Studio Blackburn 創辦人兼 CEO Paul Blackburn 表示：「刪去詞語的設計讓我們能同時傳遞訊息，並去掉與品牌無關的部分。這是一種最原始形式的品牌表達，非常具體且有意圖。透過明確定義 Nopinz 不是什麼，品牌便有效地確立了它的立場，使其與其他自行車品牌區隔開來。」 Hatfield 說：「我們一看到這個設計，就知道這是我們的方向，真是個 Eureka 時刻。」 這種品牌語言讓 Nopinz 可以直接表達自身立場，傳達自信感，這也體現在簡約的視覺系統上。為了象徵「減少風阻」，設計團隊採用精準且有力的字體，將 Displaay Type Foundry 的 Greed 客製字體應用於品牌字標，並在字體中融入斜線零（Ø）標誌。 正文排版則選用 Optimo Type Foundry 的 Basel Grotesk 單一字重。 Studio Blackburn 高級設計師 Will Cooper 表示：「我們只用一種字重，因為可以透過字體尺寸變化獲得層次，而無需使用多種字體。這也是為了極簡化，保持資訊精簡。」 Paul Blackburn 補充：「我們並不是為了極簡而極簡。我們會將元素簡化至最核心，再加以放大。這次設計也賦予品牌行為特性，象徵『無風阻』。品牌動態簡單優雅，迅速而緊迫，但從不過度。」 Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑   品牌重塑的另一亮點是引入專屬品牌色—— Nopinz Zone 5 ，介於紅色與橙色之間，為品牌注入活力。 Cooper 說：「在耐力訓練中，運動員會根據不同努力區域使用顏色標示。Zone 5 是最高強度的無氧區域，通常會用這種既非紅色也非橙色的顏色標示。」 Hatfield 補充：「在計時賽中，Zone 5 就是目標，大家一看就懂。」 整體品牌重塑已經在社群中引起共鳴，雖然更大規模的推廣還在籌備中，但初步反饋非常正面，Hatfield 表示：「大家對這個品牌非常有好感。」 品牌形象之所以深入人心，部分原因在於它以受眾熟悉的語言對話，同時為品牌下一階段發展做好準備。 Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑 Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑 Studio Blackburn 為 Nopinz 進行品牌重塑   內容來源: https://www.designweek.co.uk/category/news/

  近年來，各種個性鮮明、風格獨特的精釀啤酒品牌充斥著貨架，從俏皮的名字到千變萬化的酒標，應有盡有。毫無疑問，這類啤酒的競爭愈演愈烈，尤其是在貨架空間和消費者關注方面。 因此，Big Hug——一家將社會責任融入自身DNA的英國啤酒製造商——在經營十年後意識到，僅憑善意是不夠的。為了拓展其使命，成為一家真正具有正面影響力的企業，讓每一品脫啤酒都為人類和地球做出貢獻，Big Hug需要一個清晰可信的品牌形象。 JDO 的任務是為 Big Hug 打造一個與其雄心壯志相符的視覺系統。最終的品牌重塑在倫敦精釀啤酒節上亮相，將品牌宗旨置於首位，同時保留了該啤酒廠最初脫穎而出的智慧和個性。 「能夠用我們系列中的兩款啤酒來支持像 Only A Pavement Away 和 YMCA DownsLink Group 這樣的組織，真是太好了，」創辦人 Matt Williams 表示。 「但為了成為一家 100% 積極影響的企業——讓每瓶啤酒都發揮重要作用——至關重要的是要重塑品牌形象，並傳遞正確的信息。”     自推出以來，Big Hug 啤酒一直將部分精選啤酒的利潤捐給致力於幫助無家可歸者和青少年弱勢群體的慈善機構。全新的品牌平台，以「釀造更美好」為標語，將此概念延伸至整個業務。如今，每款啤酒都有自己的故事和使命，並透過設計的獨特元素來傳達。 JDO 設計總監 Dan Bowstead 解釋說：「Big Hug 帶著強烈的目標和鮮明的個性來到我們這裡。我們的任務是打造一個大膽、清晰的品牌形象，並忠於 Big Hug 的根基，從而為品牌發展奠定基礎。我們要用所有的智慧、精力和熱情去創造改變，讓這個品牌變得不可忽視。」 新系統的核心是「世界擁抱」標誌，這個圖形標誌既是樂觀主義的集結象徵，也是社會公益的象徵。它由一個充滿活力拼貼元素和半色調插圖的品牌世界支撐，在保持現代感的同時，也致敬了DIY海報文化。     英國精釀啤酒界已成為兼收並蓄的插畫、另類的字體設計和大膽的色彩的代名詞。 Big Hug 的新形象秉承了這種活力，並透過一個更連貫的系統來引導它。 先前的迭代缺乏一致性，此次品牌重塑在罐裝和瓶裝上引入了統一的架構，使整個系列一眼就能辨認出來。現在，每個包裝都彰顯風味和個性，同時也承載著其支持的社會事業的敘事。這種包裝策略將精釀啤酒引人注目的本能與如今挑剔的飲酒者日益期待的透明度和實用性融為一體。 此舉反映了精釀啤酒界更廣泛的趨勢：設計已成為講述故事的主要載體。從Beavertown的漫畫風格到BrewDog的簡約字體，品牌的視覺效果與配方同樣重要。對Big Hug來說，將同理心和行動主義融入視覺語言中，是其獨特的優勢所在。     威廉斯表示：「JDO 很早就告訴我，他們幫助品牌兌現承諾，透過人們能夠看到、感受到並相信的強大、有效的體驗，將想法變成現實。 「對我來說，他們確實做到了。無論是在實體店、非實體店、線上還是線下，『擁抱大』如今都以無盡的樂觀和強大的衝擊力體現著我們的使命。” 這項工作正值英國啤酒產業面臨雙重壓力：一方面是精釀啤酒的飽和，另一方面是全球啤酒商的整合。獨立啤酒企業不僅要在口味上競爭，還要打造出能夠引起情感和道德共鳴的品牌形象，而Big Hug的品牌重塑使其牢牢佔據了這個市場。 本月，新形像在酒吧、零售店和網路上全面推出，Big Hug 希望藉此不僅激發重複購買，還能激發重複行善。   內容來源: https://www.creativeboom.com/

  2025 年夏天，奧地利策展藝術團隊 Numen / For Use 與策展人 克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler） 首次來台，特別帶來兩件呼應勤美術館建築語彙的沉浸式裝置藝術作品：《Net Taichung》與全新創作《String Taichung》。 《Net Taichung》以張力懸吊的網狀結構呈現，宛如一幅可行走其中的立體畫；《String Taichung》則透過緊繃的繩索貫穿空間，將建築元素轉化為沉浸式體驗。這兩件作品延伸了勤美術館的建築語言，創造出彈性且具有互動性的空間感受。 在這個充滿想像的夏天，邀你像孩子般自由快樂地探索與玩耍！     《Net Taichung》——高 6 公尺的充氣結大型裝置，柔軟而可穿越的空中詩篇 勤美術館入口處如脈動般的線條，是《Net Taichung》的創作靈感來源。這些充滿動態與光影的建築元素，以及戶外大樓梯與岩板牆面如丘陵般起伏，使觀者能與空間對話。網狀結構以張力懸吊於空間中，宛如可行走其中的立體畫作。 作品柔軟而靈動，隨觀者腳步而變形。充氣結構的張力可自成穩定支撐，不需額外架構；外膜更能作為「柔光箱」增添視覺層次。觀眾可在網中穿梭、躍動、伸展，感受結構隨行而律動，成為作品的一部分。   《String Taichung》——自撐式、可進入的社會雕塑，體驗空間的虛實矛盾 靈感來自勤美術館屋頂的斜線格柵，《String Taichung》以平行輪廓反覆編織出三維線性空間。緊繃的繩索貫穿地下 1 樓空間，創造出懸浮、輕盈且充滿力量的沉浸式體驗。 作品線條極簡且立體，觀者可在繃緊的繩索網旁探索，宛如進入未定義尺度的空間迷宮。身體位置與方向感模糊，既有虛擬感，又因材質真實而產生雙重體驗，如同超現實主義的夢境拼貼。     策展單位介紹 Numen / For Use 來自奧地利維也納的跨領域藝術團隊，探索概念藝術、舞台設計、工業設計與空間設計，致力消弭藝術與設計、物件與空間之間的界線。 1998 年，工業設計師 斯帆．瓊克（Sven Jonke） 、 克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler） 和 尼古拉．拉德利科維奇（Nikola Radeljković） 以 For Use 名義成立團隊。 1999 年，以 Numen 名稱拓展工業設計外的創作。 2004 年首件大型舞台設計後，團隊活躍於歐洲劇院與歌劇院舞台布景。 2008 年起，創作無特定功能的空間概念作品，如《Tape》、《Net》、《Tube》與《String》，挑戰感知、結構、身體與空間的關係，持續於世界各地美術館與藝術節展出。 策展人：克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler） 卡茲勒的設計理念深植於手作與材料探索。完成木工學徒訓練後，他進修家具與室內設計，並通過木工師傅考試，開設個人工作室實現早期設計。1995 年進入維也納應用藝術大學研讀工業設計，並遇見未來的創作夥伴。 他對材料有高度著迷，作品常由對特定材料的直覺好奇開始，經數年實驗與測試而成。結合傳統工藝與手作技術，挑戰既定標準，探索「已知」與「未知」間的可能性。卡茲勒相信材料本身的智慧，讓材料引導作品的形式、功能與體驗。   內容來源: https://cmp-inspiration.com.tw/

La Reale，以傳統與現代風格完美融合而聞名的義大利淡色艾爾啤酒品牌，近日由Sangria創意工作室打造了令人驚豔的全新形象。全新設計以幽默、俏皮的風格重新定位了品牌，並以皇家駱駝吉祥物為中心，描繪出一個超現實的插畫世界，駱駝頭戴皇冠，手捧啤酒。 本週發布的全新設計標誌著La Reale啤酒開啟了新的篇章，打破了精釀啤酒包裝千篇一律的刻板印象。相反，品牌採用了富有想像力的設計，既有手工製作的感覺，又不失原創性。 駱駝吉祥物——慵懶地躺在沙發上，悠閒自在——是整個設計的主角。圍繞著它，一個充滿驚喜細節的場景展開，例如仙人掌、復古電視和柔和色彩的冰箱，營造出一個夢幻般的沙漠與懷舊交織的世界。這張構圖旨在講述一個故事，邀請賓客進入La Reale充滿趣味、另類的世界。 據桑格利亞稱，駱駝是品牌值得信賴的象徵，同時也是視覺錨點。圍繞駱駝的道具也並非隨意擺放，它們的存在是為了注入諷刺、魅力和文化內涵，使這款啤酒在眾多競爭對手中脫穎而出。 Sangria 解釋道：“該插圖以品牌標誌性的駱駝為基調，捕捉了 La Reale 的精髓，即詼諧、大膽、毫無保留的原創。” 設計採用簡潔的輪廓和鮮豔的色彩，引人注目，卻又不失精妙之處。 Sangria 精心平衡了溫暖的沙漠色調與柔和的粉紅彩色調，帶來清新與現代的活力。深色系增添了強度和深度，而淺色系則柔化了整體氛圍，確保這款啤酒既親切又充滿現代感。 這種配色方案，結合超現實主義插畫風格，為靈活的設計體系奠定了基礎，使其能夠超越罐頭本身的限制。從週邊商品到數位平台，駱駝及其世界能夠不斷適應和擴展，使「La Reale」成為一種文化宣言。 字體設計也發揮了重要作用。重新設計的字母“R”帶有兩個獨特的駝峰，巧妙地呼應了駱駝的輪廓。這是一個巧妙的文字敘事，同時也讓人聯想到啤酒罐的圓形倒影，並成為品牌的視覺標誌。 許多精釀啤酒都偏愛鄉村風或簡約的風格，而La Reale則選擇了截然不同的風格。這次重新設計並非為了迎合市場潮流，而是注重真實性和想像力，確保啤酒在擁擠的市場中脫穎而出，擁有一眼就能辨識的個性。 這種方法也展現了幽默和敘事在建立信譽方面如何與傳統或強度一樣有效。圍繞駱駝構建的超現實世界為從商品到數位行銷活動的廣泛應用提供了空間。它被設計成一個不斷發展的生態系統，角色及其周圍環境可以隨著品牌不斷發展。 這種靈活性不僅使La Reale在零售領域，也使其在文化領域中佔據優勢。透過將吉祥物轉化為更廣泛敘事的核心，該品牌創造了一個超越啤酒貨架的符號，與那些重視創意和品味的受眾產生共鳴。 La Reale 的全新形象預示著精釀啤酒品牌的未來發展方向。它融合了幽默、魅力和超現實主義的敘事手法，挑戰了長期以來的傳統，並表明精釀啤酒行業還有更多智慧和想像的空間。   內容來源: https://www.creativeboom.com/

Midori Iwama   2004年至2006年間，我有幸住在東京附近的埼玉縣，擔任英語老師。那段時間，我愛上了日本藝術。但說實話，在一堆平庸的漫畫裡找到好作品，就像在垃圾箱裡淘金一樣難。 最近，由於人工智慧生成的大量垃圾作品，這變得更加困難。這種現象意味著真正有才華的日本藝術家（那些擁有真正技巧和文化理解力的藝術家）往往被忽視，尤其是在其他國家的人們眼中。語言障礙、運輸難題和文化差異也使他們的作品無法被那些最珍惜它們的人看到。 這個問題讓住在美國喬治亞州的埃里卡·赫斯特（Erika Hurst）很苦惱，她的日常工作是翻譯日本武士電影。所以她決定採取行動。   五位值得了解的藝術家 9月5日，Erika推出 日本肖像系列 ，以高度個人化的方式將日本藝術的精髓呈現給全球觀眾。每幅肖像均根據您的照片定制，並在日本手繪。她與五位專業藝術家合作，每位藝術家都帶來獨特的作品。 「我每天都在網路上瀏覽無數人工智慧創作的肖像畫，但人們越來越難找到真人親手創作的藝術品，」艾莉卡告訴我。 “這個系列就是為了把真實性還給人們。” Kinonick Imomoimoko Midori Iwama 關鍵在於：您無需瀏覽日本網站，無需擔心國際運輸，也無需克服語言障礙。訂單以英文下單，成品藝術品從美國出貨，快速送達。 Erika 還在每件作品上添加了個性化的日文書法：您的名字以漂亮的字符呈現，與藝術品相得益彰。   與藝術家見面 以下是 Erika 為該項目簽約的五位藝術家。 Midori Iwama  是一位插畫家，其作品以生物學為靈感，刊登於《 動物口腔奇觀》（An Amazing Look Inside Animal Mouths ）一書中。她創作的肖像畫融合了浮世繪風格（17至19世紀盛行的一種繪畫流派，以日常生活為主題），但又帶有科學的意味。 Karaage Manbou  採用水墨畫（日本水墨畫的一種風格）進行創作，並在 Filmred 文化節上獲得認可，獲得榮譽獎和藝術大獎。 Kinonick 專精於動畫肖像畫，但也創作一些非常奇特的作品：寵物變身動漫人物肖像畫。你的貓咪是魔法少女嗎？好的，謝謝。 Karaage Manbou Ao Mochizuki Kinonick   Ao Mochizuki  為虛擬主播和YouTuber創作了無數客製化肖像。她對數位文化與傳統藝術的交融有著深刻的理解。 Imomoimoko  為漫畫肖像畫注入了新的活力。但她當代的創作手法並非摒棄傳統，而是對其進行了演繹。   為人類創造力而戰 總的來說，我非常喜歡這個項目，這不僅僅是因為我對日本貓咪藝術略感痴迷。這不僅關乎某一幅特定的版畫，而是為了守護珍貴的事物。每當有人選擇手繪肖像而非人工智慧生成的圖像時，他們就會投票支持人類的創造力、文化的真實性以及真才實學的價值。 正如 Erika 所說：“這個系列將兩個世界連接起來。它讓日本藝術家在全球範圍內得到關注和欣賞，同時也讓觀眾能夠無縫地擁有一件鮮活的日本文化作品。” 日本藝術家值得全球認可。創意工作者應該有機會欣賞原創作品。藝術愛好者也應該欣賞到由人手、用心創作的作品。所以，真的，還有什麼理由不喜歡呢？   內容來源: https://www.creativeboom.com/   內如來源:

  布魯克林落成一座新的標誌性建築： PEBL Grand ，一座由匈牙利工作室 Hello Wood 設計的未來主義模組化小屋。這些雕塑般的「艙體」矗立在俯瞰曼哈頓的屋頂上，代表著小型永續建築的新篇章——融合了現代設計、尖端科技和五星級的舒適體驗。 Hello Wood 最初以舉辦創意建築營而聞名，在那裡，實驗性的想法常常轉化為大型公共裝置。隨著時間的推移，工作室發展成為一家提供全方位服務的設計與建造公司，打造融合藝術與建築的獨特小屋和豪華露營解決方案。他們的第一個重大成功是 PEBL One ，一個緊湊型工作站小屋。在此基礎上，PEBL Grand 擴展了這個概念，推出了更大、更豪華的模組，適用於城市屋頂和自然環境。 與傳統小屋不同，PEBL Grand 看起來更像太空艙或天然形成的巨石，因此得名。其低多邊形、受卵石啟發的幾何形狀打破了盒狀模組化設計，使其無論在樹木繁茂的森林中還是在城市高層建築的頂部都同樣舒適。 Hello Wood 已申請專利的專有建築系統採用數控加工的 CLT（交叉層壓木材）外殼，並覆以隔熱防水材料，確保耐用性，同時減少浪費並縮短組裝時間。外部飾面——從木材、石材到鋁板或鏡面面板——使每個小屋都能融入周圍環境，或脫穎而出，成為設計亮點。   PEBL Grand 最大的優勢之一在於其建造速度快且可持續。每個單元均在歐洲完全預製，並根據目的地以交鑰匙形式或標準海運貨櫃平板包裝形式運輸。交貨後，小屋只需一天即可使用地腳螺栓基礎系統安裝完畢，無需混凝土，並顯著減少對環境的影響。場地準備通常只需幾個小時，這使得整個過程快速、可預測，非常適合延誤成本高的專案。這種高效能不僅加快了交付速度，還確保每個小屋都保持 Hello Wood 標誌性的工藝水平。 儘管PEBL Grand佔地面積緊湊，卻能提供精品飯店套房般的舒適體驗。每個單元均可配備一張加大雙人床、小廚房、用餐區、浴室，甚至還有全景桑拿房。寬大的玻璃窗將視野一覽無餘，模組化的附加組件則可將多個PEBL小屋連接起來，並擴大居住空間。小屋可平裝裝入貨櫃，並在一天內安裝完畢，現場準備工作極少，因此非常適合打造豪華露營度假村、創意工作室、專屬活動空間或私人休憩場所。 今年五月，五套 PEBL Grand 裝置被安裝在布魯克林一家娛樂場所的屋頂上，為表演者提供了一個時尚的後台休憩之所，同時還能欣賞到曼哈頓天際線的絕美景色。該項目展示了可移動、可持續且設計前衛的微型建築如何在不造成大規模施工或乾擾的情況下適應密集的城市環境。 「PEBL Grand 是多年專注開發的成果，Hello Wood 從布達佩斯一路走到了紐約，」PEBL Grand 的首席建築師之一 Tamás Fülöp 說道。   要了解有關 Hello Wood 的 PEBL Grand 的更多信息，請訪問 hellowood.eu 。 攝影： György Palkó 。   內容來源: https://design-milk.com/

這次發表標誌著 Yinka 首次涉足鐘錶領域，也開啟了 M.A.D.Editions 的新篇章——MB&F 更親民的品牌，以將富有想像力的設計與高性能瑞士工藝融合而聞名。 MB&F 創辦人兼創意總監 Maximilian Büsser 認為這次合作是天作之合。他表示：「Yinka Ilori 的世界充滿色彩；他的作品讓人感到活力四射，就像一股腎上腺素推動你前進。 「這次合作創造了能帶來喜悅的作品，也是提醒人們實現自己夢想的存在。」 Yinka 以將日常生活轉化為充滿樂趣的時刻而聞名。無論是設計遊樂場、點亮橋樑，或重新想像 McLaren 超跑，他的作品都充滿色彩、故事性與樂觀精神。源自英國—奈及利亞的背景，他透過設計探索社群、希望與歸屬感等主題。 在其創作核心中，他對樹木充滿迷戀，這個反覆出現的意象象徵耐心與成長。Yinka 說：「我一直對樹木著迷。栽種與養育它們，因為你需要投入時間。這是一種對所關心事物灌注愛意的過程，也是一種開始對話的方式。」 他補充道：「這個過程也是如此，與 Max 背後的思維方式相同。你必須耐心去培育一只手錶。我們的世界之間有相似之處。通常我的作品非常公開，但手錶既私密又公開。每個人都能看到它，但與它建立聯繫的是你自己。」 這次合作始於 2023 年夏天的意外，當時 Max 在度假時在一本雜誌上看到 Yinka 的作品。不到一週，這位藝術家便抵達日內瓦，探索 M.A.D.Editions 的世界。原本只是隨意的交談，迅速發展成一場全面合作，讚頌想像力與冒險精神的力量。 M.A.D.Editions 本身也有著類似的奇妙歷程。該品牌於 2021 年推出，作為對 MB&F 社群的致謝，迅速成為一種狂熱現象，模型透過抽籤販售，吸引了數萬名收藏愛好者。透過將 MB&F 大膽的設計理念與更親民的價格結合，品牌為實驗性但可佩戴的手錶開創了一片天地。 Yinka 的系列進一步推動這種實驗精神，以三款作品呈現，而非單一款式，每一款都源自他的座右銘「Grow Your Dreams（成長你的夢想）」。Sun、Nature 與 Water 各自擁有獨特的色彩與象徵意義。 雖然這些手錶都採用 M.A.D.1S 結構與瑞士製 LaJoux-Perret 機芯，但細節使它們各具特色。一個樹形鈦金屬轉子在 Super-LumiNova 光效下旋轉，而填充 HyCeram 的錶圈則增添大膽色彩。 錶帶延續主題，採用不對稱的色彩組合，例如 Sun 為黃綠、Nature 為紫紅、Water 為分層藍色。每件作品都附有第二條白色錶帶，提供更簡約的選擇。 旋轉圓柱上的數字由 Yinka 自行設計，而他的一句指導語「Grow Your Dreams」則刻在轉子上。 這個系列最終將 Yinka 充滿喜悅的設計語言帶入新的媒介，同時忠於 M.A.D. Editions 「玩味且前衛」的製錶理念。對 Yinka 而言，這些手錶提醒人們以耐心與細心培育抱負；對收藏者而言，則是難得一見、可以實際佩戴的樂觀象徵。   內容來源: https://www.creativeboom.com/