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玻璃磚牆面為位於比利時的一處夾層住宅引入自然光。該住宅名為「Glass Brick House」，由當地建築事務所Delmulle Delmulle Architecten設計，位於根特一條有連棟建築的街道上，三面被鄰近建築包圍。 這棟98平方米、三層樓高的住宅，以其玻璃立面而得名，坐落在狹小且被包圍的地塊中。   玻璃磚立面引光入室 Glass Brick House的設計旨在引入自然光。由於場地特性，住宅只能在正立面設置窗戶，於是建築師在上兩層樓的立面採用了雙層玻璃磚與全高落地玻璃設計。 事務所創辦人Seger Delmulle表示：「這個地塊非常具有挑戰性——極小且被四面包圍。主要的挑戰是如何最大化利用有限的空間與自然光。」 Glass Brick House 的設計宗旨是引入自然光。 「倒置」空間配置 Glass Brick House採用所謂的「倒置」格局設計：臥室位於下層，客廳、廚房和餐廳則在頂層，並由金屬螺旋樓梯串聯。 住宅立面反映了這種配置，底層以紅陶磚覆蓋，形成穩固基座，上層則採用半透明的玻璃磚。 這棟房屋採用顛倒式格局，起居空間位於頂樓。 細節設計呼應鄰近建築 紅陶磚與玻璃磚的鋪設紋理靈感來自該區域傳統住宅的圖案，門窗被步階式混凝土框架包圍。 Delmulle說：「這個案子充滿了互相讓步的過程：既要突顯建築特色，同時又要努力融入周遭環境。」 他補充：「這個大膽的玻璃磚立面意外地和諧，並且語言上呼應典型的連棟住宅。」 此外，磚牆紋理及窗框裝飾呼應街道上1707年建造的階梯山牆建築。 磚牆的圖案呼應鄰近建築。 雙層玻璃磚立面帶來隔熱與通風 為提升住宅隔熱性能，玻璃磚立面採雙層設計，內層設有全高落地窗與滑動門，可通往兩層玻璃磚間的狹長夾層空間，該空間鋪設金屬格柵樓板。 室內簡約，採用交叉層壓木結構 住宅結構採用交叉層壓木（CLT），內部結構裸露並塗白，營造簡潔純粹的內裝氛圍。 室內地板延續底層立面的紅陶磚材質，配件設計簡約，不搶眼。 Delmulle解釋：「室內散發著簡約與克制之美，使用誠實且永續的材料：裸露的白染實木牆與自然紅陶地板。」 屋頂露臺空間 Glass Brick House頂層設有屋頂露臺，部分被鄰近較高建築遮蔽，並以細金屬欄杆圍繞。 這棟住宅還設有一個屋頂露台。   相關類似建築案例 在比利時，還有其他建築專案也面對類似受限的地塊挑戰，例如Hé!事務所設計的布魯塞爾排屋玻璃木延伸案，及Jan Lefevere改造的牙科診所住宅，皆以充沛自然光作為設計重點。 攝影：Johnny Umans   內容來源: https://design-milk.com/

（圖片來源：Texintel）   人工智慧的崛起，是人類創造力的喪鐘，還是新一波科技驅動的手工藝復興開端？當像 OpenAI 的 GPT 系列這樣的平台不僅能理解、甚至能模擬人類情感，設計世界正站在關鍵轉折點上。對紡織產業而言，問題不在於 AI 是否會改變產業，而是我們如何引導這場變革，讓它成為助力而非取代人本設計的力量。 人們對 AI 的恐懼是具體而真實的——擔心工作被取代、風格被同質化，甚至擔心演算法會削弱定義設計專業的核心價值。但這並非新現象。這種焦慮與工業革命時代的魯德派反抗如出一轍，當時的工匠也曾害怕機械取代手藝。歷史證明，科技沒有消滅工藝，而是重新定義了它。藝術與工藝運動（Arts and Crafts Movement）、包浩斯（Bauhaus）與維也納工坊（Wiener Werkstätte）皆是在機械化浪潮下，重新確立人手價值的象徵。 如今，我們再次站在類似的十字路口。未來的方向不是拒絕 AI，而是駕馭它。我們必須成為「科技工匠」（techno-craftisans）——以 AI 為協作夥伴，而非取代者，讓我們能專注於真正重要的部分：直覺、不完美，以及作品的靈魂。 為了探索這個新時代，Heimtextil 展會委託趨勢機構 Alcova 進行了關於 AI 與紡織設計交會的研究。研究結果提出對 2026/27 年的前瞻視野，揭示如何擁抱科技同時守護人性，為設計邁入新世代提供方向。   重拾信心，擁抱新時代：研究重點 Alcova 的研究核心訊息是「謹慎的樂觀」。AI 是一種工具，而它的影響全取決於使用者。重點不是讓 AI 成為創作者，而是利用它的運算能力來擴充我們自身的創意。 研究團隊嘗試讓 AI 自行策展流行趨勢，結果顯示其限制：AI 雖能生成美觀的影像，卻缺乏人味、文化脈絡與「靈魂」。它能創造完美的形式，卻無法重現故事、傳承與人手痕跡中的情感。 這揭示了設計價值的轉變——焦點將從「無瑕的執行力」（AI 輕易能達成）轉向「敘事、過程與人性痕跡」。   六大趨勢：科技工藝的未來樣貌 Alcova 的研究指出六項將定義 2026 年以後紡織產業的關鍵趨勢，這些主題也將於法蘭克福 Heimtextil 展會上以實體形式呈現。 1. Remedia（媒介再製） 探索數位與實體媒介的動態交錯——例如數位設計經印刷後再被掃描，形成美麗的「錯位」與深度。它讚頌數位與實體碰撞時產生的不完美。 2. Visible Co-Work（可見協作） 人與機器的合作成為設計主題。作品可能結合 AI 協助的 3D 列印結構與手工細節修飾，如藝術家 Natalia Triantafylli 將黏土與 3D 列印 PLA 結合，展現機械精準與人手溫度的對比。 3. Sensing Nature（感知自然） 不只是模仿自然，而是讓科技詮釋自然。AI 分析自然的形態——地衣生長、水波律動——轉化為富有生命感的紡織圖案，將自然的節奏與創新融合。 4. A Playful Touch（遊戲感設計） 在自然與合成之間尋找玩心。強調幽默、異想與鮮豔色彩的創作，以打破嚴肅設計的界限。這股趨勢重新喚醒人類與生俱來的創造衝動與快樂感。 5. Crafted Irregularity（手工的不完美） 這是一種對手工痕跡的禮讚。在數位完美的時代，手工織物中獨特的染色、結粒與微小不對稱，成為真實與奢華的象徵。如 Aliki Van der Kruijs 的「Made by Rain」系列，以雨水直接參與創作，將自然的不確定性化為藝術。 6. The Uncanny Valley（熟悉的陌生） 這股趨勢遊走於熟悉與異化之間。AI 生成的裝飾形式看似可辨卻又微妙地「不對勁」，創造出介於人造與手作之間的張力與美感，激發感知與思考。   色彩趨勢：數位與自然的對話 未來的色彩語言反映數位與真實的張力。自然的土色與沉穩基調作為基礎，搭配明亮、帶有「故障感」的數位色調，創造出自然與人工彼此強化的動態對比。   以人為本的未來：科技工匠的行動指南 要迎接這個未來，我們需要策略性的適應與對創意價值的堅守。 一、成為科技工匠（Techno-Craftisan） 積極運用 AI 作為構想、圖樣生成與流程優化的工具。像在威尼斯雙年展中，AI 可快速生成數百種設計概念，但最後的篩選與情感詮釋仍需由人完成。AI 負責「勞力」，人類專注於「靈感」。 二、擁抱不完美之美 AI 越能產出完美，人手的不完美就越具價值。應強調工藝痕跡與材料故事，這是人類創作者無可取代的優勢。 三、為創作者價值發聲 AI 的興起也需要健全的規範與版權保護。若缺乏明確的授權機制，創作者的設計恐被任意取用訓練模型。保護知識產權不只是法律議題，更是維繫整個創意產業經濟命脈的關鍵。   未來的設計，不是人與機器的對抗，而是一場對話。當我們將 AI 視為合作夥伴，並持續讚頌人類創造的獨特性與靈魂，同時要求應有的保障，我們就能確保下一個設計時代，不是被取代，而是邁向前所未有的創新與真實。 機器可以生成圖像，唯有人能創造意義。   內容來源: https://whattheythink.com/

植物家長探險套件: 最初需求： Ugaoo 想要設計一個植物新手套件，包含植物、兩瓶肥料噴霧和一個噴霧瓶。最初的設計要求很簡單—— 創造一個有趣、有吸引力的包裝 (create a fun, attractive packaging)。 設計師的質疑與轉變： 設計師質疑：「 為什麼會有人真的買這個？？？ 」(Why would someone actually buy this???)。這個問題促使設計師從使用者體驗的角度重新思考產品，特別是針對覺得植物照護很困惑或有壓力的新手。 最終目標： 簡單的植物包裝設計任務轉變成一個 互動、養成習慣的體驗 (interactive, habit-forming experience)。目標是創造一個 不僅美觀，還能讓人們與他們的植物和照護過程產生連結 的產品。     Ugaoo 植物養成套組：將植物照護化為 30 天互動冒險 Ugaoo 的 Plant Parenting Kit 重新定義了成為植物飼主的意義。原本只是為初學者設計一款包含植物、兩種肥料和噴水瓶的包裝，最終演變成一場遊戲化的互動體驗，幫助使用者學習、照顧並與植物一同成長。 為了讓植物照護更有趣、具教育性且能培養習慣，這套組變成了一款 30 天冒險桌遊，引導使用者依步驟進行澆水、噴霧、修剪、施肥與慶祝成長里程碑。 此設計的亮點是雙重功能包裝——外盒套可變身為遊戲板，減少浪費，同時增添探索與互動性。每天都有新的行動卡、里程碑或獎勵，讓學習植物照護的過程既有趣又容易達成。 一個友善的植物角色會全程陪伴使用者——為他們加油、慶祝成長並鼓勵分享成果。完成 30 天任務後，玩家可掃描最後一張里程碑卡上的 QR Code，獲得數位證書與專屬折扣，作為對他們持續照護精神的獎勵。 這項專案融合策略、故事性與永續設計思維，創造的不只是包裝，而是一段能與使用者共同成長的體驗。 重點特色： 遊戲化 30 天旅程：以桌遊概念引導植物照護 互動包裝設計：外盒可重複使用為遊戲板 教育導向體驗：每日行動與里程碑追蹤 角色設計：可愛植物夥伴引導過程 永續設計理念：減少浪費、提升互動價值 獎勵機制：完成後可掃描 QR Code 取得證書與折扣 團隊名單： 概念與設計：Pranjali Marathe 插畫與視覺設計：Pranjali Marathe、Mustaque Raja、Sushma Metkar 客戶：Ugaoo 類別：包裝設計／體驗設計 設計師如何解決「如何讓植物照護對新手來說很令人興奮？」這個問題。 圖中列出了新手在照護植物時常遇到的問題: 不知道要做什麼或何時做、害怕犯錯、將照護植物視為苦差事、植物養死、不知所措、缺乏動力和持續性。 設計需求： 單純的套件和說明書無法解決問題。這個產品需要是 具教育性 (educational)、互動性 (interactive) 和有回報性 (rewarding) 的，讓照護變成好奇心。 核心想法： 將日常的植物照護任務轉變成一個 快樂、一口一口的冒險 最終目標： 經過 30 天，新手不僅擁有了一株茂盛的植物，他們也 成為了充滿信心的植物家長   內容來源: https://packagingoftheworld.com/  

對於視覺創意工作者來說，可見性至關重要。你透過設計、圖像、敘事和脈絡來塑造人們的感知。但是，當你希望代表的人群被刻意從視野中抹去時，又會發生什麼事呢？ 由瑪麗娜·威勒和她的 五角 設計團隊構思的“UNSEEN”項目，直接回答了這個問題。該計畫運用強而有力的視覺語言，將全球的目光聚焦於北韓女性的苦難，並呼籲大眾正視那些被刻意掩蓋的真相。 為什麼是女性？誠然，在北韓這個封閉而壓抑的社會裡，系統性的暴力、貧窮和強迫勞動對男性和女性都造成了影響。然而，這些問題對女性的影響尤其顯著。 更糟的是，許多成功逃離韓國的女性一旦越過邊境進入中國，便會面臨人口販賣、奴役和性虐待的困境。然而，在韓國以外，她們的遭遇鮮少被媒體報道。這項運動旨在改變這種現狀。   五角大廈做了什麼 瑪麗娜的團隊為這項活動構思了名稱、宣傳語和整體設計，該活動於今年秋季在紐約各地展開。其核心是一系列肖像作品，每位女性的臉上都覆蓋著一個半透明的紅點。 這個點代表暴力和抹殺，但也代表韌性和反抗。它部分遮蔽，卻又隱約露出其下的面容。從這個意義上講，它不僅是一種視覺符號，更是一個深思熟慮的象徵，一種調和風險、存在和可見性的方式。 這些先前從未公開過的肖像作品已出現在時代廣場的廣告看板和曼哈頓的68個報攤上，最終在百老匯的Lume Studios舉辦了展覽。該活動得到了國際特赦組織、國際人權聯盟（FIDH）、韓聲（HanVoice）、朝鮮制止反人類罪行國際聯盟（ICNK）、朝鮮民主與人權網絡（NKnet）以及基督教團結會（CSW）的支持。   為什麼有效 這項倡議源於殘酷的現實。逃往韓國的北韓人中，女性佔超過80%。這段旅程非法且危險，逃亡者往往面臨被遣返、強迫勞動或剝削的困境。然而，令人欽佩的是，《看不見的真相》（UNSEEN）並沒有落入譁眾取寵的窠臼。相反，它堅持將這些女性視為擁有自主性和韌性的個體，而不僅僅是冷冰冰的統計數字或悲慘的背景。這堪稱深思熟慮的呈現方式的典範，也展現了創造力如何承載責任。   像這樣的計畫提出了關於倫理敘事的重大問題。如何在不利用脆弱性的情況下展現它？如何在維護尊嚴的同時傳達危險？ 《未見》透過賦予主體存在感，同時又控制了曝光，巧妙地避開了這些雷區。從這個角度來看，紅點既是面具又是宣言；它是一種視覺隱喻，既能隱藏又能吸引眼球。   給創意人士的啟示 那麼，創意人員能從這次活動中汲取哪些更廣泛的經驗教訓呢？我認為，最重要的是要明白，你的作品永遠不可能保持中立。從色彩和構圖到媒材和位置，每一個選擇都蘊含著意義、責任和潛在的影響。 《未見》（UNSEEN）的成功之處在於攝影、設計、展覽和公共空間的協同運作。紅點本身很簡單，但圍繞它構建的系統（訊息傳遞、識別、策展和佈局）賦予了它強大的力量。它有力地提醒我們，跨領域思考能夠將作品的影響力提升到遠超單一媒介所能達到的高度。   我認為這也凸顯了觀眾更願意接受挑戰而非尋求安慰。這個項目刻意營造了一種緊張感：它要求觀眾停下來，反思，並面對一些棘手的問題。有時，這種方式可能會讓人感到冒險。但最終，這正是那種能夠引發思考、激發行動和討論的作品。 總而言之，《看不見的》之所以成功，在於它將缺席轉化為存在。那個紅點並非障礙，而是一種要求。看看那些被隱藏的東西。看看那些被隱藏的 人 。 它提醒我們，優秀的創意作品不僅賞心悅目；它能讓人駐足凝視，改變視角，迫使世人回望，即便揭示的內容令人不安。 《未見》正是如何做到這一點的典範之作。   內容來源: https://www.creativeboom.com/

哥德風已從亞文化空間走入主流設計實踐。它為何能重生？從專輯封面、電影片名到產品品牌、書籍插畫等領域，設計師正在運用黑暗元素，表達文化無法直接言說的內容。 就在萬聖節前，Bratz 在 Instagram 上發布了一組圖片，將其娃娃打造成恐怖電影角色——復仇喜劇《死亡使我美麗》（Death Becomes Her）、小鎮青少年殺人片系列《尖叫》（Scream）、吸血鬼搖滾明星改編小說《女王詛咒》（Queen of the Damned）。這一切毫無爭議。厚底靴、嘟嘴妝容融入恐怖美學，成為品牌延伸視覺宇宙的一部分。 《007：新娘》（2026）海報 © 華納兄弟影業   然而，哥德風的當下熱潮遠不止季節性行銷。Guillermo del Toro 的《弗蘭肯斯坦》與 Maggie Gyllenhaal 主演的《新娘！》即將在 Netflix 和院線上映。Simone Rocha 將 2025 春季時裝秀安排在倫敦歷史悠久的中央刑事法院內，讓龐克-哥德-女祭司芭蕾舞者走上通常用於審判的跑道。華納兄弟將在全球廣告牌上投影哥德字體，為 Emerald Fennell 即將上映的《咆哮山莊》翻拍造勢。《The Cure》——經典哥德樂隊——邀請 Four Tet 將《Songs of a Lost World》改編為夜店舞曲。大品牌如 Wendy’s 與 Booking.com 則以 Morticia Addams 為主角進行品牌世界建構，並用維多利亞風格大宅增強點餐體驗的趣味性。MoMA 展出《德州電鋸殺人狂》50 週年限量海報。 這不只是懷舊或「商場哥德」（mall goth）Pinterest 看板。哥德風一直縈繞於我們周遭——文學、音樂、亞文化、藝術社群中。不同的是文化急迫感。根據 2021 年 Pew Research Center 研究，人們「對科技依賴更深，但信任更低」，疲於「切穿資訊噪音」，將科技視為負面力量。哥德風之所以重生，是因為它將數位生活產生但無法可視化的焦慮具象化。 《007：新娘》（2026）海報 © 華納兄弟影業   哥德風的變形歷史 哥德風歷來都是流動的，但不變的是：在恐懼中尋找美感。18 世紀哥德風象徵 Walpole 的殘破城堡與 Shelley 對死亡的反抗。維多利亞時代加入喪服與 memento mori（死亡提醒）攝影。1980 年代，哥德風變得潮濕——Joy Division 在曼徹斯特夜店演出，Siouxsie Sioux 的暈染眼妝，以及 Derek Ridgers 在龐克與電子音樂場景中拍攝哥德少年。 2010 年代，Tumblr、Pinterest 與 Instagram 讓視覺參考可以無限重組，哥德風成為文化拼貼——在身份表達之外進行創作。就像廢物日記（junk journaling），將老票根、雜誌剪貼重新組合，哥德風不再拘泥亞文化規則，而是關於拼裝與重組。 最近，哥德風從「你是誰」轉向「你能創造什麼」。你不必成為哥德，也不必習巫術，仍能使用哥德視覺語言。 當 Jenna Ortega 為 Netflix《星期三》第二季新聞發布會漂白眉毛，穿著 Ann Demeulemeester 與 Simone Rocha 服裝亮相時，她並不是要成為哥德，她只是在玩味哥德美學。沒人期待她熟知整個 Bauhaus 音樂目錄，也不會因穿著受到家庭指責。這種區分顯示哥德已從亞文化身份轉變為視覺詞彙。 你可以像點咖啡一樣，擁有短暫的哥德時期，下一個月就換風格。音樂？非必須。生活方式？可選。承諾？不存在。   品牌中的黑暗 哥德風不斷出現在意想不到的商業場合。Wendy’s 2024 年萬聖節活動將加州一家分店改名為「Wednesday’s」，標語「不幸等著你」，配以維多利亞風格的點餐窗與神秘醬料（Grave Mistake 與 Nowhere to Woe）。這是季節性哥德：十月可以選擇的黑暗，十一月就消失。 Booking.com 2025 年活動更進一步。Catherine Zeta-Jones 重演 Morticia Addams，由 Tim Burton 原攝影師操刀拍攝，搭配捕蠅草與金黑色精裝書《如何埋葬你的家人》，成為完美的沙灘讀物。故事將哥德品味定位為終極客服挑戰——如果 Booking.com 能讓 Morticia 滿意，就能滿足任何顧客。 收藏品牌 Mutant（2024 年成立）則展現哥德檔案如何透過藝術再創保持生命力。它委託全球藝術家製作經典恐怖與哥德電影的限量絲網印刷，吸引新一代流行文化愛好者。 《德州電鋸殺人狂》50 週年紀念海報由 Sonny & Biddy 使用迷幻拼貼手法，將半色調圖案與鮮豔色塊覆蓋於骷髏與牛隻圖像上，將 1974 年經典恐怖片轉化為當代藝術品，並展示於 MoMA。這些海報成為文化入口：即便二十多歲的觀眾未曾觀賞原版電影，也能透過 Sonny & Biddy 的視覺語言了解 1970 年代恐怖片。Murugiah 的《閃靈》海報則用十色絲網印刷與局部 UV 光澤處理，將 Jack 打字機流出的血呈現為具觸感的暴力感。 Jellyfish、Gravity Road 和 Biscuit Productions：Booking.com 推廣活動（版權所有 © Booking.com） “哥德式風格之所以復興，是因為它能將數字生活產生卻無法形象化的焦慮具象化。”納塔尼亞·吉爾森   巴黎插畫家 尼科·德洛特 (Nico Delort) 的作品 《一個女孩獨自夜歸》 海報 是 Mutant 的首發作品（限量 215 張，現已售罄），他展現了一種不同的哥德式風格：透過暗示來表達克制。 「我從未在電影海報上使用過露骨的暴力畫面，即使是像 《大白鯊》 這樣的電影也沒有，」他們解釋。 “我更多地運用了暗示和伏筆。” 尼可在克萊博德畫板上作畫——這是一種白色的畫板，他們先在上面塗上墨水，然後用刀刮出線條。這個過程是減法式的：去除墨水，露出下面的光線。他們逐個區域地進行創作，透過線條的變化來建構對比——前景中使用較粗、間距較大的線條來突出焦點；背景中使用較細、密集的線條來暗示空氣的流動感。 「這是一種非常有效的錯覺，」他們說。這種技法賦予了他們的作品一種獨特的、耐心累積的特質。黑暗不是畫上去的，而是被雕刻出來的。 對 《飢餓遊戲：插畫版》而言 ，這種克制具有政治意義。 「你必須記住，這些是在競技場上被殺害的孩子，所以我們當然要避免直接展現暴力，」尼科解釋道。 「對於那個特定的場景，我更注重情感的表達，以及這是故事中點燃革命火花的時刻之一，這場革命將在第二部和第三部中爆發。” 尼可的檔案庫融合了文學插圖（ 古斯塔夫·多雷的 《國王牧歌》中的 森林場景 ）、大蕭條時期的紀實攝影（ 多蘿西婭·蘭格 拍攝的 阿巴拉契亞礦業小鎮 ）以及電影語言。在製作 《飢餓遊戲》 時，他們從這些素材中汲取靈感，揭示了反烏托邦設定下隱藏的哥德式情調：「對第十二區的描寫、斯諾的陰森存在、都城所掌控的科技威脅。」哥德式的元素——壓抑的建築、監視、階級恐怖——出現在那些通常不被認為是哥德式的作品中。 安娜·莉莉·阿米爾普爾2014年的電影展現了吸血鬼女孩，而尼科則著重描繪了我們看不到的東西——油井架作為一種敵對的存在，荒涼的工業景觀襯托著孤寂的身影。 「角色所處的環境充滿敵意和不祥之兆，這是哥德藝術和文學中常見的元素……這就是我選擇如此突出油井架的原因，」他們解釋道。運用刮擦技法，油井架透過耐心細緻的筆觸，逐漸形成鮮明的輪廓——這種方法也體現了他們更廣泛的創作理念：“當我創作電影海報時，我盡量不直接描繪電影中的場景，而是努力想像那些我們看不到的瞬間，那些鏡頭切換之間的內容。” Nico Delort：《飢餓遊戲》插畫版，作者：Suzanne Collins，圖解：Nico Delort © Scholastic Inc. 尼可‧德洛特：《一個女孩獨自夜歸》（版權所有 © 尼可‧德洛特）   利用黑暗作為方法 但對一些從業者來說，黑暗的運作方式有所不同——它不是季節性的營銷或懷舊的致敬，而是將禁忌主題變為可見的方法。 北美三家工作室展示了這種做法：紐約的片頭設計師 Teddy Blanks（Chips 工作室）使用壓縮的哥德式字體和內衣蕾絲，以電影般的規模明確地表達了性慾；洛杉磯的 Thunderwing Studio 拒絕美化巫術歷史，刻意避免使用解釋性文字；蒙特利爾的 As We Proceed 使用哥特式圖像將月經血從禁忌式圖像將血從禁忌轉變為一種力量的月經。 每件作品都從不同的歷史典故中汲取靈感——20世紀20年代的電影海報、中世紀的手稿、90年代的朋克雜誌——但遵循著相似的邏輯：將歷史素材層層疊加，創造出並置的效果，而非忠實地再現；運用黑暗並非為了掩蓋，而是為了照亮那些文化不願直視的事物。他們將素材視為正面的混音，而非博物館式的保存。其目標並非建構永恆的哥德式身份，而是探索不完美之處的實驗——將黑暗作為一種形式策略，使那些令人不安的真相更容易被直面。 “在黑暗時期，反映這種黑暗的藝術作品可以給人帶來深深的慰藉。”泰迪·布蘭克斯   將慾望公諸於世： 《呼嘯山莊》 Chips公司 的Teddy Blanks在為Emerald Fennell的 《呼嘯山莊》 設計標誌時，首先進行了大量的研究。他的資料來源包括他能找到的所有版本的勃朗特小說、舊字體樣本、電影的製作設計以及Fennell的劇本。他的靈感原本來自一張20世紀20年代早期改編電影（「一部遺失的電影」）的海報。原版字體採用了裝飾繁複的小寫字母“g”，筆畫末端華麗，字母粗細變化隨機，間距也頗具戲劇效果——完全是默片時代的誇張風格。 泰迪將字母壓縮到襯線幾乎相接——緊到需要你湊近才能看清，但又不至於壓縮到難以辨認。 「這種微妙的改變賦予了它一種復古、俗氣的言情小說的感覺，這與芬內爾的詮釋非常契合。」接下來，他採取了將慾望直白表達出來的舉措：在壓縮的哥特式大寫字母上添加蕾絲紋理。當布蘭克斯把這款字體展示給他的妻子、作家莫莉楊時，她建議加入蕾絲元素來強化這種性感氛圍。 「我不想處理素材授權的問題，就問她能不能藉我一些內衣。最後我掃描了她的一件胸罩，蕾絲紋理就是從那裡來的。” 蕾絲營造出一種親密感，既能包裹、遮掩，又能揭示。泰迪本可以走哥德路線——用《 魔女嘉莉》式的 血腥標題，以及金屬樂團的粗獷標誌——但蕾絲打破了這種預期。精緻的紋理暗示著勃朗特筆下那種昇華為強烈情感的痴迷慾望。泰迪的字體設計將這種私密的渴望公諸於世—— 在各大城市以巨幅廣告看板的形式 呈現，配上「讓我瘋狂」和「徹底崩潰」等標語。 「讓懷舊的事物煥發新生，關鍵在於創造令人意想不到的並置，」泰迪補充道。 最終的字體設計融合了三個截然不同的時代元素：20世紀20年代的無聲電影海報（字母結構）、70年代的通俗言情小說（美學感受）以及2020年代的貼身衣物（紋理疊加）。每個時代都貢獻了獨特的視覺特質，卻又互不相干。最終呈現的效果之所以具有當代性，恰恰是因為它拒絕拘泥於任何單一時代——因為它將渴望清晰地展現出來，而非將其隱藏在彬彬有禮的字體背後。 泰迪很清楚代溝。 「我40歲了，也足夠清醒地認識到，我對年輕人流行什麼的看法可能已經過時了，」他反思道。 “試圖追逐潮流幾乎肯定會適得其反。” Chips: Wuthering Heights (2026) titles (Copyright © Warner Bros. Discovery)   拒絕軟化：Florence + the Machine 總部位於洛杉磯的 Thunderwing樂團 由Nic和JB Taylor共同創立，他們拒絕解釋自身，以此來吸引目光。但他們與哥德文化的連結遠不止於職業興趣。 JB曾是上世紀90年代洛杉磯哥德文化圈的青少年——她經常出入Helter Skelter等傳奇俱樂部，在好萊塢永恆公墓閒逛，研究哥德文學和藝術的歷史。 “我們探索的不僅僅是一種美學風格，而是深深植根於我血液中的東西，”她解釋道，“我仍然認為自己是哥特。我們努力去體會生命短暫的美好。” 這種生活經驗塑造了工作室的創作理念。 “當遇到像 《神秘圖書館》 、 《人人尖叫》 、 《諾斯費拉 圖》或尼克·凱夫的 《野神 》這樣深刻而引人深思的項目時，我們會在對存在的思考中找到滿足感。” 在Florence + the Machine的專輯《 Everybody Scream》 中，Thunderwing唱片公司完全拋棄了封面上的文字——這在以品牌曝光為主導的主流唱片公司中實屬罕見。封面僅展示了Autumn de Wilde拍攝的一張魚眼鏡頭照片：Florence坐在鍛鐵椅上，身體蜷縮著，身穿層層疊疊的米色布料，與黑色的服裝形成鮮明對比。魚眼鏡頭的扭曲效果使她身後的木質鑲板呈現出弧形，同時將她的身形壓縮在畫面中央，營造出一種幽閉的親密感。她沉思的姿態——頭部微微傾斜，一隻手搭在彎曲的鐵架上——暗示著脆弱。彎曲的視角使空間彷彿向內崩塌。 「當我們看到照片，而Florence和Autumn選定了封面圖之後，我們都覺得完全沒有文字效果才是最佳選擇，」Nic和JB解釋道。 「這張照片本身就極具標誌性。我們對自己的作品並不自負。我們秉持開放的態度，讓最合適的作品自然呈現，而這張照片正是如此。」Autumn的書法作品（由Thunderwing數位化處理）也被用於曲目列表公佈的 部分視覺效果中。 Thunderwing：Florence + the Machine，Everybody Scream（版權所有 © Florence + the Machine）   工作室還設計了一個用於零售識別的圓形標誌——一個帶有神秘色彩的幾何印章，可作為可移除貼紙。它刻意模糊：與其說是標誌，不如說更像是中世紀文獻中的神秘符號。 Thunderwing的哥德式手法遠比表面所見更深刻。在與Autumn de Wilde合作製作《 Everybody Scream》 專輯時，工作室為黑膠唱片的不同版本設計了專屬名稱——例如Bloodwood（鮮豔的半透明紅色）、Dead Bluebell、Dead Ballet Slipper；圖案唱片則命名為The Witch's Window。就連功能性的產品識別也被重新構想成咒語。 此次合作命名體現了數月的共同研究成果。在過去的二十年裡，Thunderwing 創造了其所謂的「印刷術聖殿」——一個收藏了從 12 世紀手稿到 20 世紀 70 年代通俗小說等珍稀印刷品的實體圖書館。 尼克和JB為藝術書籍出版社Taschen設計了 「神秘學圖書館 」系列——這項持續進行的工作不斷滋養著他們的創作實踐。 「這些書籍以及其中的所有藝術作品始終影響著我們，」他們解釋道。他們與傑西卡·亨德利和帕姆·格羅斯曼共同編輯的關於巫術的書籍中，收錄了許多啟發了《人人尖叫 》（Everybody Scream） 創作的圖像，尤其是曼努埃爾·奧拉齊的《魔法 日曆》（Calendrier Magique）  ——這是一本1896年的神秘學日曆，融合了新藝術風格的版畫。弗洛倫斯在倫敦的瓦爾堡基金會獨立發現了同樣的奧拉齊圖像。這一巧合表明，他們不僅僅是客戶和設計師——他們是共同研究者，共同利用一份歷史檔案。 雷翼：秘傳圖書館（版權所有 © Taschen）   《諾斯費拉圖》 的標誌由 Thunderwing 與 Teddy Blanks 共同設計，其靈感源自 12 世紀的教堂手稿：精緻的哥特體，筆畫尖銳、棱角分明，並帶有裝飾性的花紋，這種符合歷史的字母形式常見於中世紀的祈禱書和聖經中。 由布魯克林設計師兼藝術總監馬克·麥吉利夫雷（Mark McGillivray）設計的《雷翼》（Thunderwing）海報延續了這種歷史還原的精準性：艾倫·胡特（莉莉-羅絲·德普飾）側身而立，頭向後仰，諾斯費拉圖修長的骨指伸向她，她手中捧著紫色的花朵——年輕的白食者呈現著鮮明的白色的骨指伸向黑色的花朵——這位年輕的花朵——年輕的花朵——年輕的骨指伸向黑白。就連商業宣傳品也採用了這種處理方式：限量版商品的真品證書上印有八個神秘符號和正式的檔案文字，將電影收藏品提升為一種儀式性物品。 「羅伯特‧艾格斯對歷史小說的創作方法既古怪又嚴謹，」尼克和JB解釋。這種差異體現在字體和設計風格： 《諾斯費拉 圖》著重中世紀的精準和歷史的真實性，而 《人人尖叫》 則將維多利亞時代的浪漫情懷與當代巫術象徵主義巧妙融合。 為了打造 《Everybody Scream》這部 影片，Thunderwing 與 Florence 和 Autumn 一起花了幾個月的時間蒐集素材——老電影、珍貴照片、文化運動——直到整個創意團隊「都使用著同一種視覺語言」。這項研究超越了字體排印的範疇，構建了一個整體的美學體系：“圖形、字體、色彩故事，所有這些都源於一個敘事，而這個敘事也影響著服裝、場景、髮型、妝容和攝影風格。一切都是不可分割的。” 當代哥德式風格為情感的真誠而非神秘創造了空間——不是“我神秘莫測”，而是“這就是我真實的感受”，並用視覺語言將其表達出來，使之變得可以忍受。 《諾斯費拉圖》海報：Thunderwing + Mark McGillivray；標誌設計：Thunderwing + Teddy Blanks   血即力量：吸血鬼 總部位於蒙特婁的品牌設計工作室 As We Proceed 由創意總監 Mariane Vaillancourt 和 Emanuel Cohen 共同創立，他們為 Bri Cochran 和 Liv Williams 創立的帶導管衛生棉條品牌 Vampons 設計的包裝，讓隱形成為不可能。如今，走進北美藥妝店的經期護理用品區，Vampons 的包裝盒立刻就能吸引眼球——啞光黑，而其他品牌的包裝則充斥著粉紅色、紫色或柔和的粉紅彩色調。 霧面黑不只是深沉，它還能完全吸收光線，摒棄了亮面競爭對手常見的光澤。在其他品牌閃閃發光的藥妝店螢光燈下，Vampons 依然保持啞光質感，如天鵝絨般柔滑。這種觸感堪比高端產品：豪華汽車漆面、高端信用卡，以及那些刻意營造高貴質感的霧面。 研究過程融合了戲謔的顛覆性和身體恐怖元素：情緒板上層層疊疊地鋪滿了長著爪狀指甲的黑色手掌、扭曲的身份圖像、模擬時代的短暫物體與數位影像的碰撞。最終的包裝也沿用了這種風格——白色圓形貼紙上寫著“零殘忍/低調/經認證可吸/敢於流血”，圍繞著一個簡單的吸血鬼符號排列，宣傳圖片中盒子兩側則裝飾著黑色的手掌圖案。 「眾所周知，衛生棉條含有對身體造成嚴重傷害的化學物質（鉛、砷、汞、二噁英、PFAS 等），而且毫不掩飾地使用，但卻一直以女性性別社會建構的刻板美學進行銷售：粉紅色的花朵和明亮、快樂的色彩，」As We Proceed 的聯合創始人兼創意總監 Mariane Vaillancourt 解釋道。 接下來：Vampons 的身份（版權所有 © Vampons）   精美的包裝掩蓋了產品的實際成分，造成了美觀與安全之間的虛假聯繫。 「為了與品牌的價值觀保持一致，我們決定顛覆視覺敘事……將外觀看似有毒的盒子（但裡面裝的是對身體和地球都溫和的產品）擺上貨架，旨在引發人們對那些裝在看似無害、漂亮的盒子裡的有毒產品的反思。” 盒子背面設計得像一張頹廢風格的海報，三種字體向外輻射。頂部是粗體哥德式大寫字母“我們都是凡人”。斜體襯線大寫字母拼寫著“敢於流血”，向右傾斜。剩餘空間則以手寫體填滿：「經認證很爛」和「重金屬檢測合格」。 這三種字體之間並非競爭，而是形成一種視覺對話：頂部是簡潔的哥德式大寫字母，引人注目；下方是向右傾斜的斜體襯線字體，營造出一種對角線的動感；手寫體則以親切的旁白填補空白。白色文字在吸光黑色背景上形成鮮明對比，卻又不失光澤——每一層文字都清晰可讀，卻又層層疊加，最終形成一種刻意營造的密集感，如同海報般張揚，不容忽視。 「我們從90年代的獨立雜誌、龐克搖滾傳單和獨立唱片封套的視覺語言中汲取靈感，」負責字體設計的伊曼紐爾·科恩解釋道。 「哥德式和粗體緊縮字體有著悠久的歷史，但在現代語境中，它們往往與次文化和反建制運動聯繫在一起。我們想要捕捉到那種反叛的感覺。”   「透過這種風格來呈現『敢於流血』這樣的詞語，」伊曼紐爾解釋說，「我們將神聖而莊嚴的視覺語言運用到月經上，這是一個歷史上一直被羞恥和秘密所籠罩的生物過程。這是一種重新定義的行為，將月經視為一種強大的、近乎神聖的儀式，而不是一種詛咒。」 傳統經期護理產品將經血視為難以啟齒的秘密，需要委婉的表達和花卉圖案的掩蓋；而Vampons則以吸血鬼形象直白地聚焦於血液，顛覆了人們對血液的負面認知，將其從詛咒轉化為力量。吸血鬼：血液的鑑賞家和欣賞者，而非避之不及者。 霧面黑色的包裝兼具雙重功能：既展現自信，又不失坦誠。它模仿高端產品的質感，給人高雅低調之感，卻不讓人感到羞恥。就連衛生棉條的獨立包裝也沿用了這種設計——啞光黑色搭配極簡的白色文字——摒棄了業內常見的明艷圖案和花卉印花。 瑪麗安和伊曼紐爾運用哥德風格來表達政治顛覆，而非追求固定的認同。 「像哥德、垃圾搖滾和龐克這樣的次文化運動，歷史上都興起於動盪時期，它們作為強有力的文化回應，呼籲變革，並將人類福祉置於首位，」瑪麗安解釋道。 “雖然它們的美學是對‘正常’這一社會建構的視覺挑戰，但這些運動的根本在於爭取真實存在的權利。”   哥德式的未來走向何方？ 哥德式的顛覆性力量在於它始終領先於商業的吸收。一旦溫蒂漢堡能在萬聖節改名為“星期三”，一旦Booking.com能將莫蒂西亞·亞當斯塑造成一個略帶諷刺意味的客服隱喻，這些對黑暗的特定詮釋就被馴化了——變得無害、符合企業利益、適合家庭消費。黑暗不再具有挑戰性——它只是娛樂和銷售的工具。 文化循環要求設計師們去尋找那些品牌仍然不敢觸碰的敏感話題。這並非為了唱反調，而是因為某些真相只有透過正式的策略才能被正視，否則它們將永遠隱形。 「我認為哥德式故事或與之相關的美學從未不受歡迎，」尼科·德洛特指出，像 《吸血鬼獵人D：嗜血》 和吉爾莫·德爾·托羅的 《猩紅山峰 》這樣的電影“長期以來一直是藝術家圈裡的經典之作”，還有以維多利亞時代歐洲一種地方性疾病為背景的電子遊戲 《血源詛咒 》。創意團體一直都很重視哥德式風格；改變的是，如今品牌和機構也想獲得這些藝術家創造的靈感。 “在黑暗時期，”泰迪·布蘭克斯反思道，“反映這種黑暗的藝術可以帶來深深的慰藉。當你將這種黑暗與浪漫和強烈的情感融合在一起時，它就變成了一種情感宣洩。” 下一代運用哥德視覺語言的設計師不會重複他們所見。他們可能會審視結構如同幸運餅乾般的錯誤訊息和無人問津的服務條款，將實體和數位垃圾桶中的零碎物件層層疊加，並直面科技和無形系統如何塑造我們的生活，以及由此導致的自主權喪失。文化檔案庫不斷擴展，因為那些無法言說的領域也在不斷變化。 哥德式風格不會止步不前，它會向著那些依然令人不安的陰暗角落進發。 Iconisus L&Y：猩紅山峰海報（版權所有 © 環球影業）   內容來源: https://www.itsnicethat.com/