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2024 年邁阿密海灘巴塞爾藝術展 \ 照片：巴塞爾藝術展提供   今年的邁阿密海灘巴塞爾藝術展 並沒有讓人失望，來自38個國家的286家畫廊展出了數千件美麗、令人震驚、令人困惑的著名當代藝術作品。六座雕塑讓我停下來的時間比計劃的時間長（有太多東西要看，我在手錶上為每條過道都設置了計時器，以確保我可以在一天7 小時內看完所有的東西）。這些作品（如下所示）具有一種矛盾的效果，即創造了他們自己的迷人的私人世界，同時 又以 某種方式真實地反映或揭示了他們周圍公平的色彩、人物和興奮。 以下是邁阿密巴塞爾藝術展的六位藝術家和畫廊展示他們的作品，排名不分先後。   毛里齊奧·卡特蘭在瑪麗安·古德曼畫廊 毛里齊奧·卡特蘭 (Maurizio Cattelan)，《無題（電梯）》，2001 年。   目前，毛里齊奧·卡特蘭 (Maurizio Cattelan) 最臭名昭著的可能是他上個月 在蘇富比拍賣 行售出的 價值 630 萬美元的香蕉 。在邁阿密巴塞爾藝術展上，管道膠帶香蕉於 2019 年首次亮相， 瑪麗安古德曼畫廊 (Marian Goodman Gallery) 展出了一件早期作品，如果你不往下看，很容易錯過。 2001 年的作品名為“無題（電梯）”，是一對極其細緻的老鼠大小的電梯，電梯門偶爾會打開，發出熟悉的電梯“叮”聲。更增添了這種錯覺，每部電梯上方的微小「樓層數字」都會亮起，暗示每部電梯正在前往看不見的樓層，只在底層打開門。這是熟悉和超現實的，要求你質疑你所看到的，同時想像其餘的。我還喜歡博覽會上最令人驚嘆的藝術品之一，當我拍攝它時，一半路過的參觀者都沒有註意到它。   毛里齊奧·卡特蘭 (Maurizio Cattelan)，《無題（電梯）》，2001 年，2024 年巴塞爾邁阿密奧運會 \ 照片：David Behringer   毛里齊奧·卡特蘭 (Maurizio Cattelan)，《無題（電梯）》，2001 年。   傑里米·肖 (Jeremy Shaw) 在布拉德利·埃塔斯基蘭畫廊 (Bradley Ertaskiran Gallery) Jeremy Shaw，邁向通用模式識別（百年紀念 - 洞察力。1982 年 11 月 14 日），2024 \ 照片：由藝術家和 Bradley Ertaskiran 提供   蒙特婁畫廊 Bradley Ertaskiran 展示了藝術家 Jeremy Shaw 真正催眠的作品。展示他正在進行的「邁向通用模式識別」系列中的六幅作品——每幅作品都是根據「原始檔案新聞照片」創作的，這些照片裝在定制切割的棱鏡鏡頭中。從正面看，這種效果將人們的注意力吸引到每張照片中的某個時刻，但從側面看，圖像分裂成萬花筒般的斷裂，每一步都充滿運動、反射和扭曲。每張照片都捕捉到了從精神到技術的不同且多樣化的「意識狀態的改變」。   Jeremy Shaw，邁向通用模式識別（百年紀念 - 洞察力。1982 年 11 月 14 日），2024 \ 照片：由藝術家和 Bradley Ertaskiran 提供   Jeremy Shaw，邁向通用模式識別（課堂上的電腦。2081 年 10 月 7 日），2024 \ 照片：由藝術家和 Bradley Ertaskiran 提供   Jeremy Shaw，邁向通用模式識別（課堂上的電腦。2081 年 10 月 7 日），2024 \ 照片：由藝術家和 Bradley Ertaskiran 提供   奧拉維爾·埃利亞松 (Olafur Eliasson) 在 Tanya Bonakdar 畫廊 奧拉維爾·埃利亞松，《自我意識軌道力》，2023 \ 照片：由藝術家和紐約/洛杉磯 Tanya Bonakdar 畫廊提供   Design Milk 剛剛將 Olafur Eliasson在 Tanya Bonakdar 畫廊舉辦的 展覽 評為 11 月份紐約排名第一的畫廊——光、聲音和色譜的融合。在邁阿密巴塞爾藝術展上，畫廊展示了這位冰島-丹麥藝術家2023 年的作品，該作品由數十個部分鍍銀的實心玻璃球組成，這種效果可以在每個球內產生倒置的鏡像環境視圖。 「自我意識軌道力的進化」直徑超過 13 英尺，將三維數學圖形抽象化為二維，同時透過各種尺寸的球體賦予幻覺深度。它在數學上非常複雜，執行完美，而且平易近人。儘管它本身沒有任何顏色，但它隨著周圍集市的每一種顏色和動作而閃閃發光，同時產生寧靜和興奮。   奧拉維爾·埃利亞松，《自我意識軌道力》，2023 \ 照片：由藝術家和紐約/洛杉磯 Tanya Bonakdar 畫廊提供   奧拉維爾·埃利亞松，自我意識軌道力，2023（細節）\ 照片：David Behringer   奧拉維爾·埃利亞松，自我意識軌道力，2023（細節）\ 照片：David Behringer   佩斯畫廊的塔拉·多諾萬 多諾萬 (Tara Donovan)，《戰略 XVI》，2024 年，© Tara Donovan \ 照片：Courtesy Pace Gallery   去年春天，藝術家塔拉·多諾萬 (Tara Donovan)在 佩斯畫廊 (Pace Gallery)舉辦了 一場空靈的展覽 ，展覽由數千張二手 CD 製成，背景是摩天大樓的景色。這一系列由無數張 CD 面對面黏合而成的作品也是物質和數學上的奇蹟。這裡的畫廊展示了該系列中的一件作品“戰略 XVI”，高 84 英寸。在這裡，它的部分半透明展示了一個 充滿傑出藝術品 的展位，包括亞歷山大考爾德手機、克拉斯奧爾登堡“餡餅”和彼得亞歷山大令人驚嘆的藍色雕塑（見下面的詳細圖片）。   多諾萬 (Tara Donovan)，《戰略 XVI》，2024 年，© Tara Donovan \ 照片：Courtesy Pace Gallery   多諾萬 (Tara Donovan)，《Stratagem XVI》，2024 年（細節）\ 照片：邁阿密巴塞爾藝術展上的 David Behringer   雅各布橋本 (Jacob Hashimoto) 在 Miles McEnery 畫廊 雅各橋本 (Jacob Hashimoto)，《過去錯誤的宇宙旋風》，2024 \ 圖片：由藝術家和紐約州邁爾斯·麥肯尼畫廊 (Miles McEnery Gallery) 提供   Miles McEnery 畫廊展出了 Jacob Hashimoto 創作的幾件新的基於風箏的牆面雕塑。 《過去的錯誤的宇宙旋風》（上圖）的構圖突出了我最喜歡他的作品的一點——一種既物理又失重的相反的引力質量。 「光的毀滅」（下）在其中心出現了視覺上的故障，有黑白圓圈，所有這些都設置在雲狀的藍色形式中。他的作品的粉絲應該查看他最近在畫廊舉辦的展覽的 鏈接 ，其中有 11 幅最小的風箏作品鼓勵 180 度的視角。   雅各布·橋本 (Jacob Hashimoto)，《光的毀滅》，2024 \ 照片：由藝術家和紐約州邁爾斯·麥肯尼畫廊 (Miles McEnery Gallery) 提供   雅各橋本 (Jacob Hashimoto)，《光的毀滅》，2024 年（細節）\ 照片：David Behringer。   漢克威利斯托馬斯 (Hank Willis Thomas) 在 Jack Shainman 畫廊 漢克威利斯托馬斯 (Hank Willis Thomas)，《社區》，2024 年。   Jack Shainman 畫廊展出了 Hank Willis Thomas 的  新雕塑，題為“社區”，由鏡面拋光不銹鋼製成。七隻手在手腕處相互支撐，鏡面反射著觀看者，而形式本身則充當了通往另一側任何事物的門戶。 這位世界著名藝術家以其攝影作品和雕塑而聞名。 2023 年 1 月，他的 20 英尺高紀念碑 「擁抱」 在波士頓的波士頓公園揭幕，透過代表馬丁路德金恩博士和科雷塔金博士在馬丁路德金博士之後擁抱的手臂來紀念他們的遺產。 對於邁阿密巴塞爾藝術展的作品，漢克威利斯托馬斯 (Hank Willis Thomas) 最近在 他的 Instagram 上發布了“現在我們最需要的就是社區。我們怎樣才能走到一起？   漢克威利斯托馬斯 (Hank Willis Thomas)，《社區》，2024 \ 照片：由藝術家和紐約 Jack Shainman 畫廊提供   漢克威利斯托馬斯，《社區》（細節）2024 \ 照片：David Behringer   對我來說，邁阿密巴塞爾藝術展的七個小時過得有多快，以及傑出的藝術品能夠在多大程度上補充和維持能量和好奇心，這讓我難以置信。 下一屆將於 2025 年 12 月 5 日至 7 日 舉行。   內容來源: https://design-milk.com/

美國The One Show競賽的第一階段線上評審正在進行中，最近ㄧ批收進ㄧ千五百多件......................................... The One Show 2025 最終截止日期為 2月28日！ 這是最後的機會，沒有延長、沒有藉口，只有一次讓你的作品接受國際頂尖評審審核的機會。 如果你有值得被世界看見的作品，不要讓它靜靜躺在電腦裡。 www.oneshow.org | #TheOneShow Tick, tick… The final deadline for The One Show 2025 is February 28!  No extensions, no excuses—just a chance to have your work judged by some of the best in the industry. (Including me!) If you’ve got something great, don’t let it sit in your files. Enter now!   內容來源: https://oneshow.org/

米蘭最近舉辦了今年最令人興奮、最重要的藝術展覽之一：在著名的 倫巴第宮舉辦的 意大利-烏克蘭機構藝術展 “Dal Diario Italiano” （來自意大利日記）。   倫巴第宮 – 米蘭 這次活動由倫巴第大區、烏克蘭大使館和總領事館共同合作，邀請了兩位當代藝術大師：烏克蘭人伊万·圖雷茨基(Ivan Turetskyy) 和義大利人米洛·隆巴多(Milo Lombardo)。除了代表兩種藝術文化之間的相遇之外，該展覽還旨在在烏克蘭戰爭時期傳達和平與兄弟情誼的普遍訊息。   米洛·隆巴多 – 伊凡·圖雷茨基 展覽於9月24日結束，取得了巨大成功，不僅因為參觀人數眾多，而且還因為它所產生的情感影響。兩位大師的作品由 33 件繪畫和雕塑組成，強烈地講述了烏克蘭人民的苦難，同時傳達了希望和堅韌的信息。這次，藝術成為反思對話和外交克服衝突必要性的強大工具。   伊凡·圖雷茨基 (Ivan Turetskyy  ) 1956 年出生於利沃夫，是一位國際知名藝術家，以將烏克蘭傳統藝術與現代影響融為一體的能力而聞名。他在這次展覽中的作品帶領觀眾踏上了一段感人的旅程，穿越了祖國的歷史和文化，凸顯了困擾烏克蘭太久的戰爭悲劇。他出身於藝術世家，長期從事藝術研究，突破了蘇聯和後蘇聯烏克蘭藝術的傳統框架。   他在倫巴第宮展出的作品因其視覺強度而引人注目，其動態和造型形式讓人想起巴洛克雕塑和拜占庭偶像。這些元素與強烈的情感相結合，使他的創作成為烏克蘭人民的苦難和重生希望的強大象徵。   在展覽中最令人心酸的作品之一中，圖雷茨基從烏克蘭文化和宗教圖像中汲取靈感，用顏色和形式來表現戰爭的痛苦和他的人民的韌性。藝術家試圖透過他的藝術提醒我們，戰爭帶來破壞和死亡，而只有對話和外交才能帶來持久和平。   米洛·隆巴多 (Milo Lombardo) 帶來了他獨特的藝術視野、六十多年經驗的成果以及取得無數成功的職業生涯。隆巴多 1941 年出生於巴列塔（義大利），他發展了一種被稱為 「地中海色彩主義」的風格， 其特點是明亮的色彩和抽象的形式，保留了強烈的象徵意義。   在「Dal Diario Italiano」 展覽中 ，Lombardo的作品與Turetskyy的作品提供了不同但互補的視角。當烏克蘭大師描繪戰爭戲劇時，隆巴多選擇使用鮮豔的色彩和動態的構圖來表現生命之美和人類精神的力量。他的畫作  「現代形象抽象化」 與圖列茨基的作品進行了深入對話，在兩種看似遙遠的文化之間架起了一座橋樑，而這兩種文化因對和平的共同渴望而團結在一起。   隆巴多在米蘭展出的最受推崇的作品之一是他的最新作品 《兩位教皇的擁抱》，該 作品於 2022 年在梵蒂岡博物館與教皇方濟各會面期間展出。這座雕塑象徵著兩個精神人物之間的兄弟情誼以及不同民族、文化和宗教的聯合。   該展覽為米蘭和國際觀眾提供了一個獨特的機會來欣賞兩位大師的藝術，但最重要的是，它傳達了一種沒有人無動於衷的和平信息。出席就職典禮的當局，包括來自倫巴第大區、烏克蘭大使館和總領事館的代表，強調了此類活動的重要性，這些活動利用藝術來提高意識和促進團結。 – 特別感謝 –   由於容器實驗室協會和MIUFI協會等眾多協會的合作，展覽吸引了大批觀眾，再次展示了藝術如何成為強大的溝通手段，即使在最黑暗的時期也能成為希望的象徵。在整個活動期間，公眾湧入倫巴第宮的展覽室，欣賞展出作品的深度和強度，使展覽取得了真正的成功。   隨著 2024 年 9 月 24 日正式關閉， “Dal Diario Italiano”   將留在那些有幸參觀過的人們的心中，切實提醒人們藝術如何幫助建​​立人民之間的橋樑並促進和平。   內容來源: https://www.celebremagazine.world/

一個用陶瓷 製成的籠狀結構，一種用楓木雕刻而成的形狀，看起來可疑地像一個蘋果，令人驚訝的是，一個抽象形式的鳥舍； 德國 萊茵河畔威爾維特拉園區的維特拉豪斯 (VitraHaus) 展出了一些有趣、另類且完全迷人的設計。由瑞士室內設計師 Connie Hüsser 和她的品牌 Objects with Love 策劃，40 位 當代設計師 在鳥舍這一經典工藝品上融入了他們的個人主義風格。 2024年11月20日至2025年1月31日期間展出的為豐富多彩的 產品設計 展示做出貢獻的設計師名單本身就是業內一些最知名和新興設計師的名副其實的橫截面。從物質性到形式的實驗， 雕塑設計符合每位設計師獨特的風格和實踐，為參觀者提供了廣泛的 當代設計 的快照，儘管規模很小。   L：Jochen Holz 的 鳥類幻想房屋狩獵 ； R：Rasmus Nossbring 的 記憶巢穴 圖：海因茨·昂格爾   英國 設計師兼玻璃製造商 Jochen Holz 展示了一個超現實的 吹製玻璃 雕塑，其形狀讓人想起織布工的鳥巢。該設計是霍爾茲對熔融玻璃流動性實驗的延伸，這是他設計實踐的核心。另一方面， 斯德哥爾摩 的玻璃雕塑家 Rasmus Nossbring 的設計採用切割和拋光的玻璃製成，在材料的使用上要嚴格得多。有些設計師不是在形式上進行實驗——借鑒鳥舍的通用形狀，配有質樸的山牆屋頂——而是在表達材料的方式上進行實驗。 L：大衛泰勒的 《嬰兒床 II》  ； R：Ferréol Babin 的 Coucou 圖：海因茨·昂格爾   例如， 義大利藝術家 Michela Castagnaro在設計中展示了她獨特的俏皮陶瓷； 日本設計師 Akiko Mori 創造了多孔陶瓷設計作為她的貢獻； 家具設計師 Ferréol Babin 的設計特色是他對  木製家具 的理性態度；新興 產品設計師 Jenna Kaës 展示了一座由絎縫天鵝絨和玻璃珠製成的房子；瑞典製造商 David Taylor 在他的設計中使用了非傳統鋼材；來自英國的 Bethan Laura Wood在 設計展覽 中展示了一個色彩繽紛的築巢空間，並以其標誌性的木製工藝品和 工藝 完全抽象化了鳥舍的屋簷結構。 L：Fredrik Paulsen 設計的 獨立式鳥舍 ； R：Audrey Large 的 Nest-Node 圖：海因茨·昂格爾   雖然這些設計師有效地關注了傳統材料的多功能潛力，但最非正統的設計也使用最激進的材料來表達他們的想法。比利時根特藝術家/設計師 Bram Vanderbeke 的手工藝品由鋁製成，類似於從牆上生長的岩石； Audrey Large 的異想天開的設計讓人想起掛在樹枝上的蘋果；鍍鋅金屬螺旋管成為荷蘭 Lex Pott 的主要形式；克拉拉·馮·茨威格伯格 (Clara von Zweigbergk) 的設計近乎迷幻的結構採用了紙張。另一方面，弗雷德里克·保爾森(Fredrik Paulsen) 和巴勃羅·弗朗西斯科·菲格羅亞(Pablo Francisco Figueroa) 等一些設計師則表現出了他們急需的想像力克製，忠於他們精心設計的設計語言。 簡潔的展示中特別滑稽的是不同的當代設計師解釋幾乎平凡的手工藝品的方式。他們以完全屬於他們自己的美學呈現，經過多年的實驗和對特定物質的親和力的磨練，他們將這些物體從世俗變成了特殊的東西。雖然當代設計正在努力解決諸如設計 可持續性 等緊迫問題，但此類展示提醒人們，設計可能是不嚴肅和幻想的。 「甜蜜之家」將於 2024 年 11 月 20 日至 2025 年 1 月 31 日在德國維特拉校區的 VitraHaus 展出。   內容來源: https://www.stirpad.com/

國際工作室 WHY Architecture 發布了曼谷 Dib 博物館 的圖片，聲稱這將是「泰國第一個致力於國際當代藝術的博物館」。 博物館佔地 71,000 平方英尺（6,596 平方米），預計將於 2025 年 12 月在 曼谷 開放，坐落在一座 20 世紀 80 年代的 倉庫內，由 WHY Architecture 翻修，頂部為鋸齒形屋頂。 WHY Architecture 發布了曼谷 Dib 博物館的圖片 博物館開放後將展示泰國和國際當代藝術，旨在成為「泰國和全球藝術界之間的橋樑」。 工作室表示：“Dib Bangkok 是泰國第一個致力於國際當代藝術的大型博物館。” 博物館位於一座 20 世紀 80 年代改建的倉庫內 該機構由泰國商人 Purat Osathanugrah 創立，以紀念其已故父親 Petch Osathanugrah，其藝術品收藏將構成 Dib Bangkok 的收藏。 奧薩沙努格拉表示：“曼谷充滿了活力、創造力和不可阻擋的精神，早就需要一位能與其活力相匹配的當代藝術支柱。” “我們正在將 Dib Bangkok 打造成一個真正的創意綠洲，成為泰國、東南亞和全球藝術界之間的橋樑。” 「頂樓公寓」將舉辦活動 這座三層博物館內有 11 個畫廊，底層兩側是寬敞的瓷磚庭院，庭院內有一條彎曲的樓梯通往高架走道。 建築物主要由混凝土構成，底層全是玻璃，而較隱密的上層則佈滿了凸出的窗戶。 其他空間包括教堂，這是一個獨特的錐形畫廊，外部舖有馬賽克瓷磚，配有天窗，坐落在水景之中。 類似圓形的「頂層公寓」結構將用於舉辦活動，位於博物館屋頂上，可透過外部樓梯進入。 博物館底層採用玻璃帷幕牆 根據該工作室介紹，博物館的簡約設計借鑒了佛教的啟蒙理念，旨在歡迎遊客進入「樸素、具體」的底層，然後再進入「沉思」的上層。 開幕前公佈的照片顯示，畫廊內部氛圍憂鬱，底層由混凝土柱隔開，而二樓則是一組由屋頂開口照亮的全白畫廊空間。 窗戶從上層伸出 博物館的首屆展覽將於今年稍後開幕，主題為“無形的存在”，展出其收藏的藝術品。 本次開幕展還將包括泰國藝術家 Montien Boonma 的裝置作品以及國際藝術家 Lee Bul、Anselm Kiefer 和 Alicia Kwade 等人的大型雕塑。 工作室創始人 Kulapat Yantrasast 表示：“WHY Architecture 旨在透過 Dib Bangkok 反映這座城市作為國際藝術目的地不斷發展的角色，打造一個促進藝術家、策展人和公眾之間對話的空間，同時支持社區參與和創意交流。” 屋頂開口將光線引入上層 WHY Architecture 是一家國際工作室，由 Yantrasast 於 2004 年創立，在洛杉磯、紐約、曼谷和巴黎設有辦事處。 在其他地方， Kaan Architecten 在巴西完成了生態博物館的建設，這是潟湖修復工程的一部分 ，而 Atelier Apeiron 在中國設計建造了一座拱形文化中心，並帶有梯田屋頂花園 。 效果圖由 WHY Architecture 提供。   內容來源: https://www.dezeen.com/

透過每天在報紙上作畫這個習慣，這位藝術家的計畫證明了當我們將創造力視為與吃早餐或刷牙一樣內在的事情時會發生什麼。   Sho Shibuya的作品與《紐約時報》報紙密切相關。自2020年以來，這位位於布魯克林的藝術家和設計師一直在這份報紙的12×22英寸格式內框定自己的日常畫作；這個尺寸恰如他所比擬的“典型紐約大小的公寓窗戶”。報紙在他創作中的存在，源自於封鎖期的漫長日子，當時他開始用日出景觀來覆蓋那些日益陰沉的頭條新聞；這是一種保持理智的冥想方式，幫助他在封閉的空間裡度過難熬的時光。 與許多人在封鎖期間開始但後來隨著生活恢復而逐漸失落的項目不同，Sho的日常儀式堅持了下來。最初，他只是將大自然的日常之美畫在新聞上，而這逐漸轉變為直面新聞：探索他對每日充斥的悲傷、偶爾的快樂，但始終即時的故事的情感和反應。這位藝術家每一天都在將報紙的頭條延長，將其視覺化成簡單的圖形作品，這些作品能夠取代文字。他的目標是創造“無需標題也能分享概念”的作品，就像廣告牌一樣。 我和Sho進行了視頻通話，他身穿圍裙，似乎正在畫畫，背後是一排從地板到天花板的檔案抽屜，裡面只存放了他多年間創作的部分作品。當他轉動鏡頭給我看他每天都能看到的日出窗戶時，他展示了工作室的另一面，牆上堆滿了日益增長的畫作，報紙從地板一直堆到每一個表面。他笑著說，這是他需要處理的問題——這就是高產的代價；一個持續的儲存難題。 他並不過多關注過去的作品，而是始終關注今天的畫作。因此，這些由限制和一致性所構建的日常創作行為，真實地展示了當我們將創造力視為像吃早餐或刷牙一樣本能的行為時，會發生什麼。它們也是對於對我們的創作堅持一個不變格式所能帶來的新創作可能性的展示。 澀谷翔：爆破氣球，2023 年 2 月 4 日，星期六，美國空軍在南卡羅來納州海岸擊落了一架中國間諜氣球。中國官員堅稱，這是一個民用氣象氣球（版權所有 © Sho Shibuya，2023 年）     It’s Nice That: 我們可以從一開始了解一下你是如何開始畫畫的嗎？你之前經營過一個名為Placeholder的平面設計工作室，我們在2020年曾經介紹過它！所以很高興再次聯繫，並這次能了解你個人的創作。 Sho Shibuya: 是的，沒錯，很高興再次和你們交流！ 我大概已經畫畫有八年了。我在2016年開始畫畫——那時候，我完全不會畫畫。當時，我在一家名為Away的行李公司擔任藝術總監。當我加入時，我是他們的第一位創意員工，負責各種活動的創意工作。有一個特定的活動，我負責做一些平面設計工作，這個活動讓顧客能夠自訂他們購買的行李箱，所以我們有當地的書法家直接在行李箱上作畫。他們在我們非常小的工作室與我們合作。當我在忙著做平面設計的時候，他們就在我背後畫畫，這讓我對過程產生了很大的興趣。 同時，恰好我最近去過位於紐約州上州的Dia Beacon博物館，在那裡我看了一場日本藝術家河原温的展覽。河原溫每天都會畫下自己生活的日期——例如，1984年3月26日——在一個簡單的有色畫布上。如果他沒能在一天內完成畫作，他會將其摧毀。我對他那種精確的畫風感到非常震撼，每個字母都是小心手繪的。他還為每幅作品創建了這些盒子，畫作就放在裡面，盒子背後是他畫作當天的報紙，顯示那天發生的事情。我對整個概念感到非常震驚，這讓我意識到，原來可以用如此平凡的東西來講述一個故事。 這兩件事巧妙地結合在一起，讓我覺得也許我可以開始畫畫。我當時問了在工作室的書法家，了解他在用什麼樣的畫筆，然後當天下班後，我就去了藝術用品店，買了一些東西來開始我的畫畫之旅。 澀谷翔：太陽依然升起，2024 年 11 月 7 日，11 月 6 日凌晨，選舉結果出爐，唐納德·特朗普當選總統，他贏得了所有七個搖擺州以及普選，這是共和黨 20 多年來首次取得這一成就（版權所有 © 澀谷翔，2024 年）     “我開始在《紐約時報》上作畫，幾乎就像用自然來抹去那些新聞一樣，這讓我保持理智。”   INT: 你第一幅畫是什麼？ SS: 一開始我不知道該畫什麼。我有一個個人標誌，我現在仍然在我的個人檔案中使用，這個標誌來自我名字的片假名。所以我的個人檔案標誌是來自這個日文片假名的字母S。 我覺得我可以從這個字符開始，因為對很多美國朋友來說，這種片假名看起來像一張笑臉，就像一個表情符號。這幾乎就像是一種通用語言。所以我開始畫這個片假名的字母，並創作我每天工作後從周圍環境中得到的靈感。這些作品都很簡單，但我堅持每天做。即使我不在，也會畫畫，拍照，然後第二天發到Instagram上。 突然間，這些畫作得到了反響。一家位於紐約NoHo的小畫廊請我做展覽，我完全沒有預料到——我之前從未做過展覽。但我想，為什麼不呢？於是我就去做了。人們喜歡這些作品，我也非常高興，於是接下來的四年裡，我一直創作這樣的作品，直到2020年Covid爆發。 INT: 那就是你開始你的《從小工作室看日出》系列的時候對吧？ SS: 是的，那是從封鎖時期開始的，當時我被困在我的小公寓裡。每早我會從我的“典型的紐約大小”的公寓窗戶看出去，發現日出很美，天色非常安靜，外面沒有人。那是一段非常特殊的時光，但也是充滿痛苦的時期，同時大自然卻在繁榮。每一天，《紐約時報》的頭條越來越沉重，總統選舉、黑人的命也是命運運動，以及當時對疫苗的搜尋——我們對Covid幾乎一無所知。所以我們都非常擔心。 我對大自然的安靜感到非常著迷，開始在《紐約時報》上作畫，彷彿用大自然抹去新聞，這樣讓我保持理智。這個過程某種程度上變成了一種冥想，幫助我保持冷靜並度過這個特殊的時期。那是2020年……從那時起，我每天都在畫畫。 INT: 你能持續那麼長時間每天畫畫，真是太驚人了。封鎖是一個非常奇怪的時期，雖然當時我們很多人可能開始了新項目，但很少有人能持續下來，你能堅持真的很了不起。 這個每天畫畫的過程中，有什麼儀式感嗎？這些年來，你是如何將它融入你的日常生活的？ SS: 我早上醒來，第一件事就是爬上我的屋頂，拍攝日出。有時我會拍個延時攝影，如果天氣不太風大或濕滑，我會把手機放在那裡。然後我會看新聞，和朋友、家人交流。之後，我去跑步——我每天跑3英里，回來的路上會從當地的報攤拿我的報紙。人們經常問我是否訂閱《紐約時報》，但我沒有。我不訂閱，因為報紙是捲起來的，這樣會損壞報紙的質量，影響我畫畫。所以我總是從當地報攤的小哥Ali那裡買。我們已經成為很好的朋友了……然後我才開始畫畫。 INT: 哈哈，真是太有趣了！我本來想問你是不是有一個固定的地方買報紙。你能夠和這個人建立這樣的關係真的很棒。 SS: 是的，真的很棒。當我出差時，他會幫我保存每一天的報紙。 澀谷翔：大衛林區，2025年1月16日，電影製作人、藝術家大衛林區去世。這幅畫是對他每日天氣報告的頌歌，他透過相機坦誠地觀察洛杉磯的天氣（版權所有 © Sho Shibuya，2025）   左邊 Sho Shibuya：加沙，2025 年 1 月 20 日，隨著以色列與哈馬斯停火的達成，巴勒斯坦人返回了被轟炸的加沙地帶的家園——但希望的跡象仍然存在，就像一個穿著超人斗篷在廢墟中徘徊的孩子（版權所有 © Sho Shibuya，2025 年） 右邊 Sho Shibuya：紅色日出，2025 年 1 月 9 日，洛杉磯持續不斷的山火產生的濃煙導致了不祥的紅色日出，消防員們努力控制火勢（版權所有 © Sho Shibuya，2025 年）   “我的目​​標實際上是分享一個不帶標題的概念，就像廣告牌一樣。”   INT: 我很想聊聊你使用的材料。你作品中很吸引人的一點是，你使用了日常的報紙格式，但同時也能看到你在作品中融入了日常或家居材料，特別是那些3D元素。我知道每一件作品都會有所不同，但我想了解更多關於這些材料的故事。 SS: 雖然丙烯顏料是我最基本的材料，但我基本上會使用任何手邊有的東西來達成某種概念。我對使用任何材料都很開放，可能是因為我從未正式學過畫畫。例如，最近我在《紐約時報》頭版做了一條3D蛇，慶祝農曆新年，這是我運用折紙經驗創作的。這只是一個簡單的形狀，但陰影讓它栩栩如生，變得很有趣。 隨著時間的推移，我在畫得越來越多的過程中變得更具實驗性。我覺得我使用《紐約時報》這個規則幫助我保持作品的整體一致性，即使每天使用的材料完全不同。我想這就是為什麼我喜歡在我的作品或生活中設立規則的原因。我覺得這有助於我保持一致性，這種一致性讓我更開放去接受超越它的任何事物。 INT: 我真的很喜歡這個想法——這些限制實際上能創造出更多的可能性。即便你覺得它們可能會限制你，實際上它們會把你引向令人興奮的方向。做一個本質上沒有結束的項目，是否會感到有些壓力？每天總會有新的新聞。 SS: 是的，每天都有新的新聞，通常都是令人心碎的，比如關於戰爭或氣候變化未來的故事。我們所看到的很多東西都很悲傷，但我依然會繼續畫下去。通過這樣做，我努力集中注意力在當下，專注於我今天能做的事。對我個人來說，記錄時間、抓住當下並將其視覺化是非常重要的。所以我把所有精力都投入到我的工作中。 如果我花時間去專注於未來，或者擔心那些讓人沮喪的事情，那樣我就是在給它們能量，這樣我就無法專注於我今天需要做的事——即捕捉當下。 翔澀谷：蛇年，2025年1月29日，農曆新年慶祝活動開始，迎接蛇年（版權所有©翔澀谷，2024年）     INT: 我也很想了解你最近的、以新聞為主題的作品——你是如何選擇這些畫作的故事，並且在開始創作之前花多少時間研究它們？還是你的畫畫過程更多是對每日新聞的感性或情緒反應？ SS: 就像你剛才說的，這真的是一個情緒性的過程。我早上大概會花一小時閱讀新聞，然後找一些讓我感動的東西，是我想分享的東西；有時候是一些令人興奮的事件，或者是一些有趣的事情。這完全是主觀的，取決於我當天最感興趣的事，或者是我想要畫的東西。 也許從我的平面設計背景來看，我的目標其實是要在不加標題的情況下分享一個概念，就像一個廣告牌一樣，對吧？某種你能在三秒鐘內看到並被觸動的東西。唯一的不同是，這次的客戶是我自己，我做這些只是為了自己，然後分享我的觀點。 INT: 這真是個很棒的表達方式。我在想這種更多關注政治或頭條新聞的作品是從什麼時候開始的？你是如何從某天畫日出，轉而捕捉這些故事的呢？ SS: 我停止畫日出的第一天是2020年喬治·佛洛伊德被殺的那一天。在他被警察殘忍殺害後，我在2020年6月2日將報紙的正面全部塗黑。那一天，大家都在Instagram上發布黑色方框來支持黑人的命也是命運動，所以我想用這個簡單的視覺來尊重那些抗議者，並參與其中，站出來反對暴力。我感到非常被觸動，通過我的作品參與更大的事業，然後我想我可以利用這個形式來參與更多的事情。 INT: 聽到這是你作品視覺轉變的起點真是太有意思了。我相信你畫畫的過程能提供一個情感釋放的空間，幫助你每天處理事情，但是否有些日子你根本不想畫畫呢？如果有的話，你是如何應對的？我真的很喜歡你網站上簡介中的一句話：“我擅長持續做事”。我在想，你認為這需要什麼樣的能力？ SS: 我覺得因為我是日本人，我非常擅長遵循規則。在日本，我們的教育和生活方式充滿了各種規則。我覺得日本人非常習慣有規則或限制。所以，我認為這種成長經歷對我產生了影響。現在，我覺得我以有用的方式為自己設立規則，這樣我就不需要太多思考接下來該做什麼。如果我每天都有一定的例行公事，那麼我就有了我一天的基礎，而只要有這個基礎，我就有空間去表達我的情感，並在我的作品中嘗試新的東西。 澀谷翔：8 萬年一遇的彗星，2024 年 10 月 20 日，一顆預計將與木星爭奪夜空中最亮天體的彗星從地球旁經過，科學家表示，這顆彗星至少要 8 萬年才會再次出現——即使會再次出現（版權所有 © 澀谷翔，2024 年）     “我們看到的很多東西都很悲傷，但我仍然繼續畫畫。”   INT: 我喜歡你對於你的創作實踐保持當下的觀點，並且它也成為記錄和記載時間的一種方式——你擁有這個不可思議的作品檔案，可以回顧！ SS: 是的，雖然我非常喜愛印刷報紙，但訂閱者的減少已經影響到了它。總有一天它會消失；我百分之九十九確定在我有生之年，這種格式不再存在。到時候我將無法每天在報紙上作畫。知道這個限制——這東西可能在十年或十五年後就不再存在——讓這個實踐變得格外珍貴。這是現在我唯一能做的事。 以這種方式作畫讓我意識到時間是如此有限，同時我也看到工作室裡那一堆堆不斷增長的報紙，我會想，這些年過去了！但如果這些並非永恆，那麼所有這些作品最終會消失，所以我會在那一天來臨之前盡情享受創作它們的過程。   內容來源: https://www.itsnicethat.com/